有哪些画家是死后才成名的？

《倒牛奶的女仆》，作者：约翰内斯·维米尔（1632年10月31日—1675年12月15日），是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景 和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一 般来说都不大。《倒牛奶的女佣》作于1658年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。是“荷兰小画派”的代表作。

《倒牛奶的女人》是维米尔单个人物作品中最广为人知和深受喜爱的一幅。画中的女佣身材健壮，围裙有一角塞起，正忙着准备早餐。左边墙角有一扇窗户、一只藤篮和一盏灯挂在一边，桌上一些食物杂乱地摆放着。在这幅画中，一种动人的平凡与宁静之美扑面而来，它直接、单纯、有力地表现出了荷兰人的性格，受到广泛推崇。画面上描绘了简陋厨房的一角，早晨的阳光透过窗子照射进来。穿着黄色上衣，系着蓝色围裙的淳朴妇人正在把陶罐里的牛奶缓缓倒下。她神态平静、安详，流露出一种庄重肃穆的神态。铺着桌布的桌子静静地放在那里，上面还摆放着粗糙的面包和一个水壶。墙壁上挂着一个竹筐和一个老式的油灯。这里的一切摆设都是那么平淡无奇，却让人感受到一种平凡、朴实中的崇高和美丽。而画面的逼真，仿佛恍惚中我们穿过时空，回到了荷兰代尔夫特的那个清晨，看到了这倒牛奶的一幕。整个画面统一在清馨静谧的氛围中，妇人倒着的牛奶似乎永远都在流着，时间仿佛都停止了，在这透明的宁静和谐中，人被一种淡泊平静的东西感动，人的灵魂不自觉中得到了净化。画家有着敏锐和精细的观察力，运笔细腻，妇人围裙的一角绾在了上面，围裙显出褶皱的线条，红罐子上的小亮点，甚至桌布磨平的一角都被画家刻画得具体、形象。画面上的光线处理得很柔和，窗外的晨光清清淡淡地照在室内的物体上，自然、平静。色彩的处理也很到位，妇人衣服的白色、黄色、蓝色构成了主色调，三种颜色互相映衬、对比而又调和适中，让人感到柔和、明快。桌子上黄色的面包、蓝色的台布、白色的牛奶与妇人衣服的颜色一一对应。整个画面的色彩和谐而温暖，洋溢着浓厚的生活气息。曾有人对画中面包上的颗粒光泽进行过研究，想搞明白画家是怎么描绘得如此逼真的。最后得出结论是这样的：维米尔先把面包的黄色颜料涂得很厚，然后又在颜料上涂上一层调色油，让它们的光泽渗透到凹凸不平的缝隙里，最后又利用他拿手的高光手法，在面包上点出一些白色和黄色的小圆点。于是就把那种逼真的迷人光泽描绘出来了，也让我们看到的面包就像刚刚烘烤出来的一样。“于细微处见精神”，从这个小插曲中，我们也可以看出画家认真、细致的创作风格。维米尔的绘画给人一种真实感，人物和静物的质感描绘得非常细腻，画中的光线很清淡，却给人明亮的感觉。他的静物画和风俗画都相当成功，深受当时人们喜爱。可是，却被后人长期忘记，直到19世纪，法国的一位评论家列出了他的作品目录，并发表了专门研究他的文章后，沉默了两百多年的维米尔才重新得到了人们的重视。不用很多，通过《倒牛奶的女人》这一幅画，我们就可以感受到他精湛的画技。

作者是荷兰的约翰内斯·维米尔 是现实主义作品巴洛克 洛可可艺术 巴洛克(Baroque)一词的来源至今仍不甚明确。它可能来自以下三词:意大利语的baroco,指中世纪繁缛可笑的一种神学讨论；意大利语的baroc-chio，指暧昧可疑的买卖活动；葡萄牙语的barocco,指畸形的珍珠。三词皆含悖理怪奇之意，因此自18世纪以来，它们都可能被对巴洛克美术怀有偏见的人用作讥讽的称呼。这种倾向在古典主义和新古典主义的文艺理论中尤为明显。这种贬意甚重的称谓不仅表示了古典主义学派的偏见，也说明当时对巴洛克美术研究甚少，了解不多。19世纪后期以来，巴洛克美术才得到积极评价 洛可可（Rococo）时期起源于18世纪的法国，一开始是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。洛可可Rococo这个字是从法文rocaille 演变而来。洛可可时期在油画领域不再表现神、圣人和骑士，而转而表现宫廷的朝臣、贵族等，颜色细致、淡雅，人物纤细。主要代表画家是华托和布歇，华托的“发舟西苔岛”画面迷离，人物雍容华贵；布歇的油画宛若通过钥匙孔偷窥室内，一幅世俗的贵族气息。

由17世纪的荷兰风俗画家扬.维米尔创作，其《倒牛奶的女仆》取材于平民妇女朴实劳作的场景，表现他们颇为诗意化的情感生活，以及具有情感化的劳动过程。充满和煦阳光的空间氛围，以及蕴含着静穆感的人物造型，展示了劳动妇女质朴、善良而又温存的心理空间和精神本质。

约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》

《戴珍珠耳环的少女》1665年创作44.5×39cm肖像 现藏：荷兰 海牙 毛利斯博物馆藏维米尔展在卢浮宫是一票难求，需要在网上预约。尽管如此，展厅内还是摩肩接踵。虽然展览中只有维米尔的12幅作品，却是迄今为止展出维米尔作品数量最多、质量最高的维米尔大展。所以，维米尔作品的前面总是挤满了人。而对于喜欢维米尔作品的人来说，那些作品几乎都是非常熟悉的，看原作的意义于此体现出来。《倒牛奶的女仆》1685年45×41cm现藏：荷兰 阿姆斯特丹国立美术馆好画不在于多的道理再简单不过。维米尔一生只活了43岁，只画了45幅，只有35幅留存于世。就是这么极简的数字成为艺术史上著名画家里作品数量最少的一位。可是，人们念念不忘《带珍珠耳环的少女》，去海牙皇家博物馆就是冲着她去的。因此，学习维米尔认真画好一张画，对于今天的画家来说是值得借鉴的。《小街》 现藏：阿姆斯特丹国家博物馆画大画是当代中国画家的共识，总觉得不够大，所以，画越画越大，字越写越大。维米尔的画都不大，不像比他年长的伦勃朗。论画的好坏不在大小，如果能画到伦勃朗的《夜巡》那么精彩，再大也不是问题。问题是当下中国画家所创作的无数大画和大话一样，是空的，是不能推敲的，是没有维米尔那样的细节可以不断去品味的。《油画寓言》 艺术史博物馆-维也纳维米尔生活在荷兰的黄金时代，与同一时代的其他伟大画家构造了艺术史上的辉煌，可是，一生贫穷。很长时间人们都不认识他，认识不到他。直到19世纪中叶法国艺术评论家泰奥菲勒·托雷-比尔热发现并重新认识维米尔，此后，他才得以让人们另眼相看。艺术评论家的发现在现有的格局之外，其评论的意义和价值才真正表现出来。《读信的蓝衣女人 》 46.6×39.1cm 阿姆斯特丹国家博物馆现在的展览不仅是越来越多，而且是越办越大。展览多了大致可以说明繁荣，肯定可以说展览场地多了、策展人多了、玩弄展览的人多了。当下的展览之多有许多是无效的，是为媒体提供材料和机会的。展览之大是因为人的心大了，心大则事大，现在很多人都不怕事大。卢浮宫也是如此，弄了一批维米尔同时代的作品陪衬，大得适得其反。

　　弗美尔《倒牛奶的女仆》　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%B5%B9%C5%A3%C4%CC%B5%C4%C5%AE%C6%CD&in=21384&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=2&rn=1&di=148798881&ln=12（我不是2级不能post图片，望见谅）　　这一幅《倒牛奶的女仆》作于1685年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。将一个简朴的厨房画得很有感情，甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。女佣人是个健壮如牛的村妇，她塞起了胸前围裙的一角，正忙着准备早餐。左边墙角有一窗户，一边挂着一只藤篮和一盏马灯。桌上杂乱地摆着一些食物。所有人和物的质感都很强烈。　　弗美尔所生活的年代，是荷兰独立后新兴市民阶层高度发达的时代，而弗美尔所居住的德尔夫特城，据说有“欧洲最清洁的城市”之称（在丹纳的《艺术哲学》里对17世纪荷兰市民喜爱清洁与有秩序的生活方式作过详尽的介绍）。我们只要遍览弗美尔不同时期的风俗画，就能领略它的这些特点。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。　　凡.高，《向日葵》　　《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%E8%F3%B8%DF%CF%F2%C8%D5%BF%FB&in=5370&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=0&rn=1&di=1547592376&ln=422　　莫奈《睡莲》　　莫奈在《睡莲》的画中竭尽全力描绘水的一切魅力。水照见了世界上一切可能有的色彩。水在莫奈的笔下，完全成为世上所能有的色彩绘出的最奇妙和富丽堂皇的织锦缎。马奈称他是“水的拉斐尔”。　　在莫奈的《睡莲》中，与其说他是用色彩表现大自然的水中睡莲，不如说他是用水中睡莲表现大自然的色彩。评论家瓦多伊的评价是：“他早期的那些画没有一幅能与这些难以置信的水上风景相提并论的，因为这些画把握了春天，把它留在人间。画面的水呈浅蓝色，有时像金的溶液，在那变化莫测的绿色水面上，反映着天空和池塘岸边以及在这些倒影上盛开着清淡明亮的睡莲。在这些画里存在着一种内在的美，它兼备了造型和理想，使他的画更接近音乐和诗歌。”　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%C4%AA%C4%CE%CB%AF%C1%AB&in=24752&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=9&rn=1&di=107280961&ln=385　　拉斐尔《雅典学院》　　作品简介 这幅《雅典学院》（1510～1511年作），是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学 院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不 同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热 烈，好象在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人 类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的 壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧 ）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被 对称地、然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大 的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好象在说明：现实世界才是他的研究课题；柏拉图 则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想 上的原则分歧。其余的人，众星托月，有的在注视，有的正在谛听这两位老人的谈话， 自然地形成几个小组。 现在再介绍上层台阶上的人物：左上方柏拉图的一侧，一个大胡子老人沉浸在思 考中，苏格拉底刚转身向旁人阐述伦理学上的论据，自左向右第五人是个青年军人， 名叫阿尔西比亚底斯，他的背后有一个人正在招呼走来的两个青年。右上方亚里士多 德的一侧，两个倚在壁龛墙基前的青年，一个在写着，一个在思考，另一个黑袍人物 却孤独地站着，这3个人与左面的一组，在动势上是相反的。 台阶下面的左侧，以坐在地上专注地书写着的数学家毕达哥拉斯为中心，一少年 在旁给他扶着木牌，牌上写的是“和谐”的数目比例图。在他背后一个老人正在记录 毕达哥拉斯的论据数，后面那个伸着脖子、头缠白巾的学者，即是回教学者阿维洛依。 背后稍远，还有一个头戴桂冠，胸靠柱基站立的人，他是语法大师伊壁鸠鲁。在毕达 哥拉斯前面站立的那个用手指着书中句子的学者，是修辞家圣诺克利特斯，两人中间 还有一位身穿白色斗篷的金发青年，他面目英俊，表情冷峻，在向观众凝视着，被认 为是弗朗西斯柯·德拉·罗斐尔，他是乌尔宾诺未来的大公。 台阶下右侧一组，中心人物是躬着身子、手执圆规在一块黑板上给学生演算的几 何学家欧几里德（一说是阿基米德），周围是他的四个学生。这四个人似乎对老师的 讲解领悟得不一样。旁边那个身穿古代黄袍、头戴荣誉冠冕、手持天文仪的，是埃及 天文学家托勒密。在尔托勒密的对面，即是画家拉斐尔的同乡、建筑家布拉曼特（蓄 须的老人），而最边上那个头戴白帽的人，正是画家索多玛，上面露出半个脑袋、头 戴深色圆形软帽的青年，就是画家拉斐本人。把自己画进历史题材内，是当时画家们 喜用的表现方式，只是拉斐尔留给自己的位置太少了点。 画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼。这位学者主张除了 自然需要之外，其他任何东西，包括社会生活和文化生活都是无足轻重的，所以他平 时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，他 与右侧正往台阶上走去的两个人物相联系，同时又与左下角那个倚靠在石桌前沉思的 学者赫拉克里特彼此呼应。赫拉克里特形象孤单，据许多学者考证，认为是拉斐尔参 照了米开朗基罗的《创世纪》壁画里的一个预言家圣耶利米的形象的结果。事实上， 这里的许多形象，体格壮健，动作有力，与米开朗基罗的艺术形象颇有联系。更有意 思的是，柏拉图的头像正是画家以达·芬奇的头像为范本的，可见拉斐尔对前述这两 位大艺术家的崇敬心情。 这幅画的色彩处理也很协调，建筑背景全是乳黄色的大理石结构，人物的衣饰有 红、白、黄、紫、赭等色相交错。透视法的水平是很高的，它不仅增强了画面的空间 深远感，连地面的图案，拱顶的几何装饰结构，都精确到可以用数学来计算。　　http://www.artcn.cn/art/yxyy/painting/200611/11819.html　　米开朗琪罗《最后的审判》　　1535年末，米开朗基罗已年逾六十，教皇仍要他为西斯庭教堂祭坛后面的大墙上绘制壁画西斯庭教堂天顶画画后，教皇兴奋异常，根本不顾艺术家年事已高，企图“让他显示其绘画艺术的全部威力”。 这种疯狂的艺术剥削行为，使米开朗基罗身心俱悴。 老艺术家从1535年末至1541年10月31日止，用了近6年的时间,完成了这一幅体现着画家大无畏艺术魄力的多人物构图《最后的审判》,在这块将近200平方米的祭坛后的大墙上，他绘出了数以百计的等身大小的裸体群像。　　这幅壁画也和天顶画一样，是由米开朗基罗独力完成的。《最后的审判》是圣经的传统题材，在所有的教堂里几乎都有这个主题的壁画。它无非是宣传人死后凡行善升天，作恶入地的因果报应。基督教义说，耶稣被钉死后复活，最后升入天国。他在天国的宝座上开始审判凡人灵魂，此时天和大地在他面前分开，世间一无阻拦，大小死者幽灵都聚集到耶稣面前，听从他宣谈生命之册，订定善恶。凡罪人被罚入火湖，作第二次死，即灵魂之死，凡善者，耶稣赐他生命之水，以求灵魂永生。画家借题表现了许多代表人类正义的呼声的精神形象：在画面最上端，即靠近天顶两个拱形下，左右各绘了一组不带翅膀的天使，他们围住耶稣的刑具，左面一组抱的是十字架，右面一组抱的是耻辱柱。两组人物在云端里向中央倾斜。下面占中心地位的是耶稣形象，这个形象与以往壁画上的耶稣均有不同，他是个壮年英雄，神态威严，不大象圣经上的救世主，倒象一个公正的裁判员。他高举右臂宣告审判开始。在他右侧的圣母马利亚，正蜷缩在耶稣身旁，用手拽紧头巾和外衣，不敢去正视这场悲剧，“世界的末日”，对这位善良的妇女来说是太可怕了。　　在耶稣的左侧(即画面的右方)，有体形高大而年迈的使徒彼得，他拿着城门钥匙正要交给耶稣。在最右边，还可找到背负十字架的安德烈，拿着一束箭的殉道者塞巴斯提安，手持车轮的加德林，带着铁栅栏的劳伦蒂。在耶稣左侧的下面，有十二门徒之一的巴多罗买，一个脸上布满惊骇状的老人形象。他手提着一张从他身上扒下来的人皮，这张人皮的脸就是米开朗基罗自己被扭曲了的脸形。这是米开朗基罗有意这样添加上去的。这些人物都拿着生前被折磨死的用具，诉说着自己的痛苦。在耶稣的右边(即画面的左侧)也有许多历史与神话人物：那个左手背小梯子的，通常被认为是亚当，后面围红头巾的女人，即是夏娃另一个体格壮实的裸体老人，即是圣保罗形象。在这些使徒的下面，是一些被打入地狱的罪人，有的在下降，有的因为生前行善，正在渐渐上升，如画面左侧下部地面上有几个呈骷髅状的幽灵，由于他们的善良，骨骼上重新在长出肉来。在耶稣的中央下部，有一小舟上载七个天使，他们受圣命之差，驾云来到地狱，吹起长长的号角，召唤所有的灵魂前来受审。在这只小舟的右边，有一个头身倒置的、身带钥匙的裸体形象，人们都能指出这是教皇尼古拉三世的权力在下坠的象征，因他生前实行僧侣捐卖制，出卖教职，理应受到惩治。在画面的右下角，有一长着驴耳朵，被大蛇缠身，周围还有一群魔鬼的判官朱诺斯，这里暗指教皇的司礼官，即那个曾在教皇面前攻击米开朗基罗这幅壁画的比阿乔·切萨纳形象。　　这幅气势磅礴的大构图，体现了米开朗基罗的人文主义思想，他要用正义来惩罚一切邪恶“末日”意味着人类悲剧的总崩溃，所有这些形象尽管有的有名有姓，有的泛指一定的社会阶层，大上仍未违背宗教公式的模子。艺术家以超人的勇气，全部采用裸体形象来展示，这又一次证实了他敢于肯定人的意义。米开朗基罗的原则是，执行艺术主要任务的道是人体，因为他们最能体现人的品质。1546年，司礼官切萨纳却在新教皇面前搬弄是非说：“在一个神圣的地方，画这么多显露全身的裸体形象，太不相宜了；这件作品绝对不适用于教堂，倒是可以挂在澡堂或酒店里。”于是新教皇下令让另一个叫丹尼埃·达·伏尔泰亨的画家，给壁画上所有裸体的下身添画了些布条。后人就给这位画家起了一个诨名“穿裤子的画家”。　　《最后的审判》于1541年圣诞节前“开光”了，整个罗马城为之沸腾。人民瞻仰它，视若神明，尤其是壁画中央的那个耶稣，简直是意大利人民英雄形象。他有神的威力，他可以呼风唤雨，他的手势就能使无数裸体变成时代的旋风。艺术家的卓越的写实主义，使意大利人民倾倒了。人民从这个形象上似乎听到了真正的天庭惩罚声，他要惩罚那些使祖国忍受耻辱和出卖人民利益的显要人物。壁画完成后，连远在威尼斯的他的学生瓦萨里也赶来观看，这位美术史家后来是这样评述米开朗基罗的：　　“我们已经看到，至高无上的教皇朱理二世、利奥十世、克里门斯七世、保罗三世、朱理三世和庇乌斯五世，都想把他吸引到身旁。同样，土耳其苏丹苏里曼、法国国王弗朗茨·瓦卢亚卡尔五世皇帝、威尼斯元老院、美第奇家族柯西莫公爵，都愿意向他提供荣誉津贴原因不外乎企求分享他的艺术光辉。只有具备他这样崇高威望的人，才能受此厚待。世人都已目睹并且承认，在他那里，三种艺术都被提高到了完美无缺的境地，这种完美，无论是在古代大师那里，还是在近代大师那里，都不曾见过。”　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%C3%D7%BF%AA%C0%CA%E7%F7%C2%DE+%D7%EE%BA%F3%B5%C4%C9%F3%C5%D0&in=31346&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=1&rn=1&di=1755927220&ln=2　　张择端《清明上河图》　　《清明上河图》 本是进献给宋徽宗的贡品，流传至今已有800多年的历史。其主题主要是描写北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。作品气势恢弘，长528.7厘米、宽24.8厘米。画有587个不同身份的人物，个个形神兼备，并画有13种动物、9种植物，其态无不惟妙惟肖，各种牲畜共56匹，不同车轿二十余辆，大小船只二十余艘。这件现实主义的杰作，是研究北宋东京城市经济及社会生活的宝贵历史资料。《金明池争标图》描绘的是皇帝带领近臣到金明池观水战、赛龙舟的热闹场面。图长28.6厘米、宽28.5厘米，略呈正方形。小小的画面，把周围9里多的池面及池岸边的景物悉数摹画下来。着重描写池中的大龙舟及周围的小船，用动静结合的手法，概括地绘出了金明池的全部景色和皇帝观看争标的场面，画面紧凑，结构严谨，主题突出。　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%D5%C5%D4%F1%B6%CB+%C7%E5%C3%F7%C9%CF%BA%D3%CD%BC&in=24752&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=9&rn=1&di=1596516001&ln=284　　葛饰北斋《神奈川冲浪里》　　画面以大胆而直接了当的构图和造型手法，表现了一个激动人心，令人振奋的场景：在汹涌澎湃的海浪中，有两条奋进的船只，远远望去是富士山。作者以极低的视点创造形象，表现出动荡不安、紧张激烈的氛围。左面高高隆起的浪尖，犹如一片乌云从天而降、扑面而来，充分显示了大自然的巨大威力。作者也许就是试图通过这一手段来表现人与大自然的抗争，并以次象征日本民族的精神和气节。因此，这不仅仅是一幅风景画，它充满着哲理和深刻的寓意。画面色彩统一在蓝色的调子之中，黄色的船只及近似于土黄色的天空和背景，与海浪的蓝色形成鲜明的对比，浪花的表现更加渲染了画面的紧张和归纳的手法，准确地表达了该画的主题，表现了具有阳刚之气的风格特征和乘风破浪、勇往直前的大无畏精神。　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%B8%F0%CA%CE%B1%B1%D5%AB+%C9%F1%C4%CE%B4%A8%B3%E5%C0%CB%C0%EF&in=7331&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=5&rn=1&di=1612750448&ln=10　　安格尔《泉》　　安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。　　他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。”　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%B0%B2%B8%F1%B6%FB%C8%AA&in=16588&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=2&rn=1&di=2213932620&ln=95　　波提切利 春　　略早于《维纳斯的诞生》一画的波提切利的另一幅名画《春》(1476～1478年)，也属于这一类题材的作品。在这里，人物比前一幅要多些，也是按照诗人波利齐安诺的诗来创作的：中间也是一位维纳斯，但形象并未比前一幅上的维纳斯有更多的欢乐情绪。相反，倒是左边三位优美女神(阿格莱西、塞莱亚、攸美罗西尼)描绘得富有生气：森林边，这三位女神沐浴在阳光里，正相互携手翩翩起舞。右边的一个象征华美，中间一个象征贞淑，左边一个象征欢悦。她们将给人间带来生命的欢乐。波提切利用中世纪的装饰风格来展现这三位女性形象，线条富有节奏感，人物的形体美借助于线条来体现，十分流畅。 在画的右边，分别是花神、春神与风神(自左至右)三个形象，象征春回大地，万木争荣的自然季节即将来临。　　http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=0&tn=baiduimagedetail&word=%B2%A8%CC%E1%C7%D0%C0%FB+%B4%BA&in=20194&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=0&rn=1&di=956349241&ln=34

【日本】高畑勋 著 就像是聆听莫扎特的音乐，不管你如何喜欢，或同谁一起欣赏，总有那么一些画作，你无论如何不愿开口对它有所置评。光是一直瞧着它，将眼睛和心灵托付给它，便已足矣。就算有点什么遗憾，也无法置换成完美的言语。我没有那种能力。于我来说，维米尔①就是这样一位画家，画出了几幅让人“失语”的作品：《倒牛奶的女仆》《戴珍珠耳环的少女》《小街》《德尔夫特远眺》。 但在这个世界上，有些人却能力强大，既善于感受，也善于表达感受。哪怕对莫扎特、维米尔，也不是硬扯些大道理，而是能够谈得切中本质。例如，LIBRO社翻译出版的《维米尔画集》（1911年）卷末有一篇文章《批评的财产》，将19世纪中期的各种评论做了一个选粹。这部大作的卷首处，是画家兼诗人吉尔·阿由（Gilles Aillaud）的文章《不被看见的看见》，而这个题目“不被看见的看见”，我觉得抓住了维米尔绘画的本质，涌起了阅读的兴趣。文中有几处，将同时代荷兰绘画天才伦勃朗的用光手法做了比较。稍微有点长，我在这里稍作引用： 年轻的时候，某一天近午时分，我睁眼醒来，吃了一惊。关着防雨木窗的昏暗房间内，倒映着一小片浓缩的、色彩天然的室外景色，来自对面的N小学。有一些状似孩童的光影在移动，比起真实的景色来说更鲜明美丽。就像弯下腰把头探到两腿之间的一次窥视，看到一个小小的逆世界。我的窗子正对小学，木制隔板窗上的小孔跟毛玻璃因为偶然的关系，奇迹般形成了一个针孔照相机。 明明是如此鲜明的一份记忆，可之后的事，我却怎么也回想不起来了。我还跟别人讲过很多遍，但也总限于目睹时的那个瞬间。有这么棒的一份体验，却不记得后来发生了什么。是工作太忙，慌慌张张出门了吗？感觉就像梦境一样无凭无据。究竟是否真的看到了？哦不，看到还是毋庸置疑的。 孩提时代，我搞过制作针孔照相机和改良型镜头式相机的实验。不是显影在感光纸上，而是跟那间我借宿的公寓的窗子一样，只投映在暗箱之内。尽管如此，也十分神秘。维米尔为了作画或许曾经使用过的暗匣装置，跟它们都是源于同一原理。 当我听到有说法称：维米尔在作画时大概曾利用过暗匣装置，我当即便接受和信服了。维米尔的绘画之所以独树一帜、无有与之拟者，首先就在于它的某些地方看起来很像早期的写真，并且是几乎是不可能存在的精湛写真——近距离的、充满秩序、由透视建立起来的构图与人物配置，对光的出色运用、点描与高光、阴影的极度精确，以及笔下男女人物那种必须迫使模特长时间保持静止的姿势，等等。 不过，后来我也得知目前另有一种已成定论的见解，认为维米尔虽熟知相关的光学知识，以及由它所产生的影像特质，但直接将其应用在作画中却是难以想象的（《维米尔——栖于狭小室内的大世界》，小林赖子等著，六曜社，2000年）。对此观点，我无法不质疑。究竟到何种程度才是所谓的“应用”？这问题很微妙。尽管如此，我至今依然觉得，维米尔在作画过程中曾利用过暗匣装置是显而易见的。 为什么呢？因为作用于观者的，是维米尔“画面之外看不到的这一端”所隐含的巨大力量。那份“巨力”，是画家凝然不动的双眼，即“视点”之力。 维米尔的绘画里，司空见惯的日常之物与人，作为一种几乎具有真切触感的东西，浴着侧面而来的自然光，以一份虽亲切平易，却绝然无法亲近的“实存感”静静处于其中。而那份平易，在他对纵深远景的处理上也可有所感知。例如地板的花砖等，虽说巧妙运用了透视法，但常见的那种“让两道斜线自画面两侧向着消失点延伸”的炫技式手法，却一处也找不到。宽阔的墙壁必然是以正面呈示，画面被垂直的面以及或水平或垂直的线条支配。而令人无法轻易亲近的特质，也正是由于构图的井然有序，保证了一种静谧的氛围。（如小津安二郎！）另外，这份呈现出真切触感的魅力，在同为17世纪画家的委拉斯贵支②、伦勃朗等人既具共通之处又各自迥异的、稍显粗粝的笔触中也能有所窥见：特别的物质感、色彩、真实的光线、静谧。 维米尔的画作中，物就是物本身，被施了一道以我们的眼睛绝对无法发现的魔法，呈现在我们面前。宛如观画之人自己的眼睛化成了“维米尔之眼”，事物看起来如此新鲜。他的绘画，不会让观者觉得人物与室内的风貌全是经由画家构想得来，而是的确有那样的房间、有摆出那样姿态的人，维米尔用他非凡独到的眼光注视着它们。与其他画家的作品一样，被写物都是确确实实的“存在”。不过，与其说是维米尔的作为赋予了它们的存在，倒不如说是他那种“注视”本身至今仍然存在。并且，观画之人也将“观看”的行为持续不断地加以强调。 观看的位置相当自然，并不超出我们日常熟悉的范围，特别是室内场景与人视线的高度相当接近，不过，反倒诱使我们生出一种感觉：似乎正窥视着不该去窥视的东西，也因此更加想要去窥视。这种手法，并不仅限于《情书》等在画面中置入了前景且以幕帘遮挡的“窥视性”纵向构图。可以说，每件作品都具有“窥视感”。不论是散漫不经意地一瞥，还是聚精会神地观察，皆如此，在此刻、此处窥视着。这种奇妙的专注力，在观赏维米尔的画作时总会无意识地启动，发生着作用（如同小津安二郎的正面固定镜头）。并且这种“当下在注视”的状态，也让人陷入到一种静谧的、将永远持续下去的感觉之中。带来这份感染力的原动力，实际上，正来自对于暗匣装置的使用，来自于它的“视点”。 《德尔夫特远眺》的魅惑，在于那辽阔的天空、云朵、照射在城市深处建筑物上的阳光，与画面上方灰暗云翳所对应的、河岸边阴影笼罩的建筑群、船只，以及阴霾中星星点点的微小光粒为灰云镶上的亮边；城门前小小的人影，还有呈带状横贯画面的城市布局，那水平的、正面取景的构图，营造出一种静谧的气息。河面上的倒影，及近景处的河岸、岸上的居民尤其是面对面站立的两个女人……都令观者无法不发出赞叹。 看到这幅画，我们会觉得此时此刻自己真的在眺望这样一道风景。事实上，这也是因为处于画面此端的我们，正在经由一个确确实实的“视点”进行观看。对近景处河岸的描绘可以证明这一点。多数采用此种构图的绘画作品，对近景的表现都令人失望，它们与画面整体之间的关系大抵都显得暧昧，再没有像《德尔夫特远眺》这样的画作，将近景与其中的人物，以自然的角度、自然的比例，恰如其分地纳入大全景之中。完全不需变换自己的位置，我便可将视线投向河对岸的城市景观，而此时，也只需垂下眼睛，就可以清清楚楚俯视到近景的两名女性，但我的角度一动未动。 这幅画为何不取名为《德尔夫特的风景》，非要叫作《德尔夫特远眺》（A View of Delft），让人去体会“观看”这一动作的视觉意味呢？必定是因为，取名之人对“视点”的存在有着强烈的感受。 维米尔画作之美，恰如诗人安格鲁斯·西里西乌斯③咏叹的玫瑰：无谓因由。 读着这样的诗句，我为自己硬搬了一堆大道理而感到羞愧。不过，即便维米尔曾使用过暗匣装置这件事终被查明，他绘画的魅力也绝不会减损分毫。玫瑰依然是玫瑰，绽放在那里，今后亦会持续不变地吸引着观者。 （补记）维米尔在日本也人气颇高，虽说只有极少几幅作品来展，美术馆里却纷乱嘈杂、人山人海，欣赏那些静谧画作的气氛荡然无存，叫人无可奈何，也遗憾不已。某艺术学校把《倒牛奶的女仆》中的桌子PS到报刊广告中搞噱头的做法，亦叫人气恼。不过，我倒很为影片《戴珍珠耳环的少女》（2003年）感动。故事的主人公不是维米尔本人，而是画中的那位少女，而且，尽管谈不上对人物的心理活动有什么全面细致的了解，仍会在每一个场景，都感到寡言少女内心的悸动随画面直接传递而来。那份静谧又令人心动的、不可思议的存在感，不由让人品味到一种“维米尔式的成分”。其间，更有我们通过他的画作恣意想象出来的（同时也是被他周围那些画家的画作所不断背叛的）17世纪荷兰充满“魔法”的室内景象。 2004年11月

答案是B。维米尔是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。 代表作品有《戴珍珠耳环的少女》，《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。

1，达芬奇《蒙娜丽莎》 意大利3，马奈《奥林比亚》 法国4，达芬奇《抱银鼠的女子》 意大利6，德拉克罗瓦《自由引导人民》 法国7，米开朗琪罗《创造亚当》 文艺复兴时期8，波提切利《维纳斯诞生》 佛罗伦萨（文艺复兴早期）11，弗米尔《倒牛奶的女仆》 荷兰剩下的五副应该是文艺复兴时期的作品

最强蜗牛家园彩蛋刷新机制详细解析,相信很多小伙伴对这一块不太清楚，接下来小编就为大家介绍一下最强蜗牛家园彩蛋刷新机制详细解析，有兴趣的小伙伴可以来了解一下哦。最强蜗牛家园彩蛋大全首先，家园彩蛋主要包括：厄运果实、宠物猪便便、易拉罐、乌鸦刺身、大酱汤、基因作弊码。其中家园宠物猪由异界之种（击败房间机器人获取）+宠物项圈（贩卖机购买）+宠物食盆（贩卖机购买）激活家园宠物猪功能激活彩蛋。刷新机制细心的小伙伴们会发现这些彩蛋会按照每6h的时间频率刷新一次，但是，再细心点的伙伴会发现，为什么有时候我拾取完彩蛋后，下一次不到6h，甚至有时候4h、2h又可以拾取彩蛋了呢?这里跟笔者来聊一聊彩蛋怎么刷新的，我们按照12h为一组：经过笔者多次验证，以每12h为单位：家园彩蛋是按照(6+x)+(6-x)＝12h＝两次彩蛋来刷新的，其中x代表6h后刷新彩蛋，未及时拾取的时间。例:在夜间0点拾取家园彩蛋后，我未能在早晨6点及时拾取下次彩蛋，但在早晨9点的时候我才拾取了彩蛋（延后了3h），那么在中午12点的时候必定会刷新下一次的彩蛋（也就是0——6——12刷新彩蛋），下一次就是按照12——18——24点来刷新彩蛋。这就是有小伙伴不到6h就能拾取2次彩蛋的原因了。知道这个原理，那么我们可以充分利用，尤其是喜欢收集爱好的伙伴们，因为固定6h拾取一次，不是大多数人能做到的。彩蛋奖励接下来我们，再看看为了满足收集爱好者，蜗牛准备了哪些事件和贵重：易拉罐拾取100次可获得“拾荒者”个性标签:拾取宠物猪便便，并完成宠物猪的愿望，可获得相应奖励，以及绿贵-变异金针菇、绿贵-玉雕双猪、紫贵-倒牛奶的女仆对应光环技能。宠物猪愿望清单和试炼：拾取乌鸦刺身彩蛋并使用，可完成绿贵-猎鹰标本的光环技能：

原名：翁弼康生日：1978年12月5日广东省流行音乐协会会员职业：填词人、写作人居住地：广州星座：射手花：薰衣草画：《倒牛奶的女仆》兴趣：怀旧运动：乒乓球演员：安东尼鹤健士电影：《春光乍泄》导演：奇斯洛夫斯基作家：川端康成作曲家：巴哈座右铭：一切有限期

　　荷兰人是喜欢描绘生活的，这也是荷兰绘画的特点之一。尤其是17世纪荷兰画派画家哈尔斯、伦勃朗、维米尔等一批大师，都是以描绘生活为主要题材，涉及到的题材有教堂、城镇、风景、牛群、家庭、食物等。17世纪荷兰的绘画被看作是对荷兰和荷兰人生活的描绘，这种生活描绘性绘画对整个欧洲古典绘画也有很大的影响。欧仁u30fb弗罗芒坦认为，荷兰人描绘了他们自己及其祖国的肖像，我们也从中感到一种心灵的崇高与善良，一种对真理的挚爱、对现实的热恋，所有这些使他们的作品具有一种深刻的价值。 　　16世纪下半叶的欧洲，由于尼德兰北方地区在反抗西班牙统治的革命中取得胜利，1581年宣布独立，后于1609年建立了荷兰共和国，这也是欧洲第一个资产阶级共和国。荷兰独立以后，在政治、经济、文化等很多方面都得到了自由发展，很快便成为欧洲最先进的国家之一，也形成了一套很完整的资本主义制度。资产阶级的上升也极大地影响了荷兰的艺术，对荷兰画派的形成与发展起到了推动作用。他们首先摆脱了天主教会与宫廷贵族的束缚，在尼德兰传统艺术及卡拉瓦乔主义的影响下，更加适应平民阶层的审美情趣。绘画从为教会和宫廷服务转向面对代表资产阶级的新兴市民，又伴随着绘画市场和画商的出现，以描绘生活、生动写实、朴实无华的绘画语言为主流艺术品，从而主导了社会与那个时代的荷兰。画家描绘着丰富多彩的市民生活与优美庄严的自然风光，从富商到平民、从教堂到茅舍、从豪华的会客厅到普通人家的厨房、从田野的牧群到乡村的小道、从花鸟走兽到盘中餐食、从酗酒斗殴到**妓院等，生活中的每一个角落似乎都成了荷兰画家绘画创作的题材，也为他们提供了艺术的灵感。欧仁u30fb弗罗芒坦在1876年有一段这样的论述：“荷兰绘画不是也不可能是别的什么，只能是荷兰的肖像，其真实的、准确的、完整的、栩栩如生的、不加任何修饰的外表。”弗罗芒坦甚至认为荷兰画家在作画的时候没有任何的主题思想。正如法国学者丹纳在其《艺术哲学》中所讲的那样：“意大利人看到人生在阳光下发出枝条，而荷兰人看到的是在地下生长的根株。”德国著名美学家黑格尔也说过：“荷兰画家的艺术表现的内容是从他们本身、从他们的当前现实生活中选择出来的。” 　　现实生活是多元化的，也正是因为其本身多元化而为艺术家提供了广阔的创作空间，这便使得艺术风格呈现出多样化的面貌。如果说17世纪的荷兰艺术是一种描绘性艺术，那么区别于它的意大利艺术便是以叙事性为主。但是，这种区别并不是绝对的，从中其实可以发现无数的变化或者例外的情况，有些法国画家、西班牙画家的作品甚至包括意大利的某些画家的作品，都完全可以被看作是描绘性的，描绘生活也是某些艺术家两面性的一种表现，生活的多元化使得画家具有这种两面性。鲁本斯这个深受意大利艺术影响的北欧人，在很多情况下用两种形式来表现其作品。区别的价值能帮助我们看清历史的事实，人们不该以地理界限而区别于这种变化，这两种形式的关系就是历史的体现。在整个欧洲，17世纪以前及17世纪以后的一些最有才华的艺术大师，如意大利的卡拉瓦乔、西班牙的委拉斯贵支、法国的库尔贝等画家都有其两面性，也都信奉这种描绘性绘画，更早的扬u30fb凡u30fb爱克也有其特点。我们也可以将“描绘性”与“写实主义”并称，把人物形象在动态中凝固住，然后把它画下来，如维米尔的《倒牛奶的女仆》，连牛奶都被凝住了。这种先把生活凝固后再描绘下来的绘画，虽说不是荷兰人创造的，但17世纪整个荷兰绘画的主题特性及描绘手法是前无古人的。 　　荷兰早期绘画在17世纪被看作阿姆斯特丹前期，主要艺术家有弗朗斯、巴登斯、拉斯特曼、皮纳斯兄弟、克雷斯u30fb莫亚特等，他们以历史画为题材。如果说伦勃朗之前以历史画为主，伦勃朗之后转向肖像画，那么这些历史画家也被称为前伦勃朗画派。他们使历史画从样式主义向前进了一步，探索了叙述性很强的题材，但还缺少描绘性，更不反映生活状态。这些题材中所描绘的人物的形体和精神向他们的表现能力提出了挑战，这就为伦勃朗奠定了基础。他们与当时的作家和戏剧界保持着密切的联系，对当时文化生活起到了很大的作用。弗朗斯u30fb哈尔斯是荷兰美术史中现实主义肖像画的风俗画的奠基者，他是伦勃朗以前最出色的肖像画家，也是荷兰绘画由历史画向肖像画转变的关键人物。哈尔斯把历史画向集体肖像画转变，他面对荷兰共和国成立初期的社会各阶层人物，以流畅奔放的笔触和响亮透明的色彩，传达出他们朝气蓬勃、无拘无束的精神面貌。 　　伦勃朗是17世纪荷兰绘画黄金时代最具影响力的艺术大师，也是整个欧洲古典绘画史上最杰出的画家之一。伦勃朗也是阿姆斯特丹人，曾师从于历史画家拉斯特曼，拉斯特曼从意大利留学回来后带来的卡拉瓦乔明暗技法，对伦勃朗影响巨大。这种描绘手法结合荷兰民族写实传统，加上时代因素和自我意识，以油画、版画为主。伦勃朗早期以历史画为主，这显然是受到阿姆斯特丹前期画家的影响，后转向集体肖像。《夜巡》是伦勃朗集体肖像的代表作，也正是这张画标志伦勃朗的绘画开始转变，转向以个人肖像和描绘生活为主题的作品，至此便开辟了荷兰画派对生活描绘性的开端。如果说伦勃朗早期的历史画受拉斯特曼、克雷斯u30fb莫亚特的影响，后来的集体肖像更像弗朗斯u30fb哈尔斯，那么把个人肖像推向成熟的便是伦勃朗。伦勃朗的肖像画和文艺复兴早期的肖像画大有不同，就绘画技巧不说，只从肖像画本身来看意义就大不相同。文艺复兴早期的肖像画大多是为宗教和贵族画像，有照相留影的意思。而伦勃朗甚至包括哈尔斯的作品，不管个人肖像还是集体肖像，都是具有描绘性的。肖像画和留影是完全不同的两种概念，这种现象也是从荷兰开始的，它的社会作用也类似于今天的艺术品，而不是实用性的。绘画作品作为财产从画店或市场买来，挂在墙上用以充实空间或装饰室内，这是有明显的艺术独到之处的。伦勃朗后期把这种描绘性绘画直接深入进生活，画家庭、画仆人、画妻子、画书桌等，直接描绘生活的绘画便从这开始了。伦勃朗寿命较长，他经历了历史画、集体肖像、个人肖像、描绘生活场面的若干的转变，这种转变不但是荷兰绘画的一种转变，也是整个欧洲古典绘画的转变。这种转变是欧洲人在艺术观念上的转变，这也与资产阶级的建立和经济的发展有直接的关系。 　　荷兰人把他们的绘画说成是描绘实际所看到的世界，在对世界的观察中，荷兰绘画显得丰富多彩，在技巧的表现上令人眼花缭乱，他们关心的题材充满了家庭温情。对肖像、风景、静物和日常生活的描绘表现出这个充满欢乐的世界里的人们所获得的愉悦，有家庭团聚的愉悦，富裕生活的愉悦，城市、教堂、小镇、乡村和大地的愉悦。荷兰艺术使人们的眼睛得到了享受，然而这种绘画如果说在伦勃朗那里还不是主要的，那么维米尔则是更直接描绘生活小场景。维米尔早年师从伦勃朗的学生法布里丘，他也画肖像，但更善于从平静悠闲的生活瞬间发掘诗意，通过和谐微妙的光影与虚实变化，以简洁洗练、朴实凝重的造型处理，强调出画面的空间感，他被称为“歌颂宁静生活的诗人”。从哈尔斯到伦勃朗再到维米尔，荷兰画派从历史画转向群体肖像，又从群体肖像转为个人肖像，最后从肖像画到风俗画。风俗画主要以社会生活风俗为题材的人物、风景包括静物等，反映了当时荷兰市民阶层的审美情趣。描绘生活已经成为那个时代荷兰绘画的基本特征，霍赫、鲁伊斯达尔、霍贝玛、卡尔夫等画家的出现，也更加让人们看到这个描绘生活的荷兰画派。 　　这个时期荷兰绘画有着良好的市场，荷兰画派的画家也把这种描绘性的价值判断传达给了观众和画商。这种凝固生活再描绘生活的绘画还在延续，有善于画夜景的尼尔、善于画牧场和牛群的波特、善于画城市的海顿、善于画教堂的萨恩、善于画海洋的维尔德、善于画餐桌的克拉斯、善于画水果和花卉的海姆、善于画鱼虾的贝耶林、善于画野味猎物的阿尔斯特等。这种延续，虽然说继承了荷兰绘画的特点，但也变得更加世俗化。 　　我们再来回顾一下描绘生活的荷兰画派发展脉络。早期受意大利的影响，以叙事性绘画为主，强调情节性、故事性，这种历史画的画面是动的，以克雷斯u30fb莫亚特为代表。之后向群体肖像转变，虽说少了叙事性，但仍缺少描绘性，有集体留影之说，以哈尔斯为代表。再向个体肖像转变，留影减少，艺术描绘性加强，并与生活场景相结合，以伦勃朗为代表，可以说他是一个关键转折，而他一个人也包含了前三种不同时期的特点和三种转变。再后来又向描绘生活小场面的风俗画转变，以维米尔为代表。最后转变为迎合市场的世俗画，以卡尔夫为代表。 　　如果说15世纪强调的是理解和解释，是一种对科学的诠释，那么17世纪则是观察和表现，是对生活的感悟，这也是整个欧洲的一种现象，正是荷兰把这种理解世界的方式充分地体现在生活形象的塑造中。在荷兰绘画的黄金时代，17世纪的荷兰画派画家怀着民族独立后的自豪感，将艺术的表现对象推进到社会生活方面，以描绘性的手段、写实的手法、平凡的语言，丰富了绘画艺术的表现力，为以后的现实主义艺术的发展开辟了道路。 　　参考文献： 　　[1]马延岳.外国美术史[M].北京：人民美术出版社，2007. 　　作者单位：哈尔滨师范大学 　　（责任编辑：轩蕾）

“娃娃屋”，是2018年英国拍摄的3集电视剧。讲的是荷兰的事情，年代对应“清”，1686年，清圣祖康熙二十五年，日本灵元天皇贞享三年，中国农历丙寅年（虎年）。 以上是网上给出的“娃娃屋”的介绍，作为参考资料，给出一个粗略的轮廓。这是爱奇艺的剧情介绍，看完以后，一个未知者是不是会觉得，这是一个悬疑片，涉及恐怖，悬疑，玄幻，阴谋，怎么可能只有3集，这里面爱恨情仇，巫术蛊惑，怎么也得30集才能讲清楚吧。所以这就是经典英剧的特点，不像是美剧，怎么也得给你整个3季，60集。 如果你看过第三集的文字简介，估计就没有兴趣去探究这部剧到底讲了什么了。其实最后还是充满启示的。 一、人物 人物简单的都不用做脑图，不过我还是会做一个的。 男主为中心，1.女主"男主的新婚妻子；2.男主的姐姐；3.男仆；4.女仆；5.男主的情人；6.男主的朋友和7.他的妻子；8.法官；9.牧师；10.烘焙师和11.他的妻子；12.娃娃屋神秘的制造者。 台词多的人就13个，可是个个都是戏精，画面就像一幅又一幅的油画，过瘾。 二、背景 1600年之后，是荷兰经济发展的时间段。海上贸易的发达，带来经济繁荣。荷兰的绘画在这期间，也空前发展。 例如：维米尔 约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。 代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。 在电视剧里，男主人家有很多瓷器。蓝白的青花瓷，是中国瓷器和阿拉伯颜料的完美结合，荷兰人开始进口这种瓷器，后来狂热地效仿，并在自己国家里建立了蓝瓷工厂。 我们去荷兰的时候专门到代尔夫特的皇家蓝瓷厂参观，还画了盘子并且烧制了。 三、原著 原著的名字并不是《娃娃屋》，而是微图画家。THE MINIATURIST 更具有匠人气质，更专业性。这不是给小宝宝玩的玩具屋，而是再现了现实情境的微缩模型。主人公的生活在微缩模型中一一体现，并具有暗示和预示。当女主人确定工匠没有恶意后，想找到其，恳求其给与指导，解决生活困境。但是工匠痛苦地说，一切她都看到了，可是她没有办法解决困境。在所有困境都出现后，给出了希望和转机会来到的提示的人还是如“圣徒”/“女巫”般的工匠。 四、街道 2010年，荷兰阿姆斯特丹辛格尔运河带被列入《世界遗产名录》，成为荷兰的第九处世界遗产。联合国教科文组织给出这样的评价：“阿姆斯特丹运河带是16世纪末到17世纪初规划一座新‘港口城市"的产物，体现了历史与城市的完美结合。”阿姆斯特丹运河边的房屋大多都建于17世纪中期，为红砖建筑，梯阶尖顶，外形精致优雅。男主人的家就在这个区域内。四、信仰 荷兰的多姿多彩，上面那段话虽然说的是城市建筑风格，但是很能表达出荷兰生活的精髓。但是“娃娃屋”的男主人没有享受到这种精髓，而是为了缔造这种精髓付出了生命代价。那是资本商人和贵族之间的矛盾，新教徒与同性恋者的矛盾，白种人与有色人种的矛盾，也许这些在现代荷兰都达到了完美的平衡，但是在17世纪，正是各方交锋的时刻，结果男主人被沉海因为他的性取向，女主人因为和黑人男仆未婚生子难产而亡，一家有资产者最后剩了一个名义上的女主人，和一个混血孩子。但是当最后，女主人坐在桌子后那一刻，如女王般宣告了即将到来一个新视界。

荷兰画家弗米尔画家维米尔出生于1632年，他的父亲是荷兰的一名艺术商人。弗米尔的父亲去世后，弗米尔继承了父亲的事业，也从事绘画。弗米尔的作品画家维米尔跟随当时最有才华的人法布里齐乌斯学习绘画，21岁加入代尔夫特画家协会，两次担任画家协会的领袖。画家维米尔子女众多，所以生活十分窘迫，可以用贫穷来形容。有时弗米尔不得不用油画来抵押面包店的债务，这使得他的作品流传甚广。1675年，画家维米尔参加了抵抗法国军队入侵的战斗。因为过度劳累和饥寒交迫，他不幸去世，年仅43岁。从此，维米尔的作品从画坛上消失了，直到19世纪中期，他的画作和他的才华才被重新载入史册。画家维米尔是荷兰黄金时代的绘画大师，与梵高、伦勃朗并称荷兰三大画家。即使是著名的荷兰画家，弗米尔也曾被世人遗忘了两个世纪。因此，画家维米尔也被称为“沉睡了两个世纪的斯芬克斯”。他是一位神秘的画家。通过人们对他的称谓和评价，可以知道世人对弗米尔的歉意和尊重。弗米尔的作品大多是风俗画，是荷兰公民干净优雅的价值观所创造出来的，给人一种非常真实的感觉。这就是画家维米尔，他的一生逐渐被世人探索、发现、验证，也逐渐开始被世人所知。弗米尔的绘画艺术是什么？弗米尔是17世纪最伟大的荷兰画家之一。弗米尔的绘画艺术对后来的世界画家产生了深远的影响。了解了弗米尔的绘画艺术，就可以知道弗米尔喜欢用简单的布局画出有冲击力的作品。除此之外，维米尔特别喜欢画女性的活动和形象。现存的维米尔的绘画作品大多以女性人物为主。据统计，弗米尔的作品中有40位女性，而男性只有13位。弗米尔作品欣赏纵观弗米尔的画作，不难发现弗米尔喜欢用单调的色彩来营造一种宁静和谐的氛围。值得一提的是，维米尔对光和色的处理非常到位。在他的肖像画中，大部分的人物和场景都是通过光线强度来渲染的。可以肯定的是，弗米尔积极地将当时并不多见的黑箱技术运用到绘画艺术中，所以弗米尔能够恰当地捕捉色彩和光线，并使整幅作品产生一种优雅而流动的氛围。基于弗米尔在绘画艺术上的杰出成就，后人称他为光影大师。忙碌的仆人是弗米尔作品的核心人物，如《拿酒杯的少女》、《花边女工》、《倒牛奶的女仆》都是他的代表作。在弗米尔的画中，这些女仆慷慨大方，朴实无华，一点也不做作。在这些画作中，弗米尔大胆使用了碰撞色。他将柠檬黄和蓝色混合，营造出清新自然的画面感。遗憾的是，直到弗米尔去世两个多世纪后，后来人们才发现弗米尔画作的价值。梅尔属于什么学校？后世称维米尔、伦勃朗、梵高为荷兰三大画家。众所周知，梵高是抽象派画家，伦勃朗是写实画派。那么荷兰三大画家之一的维米尔是什么流派呢？另一方面，我们只要欣赏弗米尔的画，就可以知道弗米尔是一幅什么样的画。弗米尔的画大多以风俗为主，通过描绘人们工作的场景来表现市民的普通生活。弗米尔的作品弗米尔的作品总是给人一种宁静温馨的感觉。根据弗米尔的作品，弗米尔属于荷兰小画派。荷兰小画派产生于公元17世纪，在荷兰非常流行。市民是荷兰小画派描绘的主要对象。从绘画内容来看，荷兰小画派多以社会风俗、自然风光、静物为主。荷兰小画派画家完成作品后，会被普通市民购买，挂在住宅、办公室等地方，美化周围环境。从规格上来说，荷兰小画派的画规模都不大。说到荷兰小画派的代表人物，就不得不提弗米尔、朱棣思伯奇、彼得德荷赫等画家。弗米尔是荷兰小画派的杰出画家，他的作品总是透露着一种宁静清新的诗意。虽然弗米尔被列为荷兰小画派，但他的作品风格与其他小画派画家不同。弗米尔擅长用光的效果来表现绘画的美。所以纵观弗米尔的作品，可以发现他的画中并没有太多生活场景的描绘。

维米尔善于概括细节,简化形体,画中内容表现比较单纯,但却经过了画家严格的推敲,他的作品因而显得精致,简朴和宁静.将世俗生活诗意化,在平凡中发掘出美的画面.作品构图、质感、用光和色彩取胜,带有较多的纯艺术性. 约翰内斯·维米尔(Johannes Vermeer ，1632-1675)荷兰最伟大的画家之一，被看作"荷兰小画派"的代表画家。但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔1632年出生于德尔夫特(Delft)一个小业主家庭，1675年卒于同地。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，他的画往往只有一两位人物，一般是从事着家务劳动的妇女。他的画整个画面温馨、舒适、宁静《倒牛奶的女仆》(1658-1660)，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。他在艺术风格上也别具特色，他的绘画形体结实、结构精致，色彩明朗和谐，尤善于表现室内光线和空间感。众所周知，17世纪，亦即维米尔的时代，是荷兰的黄金时代。荷兰在16世纪摆脱西班牙统治，赢得政治独立后，随着海上贸易的发展，经济繁荣国力强盛，到17世纪已成为继西班牙之后的世界头号殖民国家。当时德尔夫特虽是个只有23，000人的中小城市，比阿姆斯特丹等世界性的通都大邑和人文荟萃之地不免逊色一些，但也相当繁荣、富足。该市仿制中国青花瓷的烧瓷工艺在欧洲就颇为有名。据一张1649年镌版刻制的德尔夫特城地图可以看到，这是一座十分整齐、清洁的城市;市中心是一座古老的教堂，教堂前便是全市商业中心的市场广场--维米尔的杰作《德尔夫特》即在此诞生。

《戴珍珠耳环的少女》这幅画有多出名，并不是用现在网络上被印在各色物件上的珍珠少女图案来评判这幅世界名画的著名程度，这幅画与达芬奇的《蒙娜丽莎》齐名，可见其艺术文化所达到的高度。我们总是要用这样比较的方式来判断一个东西的好坏高低。《戴珍珠耳环的少女》之所以能这样举世闻名，是因为作者维米尔对形体、结构、色彩、室内光线以及空间感的一种独特把握。维米尔，是荷兰最负盛名的画家之一。他很爱画人，而且著名的作品以室内的人为对象居多，画中人一般是正在做家务活儿的女人，比如《称天平的女子》、《写信的女人和女佣》、《倒牛奶的女仆》等。而单单是《戴珍珠耳环的少女》这幅作品成为了维米尔最著名的一幅画，也让他问鼎世界最伟大画家之流。这幅画的内容很简单，纯黑色的背景，一个少女背侧着身子，回过头来，双唇微微张开，不知她的下一秒动作是要说话，还是要笑。少女的衣着非常简朴，所用到的主色彩是非常舒服的黄色和蓝色。少女的面容很平静，非常祥和，眉毛很淡，双眼透露出来的感情很微妙，有一些期盼，有一些羞涩，更多的是少女的灵动乖巧，耳畔的珍珠发着的光也是对应着画的整体感觉，整个光线处理得非常到位，画面柔和安静。很多人沉醉于《蒙娜丽莎》，但这幅《戴着珍珠耳环的少女》所释放出来的感觉也非常有层次，你可以在她深邃的眼神中看到很多东西，不知不觉就会迷恋。其实，同《蒙娜丽莎》一样，这幅画中的少女其实有着和那个年代极为不符的穿戴，很有可能是作者虚构出来的人物。

维米尔善于概括细节,简化形体,画中内容表现比较单纯,但却经过了画家严格的推敲,他的作品因而显得精致,简朴和宁静.将世俗生活诗意化,在平凡中发掘出美的画面.作品构图、质感、用光和色彩取胜,带有较多的纯艺术性. 约翰内斯·维米尔(Johannes Vermeer ，1632-1675)荷兰最伟大的画家之一，被看作"荷兰小画派"的代表画家。但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔1632年出生于德尔夫特(Delft)一个小业主家庭，1675年卒于同地。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，他的画往往只有一两位人物，一般是从事着家务劳动的妇女。他的画整个画面温馨、舒适、宁静《倒牛奶的女仆》(1658-1660)，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。他在艺术风格上也别具特色，他的绘画形体结实、结构精致，色彩明朗和谐，尤善于表现室内光线和空间感。众所周知，17世纪，亦即维米尔的时代，是荷兰的黄金时代。荷兰在16世纪摆脱西班牙统治，赢得政治独立后，随着海上贸易的发展，经济繁荣国力强盛，到17世纪已成为继西班牙之后的世界头号殖民国家。当时德尔夫特虽是个只有23，000人的中小城市，比阿姆斯特丹等世界性的通都大邑和人文荟萃之地不免逊色一些，但也相当繁荣、富足。该市仿制中国青花瓷的烧瓷工艺在欧洲就颇为有名。据一张1649年镌版刻制的德尔夫特城地图可以看到，这是一座十分整齐、清洁的城市;市中心是一座古老的教堂，教堂前便是全市商业中心的市场广场--维米尔的杰作《德尔夫特》即在此诞生。

克莱因蓝以克莱因名字而命名，但是除了克莱因蓝，还有很多颜色都是很高级，火到出圈了，下面由我来讲讲吧。1.苍岭绿要想生活过得去，手机总得挂点绿。今年春季iPhone13系列出了一种新配色，那就是苍岭绿，寓意是自然、环保。苍岭绿比墨绿色亮一些，比军绿色暗一些，符合当时潮流。苍岭绿跟春意盎然的春季很贴切，看起来生机勃勃，显得沉默大气，很新奇。在春季使用这款手机，很应景，感受到了小清新。因此以苍岭绿为命名，真是别出心裁，受到果粉的的青睐。不过，在手机领域是比较少见，但是吸引果粉的眼球。2.极致灰鲜艳的色彩会让人感觉很激动、很疲惫，而极致灰却不一样，是中性色，接近于我们平常看到的灰色，而且色彩纯度低。无论是家具还是穿搭，极致灰成为了日常生活的标配。有了极致灰，多一份简约和雅致。去年2021年被评为潘通流行的颜色，跟明亮黄二者碰撞，会产生潮流的火花，让人赏心悦目。极致灰能够让人平静下来，虽然不是很起眼，但是很沉着，看上去很低调。3.长春花蓝这种颜色不叫蓝紫色，而是一个专有名词，叫长春花蓝。今年被评为潘通流行的颜色，而且是首次自创的一款流行色，实物灵感来源于长春花。融合了宁静的蓝色和活力的紫红色。虽然是蓝色，但是一般人看出来是紫色，有一种科幻和梦幻的氛围，展现出高贵且酷炫。在时尚、家居、视觉领域掀起一波浪漫绚烂的风暴。这颜色给人的感觉是很温暖，有着充满活力的存在感，鼓励我们有勇敢的创造力，为我们的生活开拓了新视野。以上我列举的三种颜色，都是很高级。三种颜色都可以搭配出好看的颜色，最重要的是颜色是否适合自己和他人。各个颜色代表着不同的含义，希望大家学会运用颜色，灵活发挥哦。

　　素有“风车之国”的荷兰是一个农业小国，随处都能感到大自然的气息。下面一起和我学习一下荷兰风车游记作文吧！ 　　荷兰风车游记作文篇一： 　　今年暑假，我来到了向往已久的风车之国——荷兰。 　　风车之国果然名不虚传，我们刚一入境，老远就看到了硕大的风车。那些风车都被漆成了白色，三片细而长的铁片不停地转动着，整体的设计现代感十足，在蓝天和绿树的映衬下显得很有动感和活力，像在欢迎我们这些远道而来的小客人。我们来到了风车牧场，路两旁是大片大片的绿野和麦田，远处还有星星点点的牛羊。好似一幅色调淳朴的油画，那点点牛羊像是画家一甩画笔，甩上去的，白色的颜料甩到画布上晕开来，形态各异，点亮了画境，让人心驰神往。 　　荷兰不仅仅有拉风的风车和好看的郁金香，乳酪和木屐也是当地一大特色。你要是去荷兰乳酪木屐庄园的话，一进去准会闻到一股扑面而来的纯乳酪混杂着青草的芳香的味道。那味道有一种莫名的亲切感，就像小时候吃黄油饼干一样难以忘怀。庄园里的小木屋并不是空的，屋里展示的是古荷兰人穿的木屐，笨拙的木屐穿在脚上，显得脚特别大，看上去十分搞笑。从小木屋出来，沿着庄园的小路往回走，我的左侧是无尽的绿野，绿野近处有一条蜿蜒流淌的小溪，远处则有几只散漫的牛羊在悠闲地吃草。右侧长满了密密麻麻的芦苇，还有一大节被遗弃的圆木，我出于好奇，踩上圆木，屏住呼吸，拨开杂草。我被眼前的景象震撼了，像是穿越到了另一个世界：几层楼高的风车，近二十米的风翼，四周绿波环绕，沿着河畔种上了千朵万朵形态各一色彩绚丽的郁金香，美得不切实际! 　　有一种风景，仿佛童话一般，有了那一刻便注定不会忘记。这就是风车，这就是荷兰。 　　荷兰风车游记作文篇二： 　　有一种风景，静静地竖立在地平线上，远远望见，仿佛童话世界一般，那一刻便注定你不能忘记，不能忘记她底衬的国度：这就是风车，荷兰的风车。 　　很久以前，位于欧洲西部的荷兰是处于原始森林和沼泽树木的覆盖之中。一种生动的形容是，直到一千年前，一只松鼠从一个地方“跑”到另一个很远的地方，不是在地面上，而是在树顶上。靠近北海的荷兰，地势低洼，沼泽湖泊众多，是一个“低地之国”，很多很多的土地是在海平面6米以下。比方说，今天的阿姆斯特丹国际机场就位于低于北海海平面以下约4米处。于是，荷兰的故事不是别的，就是人与自然编串在一起的传奇：风车、木鞋、乳酪，还有郁金香…… 　　因为地势低洼，荷兰总是面对海潮的侵蚀，生存的本能给了荷兰人以动力，他们筑坝围堤，向海争地，创造了高达9米的抽水风车，营造生息的家园。1229年，荷兰人发明了世界上第一座为人类提供动力的风车。漫长的时期，人们采用原始的方法加工辗磨谷物，最初是手工体力操作，以后是马拉踏车和以水力推动的水车，之后才是借风力运转的风车。因为荷兰平坦、多风，因而风车很快便得到普及。需求的迅速增加，又带动了风车技术的改造。风车的用途也不再局限于辗磨谷物，而是发展为加工大麦，把原木锯成桁条和木板，制造纸张，还从各种油料作物如亚麻籽、油菜籽中榨油，还把香料磨碎制成芥末。尽管用途多多，人们还是更愿意记住从前欧洲流传的这句话：“上帝创造了人，荷兰风车创造了陆地。”的确，如果没有这些高高耸立的抽水风车，荷兰无法从大海中取得近乎国土三分之一的土地，也就没有后来的乳酪和郁金香的芳香…… 　　虽然荷兰已是一个现代化的国家，令人惊奇的是它并未失去它的古老传统，象征荷兰民族文化的风车，仍然忠实地在荷兰的各个角落运转。在这个“风车之国”，数百年前的全盛时期，风车有近万个，但是其它动力机械的问世，如蒸汽机、内燃机和电动机，把这些风车都给淘汰了，现在还剩下近千个。荷兰人感念风车是他们发展的“功臣”，因而确定每年5月的第二个星期六为“风车日”，这一天全国的风车一齐转动，举国欢庆。因为风车已不多见，因此荷兰人也得同世界各地蜂拥而至的游客一样，要到风车村保护区或风车博物馆去参观才能一饱眼福。 　　荷兰风车游记作文篇三： 　　荷兰是我最向往的一个国家，我要去荷兰，因为那里有我的梦想，澄澈如天空般明亮的梦想。我追求简单明亮的生活，像维米尔的画般简单。 　　他的名字叫JohannesVermeer，我喜欢荷兰是从他开始的。维米尔是我最喜欢的画家。在小学的时候，我们的美术书上有一幅叫《倒牛奶的女仆》，当我一看见那幅画的时候，我感受到了满满的充实和自在，女仆的自信和淡淡的微笑告诉了我她对生活的满足。从此，我便开始认识他。他被人遗忘了两个世纪之久，直到死后人们才发现他的作品的闪光之处，他的作品留下来的只有36件，却件件是传世之作。就像《带珍珠耳环的少女》淡淡的回眸一笑，真的好美。珍珠耳环衬托出少女的矜持与庄重，但眼神中却又渗透出少女的俏皮与可爱。双唇稍稍张开，企图要诉说些什么。总之，这个少女让我想到了蒙娜丽莎，她们有同样的神秘，但是有不同的气质与美丽。还有《室内读信的少女》、《花边女工》……他的画总给人一种温馨、舒适、宁静的享受。 　　我想，维米尔的家乡肯定是想他的作品一样温馨、舒适。对，他的家乡在荷兰。 　　“白色的风车，安静的纯真，真实的感受，梦境般遥远……” 　　荷兰被称为“风车王国”，那里有许许多多白色的风车。在一望无垠的绿色原野里，一个个风车点缀其中，跟随着风的节奏翩翩起舞，田野就像一条绿色的碎花棉布裙子，让人爱不释手。 　　我没有看见过真正的风车，所以我要去荷兰。就像《白色风车》里那种安静，纯真和真实的风车。 　　喜欢上荷兰这个国家之后，我也喜欢上了它的国花——郁金香。郁金香的故乡在中国，她的根扎在 *** ，所以她是亲切的传说中的郁金香是失恋的情人的眼泪落到沙土上开出的美丽花朵，我相信她是属于高贵的爱情的象征，她酒杯状的花朵中，一定盛满了爱的琼浆。于是，她的芬芳薰醉了荷兰和欧洲，她的姿态打动了每一个有情人。 　　而我坚信，荷兰的郁金香是最美的，只有那里才有大片大片的郁金香。一朵朵开得含蓄的花儿汇成芬芳的海洋，随着阳光在空气里自由流动。所以我要去荷兰，去看那成片成片的郁金香。 　　等我老了，我要去荷兰仔田野里建一个小小的房子，要有白色的屋顶和白色的风车，然后和我爱的人种很多很多的郁金香。累了，我们就去白屋顶的房子里小寐一会儿;醒了，我们就去郁金香地里去玩。 　　荷兰风车游记作文篇四： 　　游乐园里有许许多多大型的游戏专案，我看到有个像大风车的东西，它高高的，比七八层楼还高呢，人在上面一定能看到整个游乐园，我心里想着就让妈妈带我去坐。妈妈不同意说：“这一米二以下的儿童不能玩的，人坐在上面飞转的。”我和小睿同时说，我们都超过1。2米了，还有上次我不是坐“过山车”了吗。后来，在我们的坚持下，我们六人一同坐上了“大风车”。 　　风车带我们上天了，我怎么都没想到，大风车上升后会越转越快把我整个人都倒过来，挂在高空中，风在耳边呼呼地响。风车突然又把我往下扔出去，我紧张极了吓得闭上了眼。我的头发也竖起来了，姐姐在旁边“啊……啊”尖声叫。我咬著牙，终于等到风车慢下来了，下降了，我长长的呼了一口气。 　　我在玩的时候，觉得很可怕想快点结束，可现在想再玩一次，那 *** 兴奋的感觉，只有勇敢才能体会到。不信，你也去坐一回“急速大风车”吧! 　　秋姑娘用她纯洁的双手抚摸著这片土地，使它变得如诗如画，令人流连忘返。 　　素有“风车之国”的荷兰是一个农业小国，随处都能感到大自然的气息。在每块田野上，都能看见风车的旋转。秋天是丰收的季节，这让这些风车加快速度旋转。在风车下，四季都在变化。冬天的白色，春天的淡绿，夏天的墨绿，到了秋天，就成了一片橙色的海洋。农民们忙着收割，从他们的笑容上，就被不难看出秋姑娘给他们带来了喜悦。 　　即使到了秋天，花儿依然开得烂漫。红的像火，白的像雪，黄的像金，紫的像霞。当你漫步在花丛中，秋风扬起你的头发，迎面扑来郁金香的清香，沉迷在这令人心旷神怡的画卷中，永远不想醒来。 　　秋天，荷兰的人们开始繁忙起来。商人们准备又一天的生意，孩子们争先恐后的奔向学堂，各自骑着自行车去工作。虽然繁忙，但他们脸上总挂著笑容。 　　荷兰的秋天多么美丽，谁到了这里不是赞不绝口呢? 　　

塞尚、普罗米修斯、达芬奇等等这些作家，其中最出名的就是达芬奇，而且他的代表作也有很多，例如《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》。

曹雪芹在《红楼梦》中说：“女人是水做的”。水，具有清澈透明和滋养万物的特性，而女人则具有柔情与包容的天性。那有着“水都”之称的阿姆斯特丹是不是如女人一样柔情万种并海纳百川呢？ 在我的眼中，答案是肯定的。从阿姆斯特丹港在14世纪末成为繁忙的码头后，阿姆斯特丹就与百媚千娇结下了不解之缘，而它的万种风情不仅仅来自温柔流淌的运河水，还来自充满香艳色情文化的红灯区(Red Light District)。 同行的人除了我以外，都是结过婚的。他们调侃我，年纪轻轻的去看这个，不怕学坏吗？如果当时我有足够的知识储备，那我用一句话就可以让他们哑口无言，“你看，阿姆斯特丹的性产业已经有6个世纪的 历史 了，阿姆斯特丹学坏了吗？” 不仅没学坏，它还依然保持着它的“繁花似锦”。当我在冬日里重返阿姆斯特丹时，我对它的探秘就从留在我青春记忆的红灯区开始。 可是，冬日里在阿姆斯特丹漫行并不是一件愉悦的事。日出上午9点才开始，日落4点就结束。就这么短的白日，还没有一点儿阳光，有的是阴阴的天空、湿湿的空气和比实际温度低得多的体感温度。因阿姆斯特丹市内酒店的停车费贵得离谱，所以我把酒店订在了阿姆斯特丹边上的小镇，酒店提供免费停车，后面就是大超市，我在里面买到了我很爱喝的土耳其酸奶。睹物思“人”，我又想起了我独自在土耳其度过的美好时光。从酒店到阿姆斯特丹的红灯区，要坐10分钟的城际火车，票价单程4.1欧元。清晨的火车上空空荡荡，在我目光所及之处，我发现一位女士没带口罩。此时，我还不知道，这一天是荷兰lockdown的第一天。 到达运河边的红灯区，恰好是“ 日出天地正，煌煌辟晨曦”之时，可太阳已被厚厚的云层遮挡，这让欧洲最大的红灯区看起来有些萧索。运河两岸只有到晚上才会彰显阿姆斯特丹“情色之都”的橱窗都被红色帷幕隔开，人们只有靠想象去还原帷幕后的旖旎。我沿着静静的运河，从红灯区的这一岸，走到另一岸，问自己，为什么红灯区会建在阿姆斯特丹寸土寸金的市中心？为什么文明的阿姆斯特丹会允许妓女的合法存在呢？因为阿姆斯特丹。 14世纪黑死病的爆发让阿姆斯特丹吸引了越来越多的人口，腌制鲱鱼方法的成功让阿姆斯特丹越来越富裕，阿姆斯特丹港也随之越来越繁忙，而红灯区所在地正是阿姆斯特丹最古老的码头。当进进出出阿姆斯特丹的货轮停靠在阿姆斯特丹港口时，在海上漂泊了数星期或数月的水手们下船的放松之道就是寻欢作乐。对于男人来说，最好的寻欢作乐方式是酒和女人，于是，这两样生意应运而生。到14世纪末，阿姆斯特丹的妓院已合法。当17世纪荷兰共和国迎来自己的黄金时代时，阿姆斯特丹也成了来自波罗的海、北非、美洲，印尼和巴西等国冒险家们的后花园，这里的性产业也跟着蒸蒸日上。那时还没有电灯，女郎们用红蜡烛发出的微光，让自己的诱惑在夜色下满溢，从此，“红灯区”之名开始传播。但是性开放的后果是无处不在的性病，当拿破仑占领这里时才控制了性病蔓延。他让女郎们定期体检，无病者持红卡上岗，有病者持白卡去医院就医，并规定未痊愈前不可接客。 按理说，这样的“龌龊”之地应该充满了暴力和毒品，但事实是，阿姆斯特丹的红灯区非常安全，荷兰的性犯罪率也远低于欧洲平均水平，未成年少女未婚怀孕率更是欧洲最低。而这里的红粉女郎除了光明正大持证上岗并缴税外，她们还有自己的协会和工会，荷兰政府更是在红灯区中心为一个黑人妓女竖起了雕像，上面刻着：“向全世界性工作者致敬！” 这样的举措不知道会不会让很多人大跌眼镜，如果是，那它让人大跌眼镜的还有很多。它是欧洲第一个允许合法嫖娼的国家，还是第一个允许吸食大麻和同性恋结婚的国度，这些政策都让荷兰的空气里漂浮着自由和包容的味道。而这自由和包容，从荷兰共和国对宗教的宽容时就已开始，至今已400多年。这自由和包容，让阿姆斯特丹在17世纪成为了世界金融中心，其代表作就是阿姆斯特丹证券交易所。 阿姆斯特丹证券交易没有红灯区的 历史 悠长，但它却是阿姆斯特丹立于世界之巅的标志。这个世界上第一个股票交易所通过向 社会 融资，让第一支上市交易的荷兰东印度公司聚集了全 社会 分散的财富，在国家的支持下，把这些财富变成自己对外扩张的资本。而荷兰东印度公司之所以能募集到庞大的资金，除了因为政府参股外，还因为荷兰人用生命换来的信用。曾经有荷兰商船在冬季被大风吹到一个岛上，在缺吃少穿的情况下，荷兰商人宁可饿死病死，也没动用客户的食物和药品，直到春天来临，商船上仅剩的少数人才返回了阿姆斯特丹。如此良好的信用让荷兰人成为了现代商品制度的创造者，他们把信用、银行、有限责任公司和证券交易所有机地统一成了一个相互贯通的金融和商业体系。 但是，在阿姆斯特丹把金融中心拱手让给伦敦，在法国拿破仑占领荷兰共和国后，阿姆斯特丹就跟荷兰共和国一起“憔悴”了。可是当拿破仑在俄罗斯遭到 历史 性惨败后，不但俄罗斯的国际地位空前提高，而且荷兰也迎来了好运，这是怎么回事呢？因为荷兰和俄罗斯“哥俩好”有着绵长的 历史 。 从公元11世纪起，被古罗马人轰到荷兰北部的弗里斯兰人就开始跟俄罗斯人有贸易往来，在里海沿岸发现的弗里斯兰硬币就是证明。在荷兰共和国建立前后，荷兰商团开辟了从西欧前往俄罗斯的海上航线，于是与俄罗斯的贸易更加紧密。在荷兰东印度公司成立的前一年，荷兰商人绘制出了俄罗斯的城市和海岸地图，第一次向西欧世界系统地介绍了俄罗斯，此时正处于黄金时代的荷兰是俄罗斯背后的“大哥”。当波兰和瑞典军队进攻俄罗斯时，荷兰为俄罗斯出面，最终促成了和解。在欧洲30年战争结束的前两年，荷兰在俄罗斯设置了常驻代表，揭开了两国关系大发展的史篇。 之后，就是大家所熟知的，彼得大帝在17世纪末亲自带领外交使团前来荷兰考察学习，荷兰也亲自向俄罗斯精英全面传授航海、枪炮和船只制造等知识和技术。这期间，大量荷兰书籍被译成俄文，俄罗斯人也以学习荷兰语为豪。可以说，荷兰是俄罗斯走向现代文明的推手，也是俄罗斯认识西欧的导航员。在荷兰被拿破仑军队占领，成为法国的附庸国后，是俄罗斯军队最终进军到阿姆斯特丹等大城市，把法国人驱赶出了荷兰。随后俄国沙皇把自己的妹妹嫁给了由荷兰、比利时、卢森堡组成的荷兰联合王国的第二任国王。也就是说，今天荷兰王室的血液中流着俄罗斯的血。西欧，还有一个国家比荷兰跟俄罗斯的关系更近吗？ 肯定没有。“壮”起来的俄罗斯摇身一变，成了荷兰的保护伞。不仅帮荷兰解决比利时独立时的分离问题，还帮它在与法国殖民地争端中斡旋，更把部分国家黄金储备存在了阿姆斯特丹，并对荷兰工业进行大量投资，让阿姆斯特丹在19世纪末迎来了第二个黄金时代。一战中，虽然荷兰宣布中立，但依然为受伤的俄罗斯士兵筹款，还给俄罗斯提供流动医院设备。在克里米亚战争爆发之前，荷兰是俄罗斯重要的外资来源地，还长期是俄罗斯的第二大原油市场。俄罗斯和荷兰300多年的相亲相爱，200多年的血肉相连，注定荷兰是俄罗斯在欧洲的盟友，这不禁让我想起了女儿的俄罗斯钢琴老师。她儿子在美国没有进入理想的大学，却在荷兰最好的大学拿到了全奖，荷兰对俄罗斯人的确厚爱。在正在发生的俄乌冲突中，最先对乌克兰断航的是荷兰。荷兰，你以为你穿个“马夹”就没有人认识你了吗？ 还是有人认识你的，你是潜伏在水下的美俄“传声筒”。在这场美俄唱双簧，剑指德国的乌克兰危机中，你不负美俄所望，开出了第一枪。那么，为什么美国要搞出乌克兰危机呢？因为德国“敬酒不吃吃罚酒”，妄图在美国给世界提供的安全贸易网中投机取巧，好处占尽。既不想提高军费，又不想站队美国；既想在中美争斗中获得一杯羹，又想跟俄罗斯“眉来眼去”，致使美国重塑全球产业链的统一战线迟迟不能达成，美国已经忍它忍了很久了。那为什么俄罗斯不惜发出动用核武的威胁，也不惜顶着“过街老鼠，人人喊打”的骂名，要倾情配合美国演出呢？因为巨大的利益。俄罗斯的诉求绝不是乌克兰旗下的两个自治区独立，也不仅仅是中亚的利益，应该还包括中东。难道美国想把整个中东，或者中东的绝大部分利益分给俄罗斯吗？ 如果是这样，美国的血本下得可够大的，不让德国“大出血”，美国绝不会善罢甘休。从德国总理说，“将德国军费从占GDP的约1.5%提高到超过2%，并设立一个1000亿欧元的专款用以提升军备；建设两个液化天然气码头为德国输送更多液化天然气以及外交政策将做根本性调整”的官宣来看，德国正在服软的路上，美国又赢了，但最大的赢家是俄罗斯。俄罗斯将把中东和中亚划入自己的势力范围，而美国将踢走中国，跟欧洲联手重塑全球产业链，至于美国卖石油和卖军火给德国、暂停北溪2号天然气管线以及让美元回流美国等，都是“搂草打兔子”。那乌克兰危机中最大的输家是谁呢？是德国和中国。中国很不幸，被美国选作了头号敌人，虽然一心想跟俄罗斯联手，但可惜手中的筹码不够诱人；德国也很不幸，既想当欧盟“老大”，又想“骑墙”制衡美国，但可惜手中没有铁拳。 中国人常说“项庄舞剑，意在沛公”；中国人也常说“明修栈道，暗渡陈仓”。此次乌克兰危机，美国把中国的古语运用得淋漓尽致，让我对美国绘声绘色讲故事的能力、对世界发动舆论宣传的能力、精准把握危机发展脉络的能力及把国际政治玩弄于股掌之间的能力佩服得五体投地，这个世界任何一个国家想单挑美国或者想拉帮结派扳倒都是不可能的，因为世界资源的大部分都掌握在美国手里。当德国最终同意与中国划分界限，分道扬镳时，乌克兰危机就画上了句号，持续了2年多的疫情也就接近了尾声，世界格局将迎来新时代。 我不知道我的“阴谋论”对不对，但我知道阿姆斯特丹在俄罗斯的鼎力支持下又“满血复活”了一定是对的，因为19世界末在阿姆斯特丹建造的股票和商品交易所(Beurs van Berlage)就是证据。此交易所大楼离红灯区仅400米，由荷兰著名的建筑师Berlage设计建造，它是现代荷兰建筑的重要纪念碑，其创新的设计影响了其他建筑师，特别是对阿姆斯特丹学派(Amsterdam School)的建筑风格产生了积极影响。这座红砖建筑没有模仿同期的哥特式或文艺复兴式建筑，而是建立了自己的风格，外表简单而朴素，主要装饰就是塔上的一个大钟，建筑的角落里站着三个雕塑人物，他们分别是文学中的传奇英雄、荷兰东印度公司创始人和在国际上有影响的人文主义者。交易所内部也很独特，交易大厅屋顶由双层玻璃制成，为大厅提供了大量自然光，当时著名的艺术家在大厅内创造了三个代表过去、现在和未来的瓷砖画，墙上有代表工业和商业的壁画。 不过，今天已被改作展览和音乐厅的交易所内部我是没缘看到的，因为我到的时候，交易所关闭。让我无缘见到内部的还有阿姆斯特丹王宫(Royal Palace Amsterdam)。王宫离交易所也是400米，它的所在之地水坝广场(Dam Square)可是阿姆斯特丹的发祥地，一群冒险者就是在流经这里的阿姆斯特河上建了一个水坝后，才有了阿姆斯特丹的雏形，因此这里是阿姆斯特丹的地标，素有阿姆斯特丹“肚脐”之称。 “肚脐”一定是整个城市的政治和商业中心，王宫建在这里也理所当然，不过，这座建于荷兰黄金时代的王宫最初是市政厅和法院，因拿破仑统治荷兰时，被加封为荷兰国王路易波拿巴在这里住过才被改为了王宫。它被称作17世纪建筑史上的奇迹，原因是建造者先在地下15米左右打下了1万3千多根木桩，然后在木桩上用石块砌成地基，再在地基上建房，因此王宫被称作“木桩上的宫殿”。神奇的是，这些树桩至今都巍然不动，荷兰人莫不是真受到了大神们的指点？今天这个有着近400 历史 的王宫外表旧旧的，但对称的结构却让它有一种端庄之美，正中央的三角门楣上雕刻着阿姆斯特丹被海神和海精灵包围的画面，门楣上方是漂亮的圆顶八角型塔。 进不去王宫，我只好在水坝广场周围转悠。广场的周边除了有王宫外，还有纪念二战受纳粹迫害的人民纪念碑(Nationaal Monument)，也有建于一战期间，收藏了包括荷兰黄金时代音乐、 体育 和电影等不同类别的杜莎夫人蜡像馆(Madame Tussauds)和600岁高龄，被改成了展览馆的新教堂(The Nieuwe Kerk)，可是这两处同样关闭。即使开放，我想我也不会进去的，我要进入的是国立博物馆(Rijksmuseum)。 从阿姆斯特丹王宫到国立博物馆要穿过5条运河，这5条半环形运河牢牢把位于市中心的红灯区，证券交易所和水坝广场等包裹起来，使其不怕“风吹雨淋”。于此同时，1千多座建在运河的桥梁让5条运河“融会贯通”，其中开挖于荷兰共和国黄金时代的绅士运河(Herengracht)、王子运河(Prinsengracht)和皇帝运河(Keizersgracht)组成了运河带(Grachtengordel)，沿岸都是古色古香的住宅区，而同样开挖于荷兰共和国黄金时代，紧贴着市中心的辛格运河(Singel)是护城河，最外围的辛厄尔运河(Singelgracht)是荷兰黄金时代的城市外部边界。这些运河奠定了阿姆斯特丹今天的城市格局。 跟欧洲很多老城从市中心向外呈发散状的建城方式不同，阿姆斯特丹自西向东建城，直到艾湾。从最外部辛厄尔运河依次向内推进，是运河带中最长的王子运河、最宽的皇帝运河和拥有黄金转弯的绅士运河和护城河辛格运河，而圣方济各沙勿略堂(De Krijtberg)就在绅士运河旁。 这座外表呈深棕色，在荷兰和西班牙80年战争结束不久后建立的天主教教堂夹在民居之间，这让它看起来有些小气，但它却是模仿气势逼人的德国科隆大教堂而建的。我去过科隆大教堂，那是我第一次见到欧洲恢弘磅礴的教堂，至今都对它记忆犹新，但圣方济各沙勿略堂因为空间的拮据，外部根本无法跟科隆大教堂相比，只有直冲云霄的两个哥特式双塔还能看出科隆大教堂的一点儿影子，但它内部灿烂的色彩却别具一格。 走进温暖的教堂，我觉得我冻僵的血液又流动了起来。教堂正前方是圣坛，圣坛后方的玻璃彩窗在明亮的灯光下闪烁着五彩的光芒，上方是悬在空中被钉在十字架上的耶稣，他受难的样子让我不忍直视，只好盯着他下方的十二使徒圣像画看。教堂周围的色彩乍一看又繁复又凌乱，但细看才发现鹅黄是底色，蓝红绿金是配色，这些色彩的交叉运用让色彩的广度和种类在视觉上得以延伸，使教堂看起来既简洁又不失明快。我在椅子上坐下，看教堂正在举行的弥撒，听从管风琴中传出的唱诗班悦耳的声音，思绪不禁飘到了荷兰的黄金时代。 荷兰共和国的宗教宽容政策让阿姆斯特丹和荷兰共和国都迎来了黄金时代，与黄金时代相辅相成的是科学文化艺术的大爆发，自由的空气和经济的繁荣造就了群星璀璨的荷兰共和国。列文虎克发明了显微镜并用显微镜发现了细菌和微生物；科比斯赫发明了望远镜，此望远镜成为“现代科学之父”伽利略天文望远镜的前身，而惠更斯更是大神级别的存在。在天文学上，他不仅发现了环绕土星的卫星中最大的一颗“泰坦”，还发现了猎户座大星云和土星光环；在数学上他发现了概率，还发现了摆线；在力学上，他把“摆”运用到计时器上，开启了人类计时器的新时代，并设计制作出了人类 历史 上第一个计时摆钟；在物理学上，他在《光论》中提出了惠更斯原理，还测定了温度表中的沸点和冰点。在如此多的领域做出了如此多贡献的惠更斯，怎么可能没有大神的加持呢？ 哲学和艺术等领域也是星光熠熠。斯宾诺莎用欧几里得的几何学方式写成了著名的《伦理学》，他的独特哲学体系不仅对此后的科学一体化提供了蓝图，而且对马克思产生过影响；胡果·格劳秀斯出版了《战争与和平法》，成为国际法的鼻祖，当然最被世人熟知的是大名鼎鼎的伦勃朗和维米尔，而他们的画作，很多保存在阿姆斯特丹的国立博物馆(Rijksmuseum)里。我知道欣赏大师的名画是我的短板，所以出行前特意做了功课。此次荷兰之行，我寄予众望的就是这个博物馆。当我信心满满地穿过运河带去一寻大师的“芳踪”时，在一条运河边，我被一位骑着自行车的老先生拦下。他问我会不会英文，我说会。他说，“你看我这么老，很需要帮忙”。我心想，你都能骑自行车还需要我帮什么忙，于是回他，“对不起，这是荷兰政府的责任，不是我的”，说完转身就走了。 国立博物馆位于阿姆斯特丹最外层的辛厄尔运河旁。离开运河带的阿姆斯特丹，已经变成了“路人甲”，但建于法国占领荷兰第一年，仿照卢浮宫而建的国立博物馆外观还是让我眼前一亮。当我兴致勃勃准备进去欣赏博物馆的镇宝之作，伦勃朗的《夜巡》和维米尔的《倒牛奶的女仆》等画作时，却怎么也找不到售票口，只好问一位先生，他说荷兰从这一天开始全国lockdown，所有餐厅和博物馆都关闭。我一听才恍然大悟，怪不得运河带冷冷清清，所有船只都安安静静地停靠在那里，我还以为没到营业时间呢。 悻悻地离开博物馆，看见卖“艺”的小学生在唱歌，问她们在做什么，她们不懂英文，似乎在筹款。我继续在运河带中穿梭，看荷兰运河的特产－船屋，寻找铸币广场旁的漂浮花市(Bloemenmarkt)。我想，位于辛格运河边的花市应该在春季是一幅盛景，可在凄冷的冬季，又赶上封城，这些都让花市显得无精打采，只有两家在营业，还不允许客人进去，我只能站在围栏外看。花市紧邻铸币广场，广场上有一个编号为1号的阿姆斯特丹最宽的桥梁和一个曾经是中世纪三个主要古城门之一，因17世纪是铸币厂而得名的铸币塔。 我看向铸币塔上的时钟，这时已是正午。虽然我不饿，但我要去洗手间，可到那去找呢？我希望红灯区旁边的老教堂(Oude Kerk)里能有。这个教堂有欧洲最大的中世纪木制屋顶，也有欧洲顶级的声学音效，因此常常成为音乐会的举办地，但它关门谢客。我急呀，只好走向离之不远的火车站。在我走出街巷时，忽然发现了新巴洛克和新文艺复兴风格的圣尼古拉斯大教堂(Basiliek van de Heilige Nicolaas)。教堂内不让拍照，我也不想拍照，我只要找洗手间。这里真有，还是免费的，我很开心。可是所有餐厅都关闭，我到哪里去解决午饭问题呢？去火车站碰碰运气吧。 这个建于荷兰第二个黄金时代的火车站外形很漂亮，采用了哥特式和文艺复兴式的建筑风格，后来成为了日本东京车站的建筑原型。火车站里有便利店，里面的简易便当非常好吃，我吃一份，还带一份。我一边在便利店里享受着暖气，一边给手机充电，等我从火车站出来时，阿姆斯特丹的黄昏已来临，而此时才下午四点。我沿着大路走向证券交易所，然后走到水坝广场，再走回运河带，一直走到夜幕完全降临。我怀着侥幸心里又回到了红灯区，奢望看到不一样的风景，可是，红灯区一片漆黑，连霓虹灯都没有，只有几家中国饭馆在营业。 失望之极的我拖着疲惫的身躯打道回府，这一天，我差不多把黄金时代的阿姆斯特丹看遍了。这个曾经对宗教极度宽容，如今也是极度开放的城市，成了无数人心中的风向标，英法荷、俄罗斯和加拿大等国的音乐家们仅仅用它的名字就创作出了近70首歌曲，还有一部获得过英国布克文学奖的小说名字也叫《阿姆斯特丹》。阿姆斯特丹，虽然我错过了你春日里的姹紫嫣红，但你流光溢彩的 历史 和开放与包容却让我走进了花团锦簇的百花园。我回眸，春已现。

是金子总是要发光的。十七世纪尼德兰绘画大师维米尔在销声匿迹近两个世纪后终于在十九世纪中叶被人们重新发现，他的绘画得以重新大放光彩。维米尔和同时代的查尔斯、伦勃朗一起被誉为荷兰十七世纪三大画家，荷兰历史上最伟大的画家之一，同时他被称作西方绘画史上最杰出的风俗画画家。约翰内斯·维米尔，1632年生于荷兰代尔夫特一个普通画商家庭。少年维米尔就表现出超凡的绘画天赋，20岁时他已成为当地较有名气的画家了。维米尔擅长描绘身边平常生活中的人和事，他的画平静、恬淡、温馨、素雅，给人一种舒适庄重的感觉，充分表现出了荷兰市民对那种洁净环境、舒适优雅氛围生活的热爱。在艺术风格上，维米尔也是独具特色，他的绘画画面形体结实，结构严谨细致，色彩明朗和谐。而且他应该已经娴熟地掌握了暗箱技术，画面尤善长表现室内光线和空间，让人看后感觉亲切自然又特别真实，不仅是平常生活中的真实，还有信仰追求上的真实。结婚成家后，维米尔和妻子先后生育了十一个孩子，一方面给他们夫妻带来了欢乐，一方面也使维米尔背上了沉重的经济负担。为了养家糊口，维米尔不得不变卖自己的画作，这也造成他的许多作品流失。但即便生活困苦，维米尔从不动摇自己对艺术的信仰和追求。只要不合乎自己的创作理念，求画商出高价他也不为所动，表现出一个艺术大师的高尚情操。1675年，积劳成疾的维米尔在贫病交加中过早地离世。由于许多作品变卖后佚失，维米尔留下的作品不多，现找到或收藏的有34幅油画真迹。代表作《戴珍珠耳环的少女》、《花边女工》、《倒牛奶的女仆》、《代尔夫特的风景》、《小巷》等。其中，《戴珍珠耳环的少女》被誉为荷兰的《蒙娜丽莎》。

中西方名画代表作有很多，国外知名度最高名画有达芬奇的《蒙娜丽莎》、梵高的《向日葵》、安格尔的《泉》、维米尔的《戴珍珠耳环的少女》和《倒牛奶的女仆》等等。中国的名画代表作有《步辇图》、《清明上河图》等等。

全球熊猫主题插画大赛是啥级别世界级。跟据全球熊猫主题插画大赛信息得知,全球熊猫主题插画大赛是世界级级别,大熊猫善于爬树,也爱嬉戏,爬树的行为是临近求婚期,或逃避危险,或彼此相遇时弱者借以回避强者的一种方式。熊猫演绎世界名画，你认出几幅？????最近又有一只大熊猫火了你肯定会问是不是成都熊猫基地的?云上君告诉你这次的主角可是艺术圈的????它的名字叫“滚滚”,认真看你就会发现这些动图的原型是中外经典名画和经典电影但其中的人物都变成了我们的熊猫滚滚啦这种极致的反差萌极具戏剧性顿时融化了一票网友的心而这些名画也因为它变得可爱我们可以短暂忘记它背后或悲伤或宏大的历史会心一笑熊猫滚滚的作者一位来自深圳的插画师阿阿矗_奈⒉┘蚪樯闲醋:“十八线插画师+动画师,可能快十七线了。。。”哈哈,那可不,因为滚滚,直冲一线呐????。独立插画师、动画师阿吹幕笔下国宝“滚滚”强入世界名画之中,当大熊猫穿越到现代艺术之中,在高冷、忧郁、可爱、妖娆、优雅、撩人等等模式中切换自如,原来wuli国宝除了吃竹子,还可以驾驭一切,简直萌死人不偿命。前方高能预警!!!前方多图预警!!!前方gif.预警!!!准备好吃一波可爱的滚滚卖萌的攻击吧=￣ω￣=顺便告诉云上君你能认出几幅世界名画????????????????????????????????????????????????????西方名画篇/《熊猫滚滚的微笑》《蒙娜丽莎的微笑》|达·芬奇????????????《熊猫滚滚的诞生》《维纳斯的诞生》|_ㄌ崆欣????????????《创造滚滚》《创造亚当》|米开朗琪罗????????????《滚滚呐喊》《呐喊》|蒙克????????????《滚滚人体结构画像》《维特鲁威人》|达·芬奇????????????《报竹笋的滚滚》《抱银鼠的女子》????????????《滚滚之饱》《马拉之死》丨雅克·路易斯·大卫????????????《大屁股滚滚》《大宫女》|安格尔????????????《滚滚和朋友们の晚餐》《最后的晚餐》|达·芬奇????????????《荡秋千的滚滚》《荡秋千》|弗拉戈纳尔????????????《手短的滚滚》《泉》|安格尔????????????《撑阳伞的滚滚》《撑阳伞的女人》|莫奈????????????《滚滚自画像》《梵高自画像》|梵高????????????《戴珍珠耳环的滚滚》《戴珍珠耳环的女人》|维梅尔????????????《呆萌式滚滚》《哥特式美国》|伍德????????????《倒牛奶的滚滚》《倒牛奶的女仆》|维米尔????????????《吹笛子的滚滚》《吹笛子的少年》|马奈????????????《熊猫滚滚夫妇像》《阿尔诺芬尼夫妇像》|埃克????????????世界名画我们都很熟悉那中国名画滚滚又能cos几幅呢中国文化篇/《熊猫帝司马滚》《汉武帝》????????????《滚滚戴簪花图》《簪花仕女图》????????????《滚滚帝读书图》《康熙帝》????????????《滚滚捣练图》《捣练图》????????????《滚滚夜宴图》《夜宴图》????????????《泼墨滚滚》《泼墨仙人图》????????????《滚滚坐步辇》《步辇图》????????????《滚滚挥扇图》《挥扇仕女图》????????????《滚滚反弹琵琶》《敦煌飞天反弹琵琶》????????????《滚滚坐船图》《秋江渔隐图》????????????????????????????????????????????????????????一些网友也会说,虽然看得很开心但这也破坏了原作的韵味和意义????在云上君看来多种艺术的结合或者说是将艺术与泛娱乐产业结合对艺术本身就是一种生命的延续和传播这让人更加容易接受艺术分享艺术从而去探寻这幅画背后的艺术张力你看,这一会儿工夫你已经跟着云上君看了多少世界名画啦~~今天就到这里吧成都熊猫基地上新大熊猫主题艺术展，你如何看待这样的活动？说到四川,大家除了想到火锅,还有麻辣兔头,肯定会想到我们的国宝熊猫。为了让大家更好的了解熊猫并且向更多人宣传熊猫,成都熊猫基地推出了全新的大熊猫主题艺术展。成都熊猫繁育基地“熊猫国际艺术中心”在闭馆近八个月以后,终于恢复了开馆。而这次开馆还推出了“般般之兽耀华彩——2021国际青年艺术家大熊猫作品展”。在本次展览当中有来自中国,瑞士的三位年轻艺术家。而他们作品有油画,版画以及白质黑章的烟火画。本次展览将会持续三个月之久。我认为纸质的活动能够更好地促进中外友好交流,并且也能用不同艺术形式的方式让人们更加了解到大熊猫的魅力。并且,这次活动的举办也会吸引更多的人去了解大熊猫。闪避只是活动的举办,也会有越来越多的人通过了解大熊猫而去了解中国,了解中国的传统艺术之美。再者,成都熊猫基地推出的这次艺术展,本身就是第45个国际博物馆日。这一次的活动能够让很多孩子喜欢上去博物馆。通过熊猫作为桥梁,让孩子让更多的人亲近博物馆,亲近艺术。本身熊猫就是和平的代表,我国也经常会将大熊猫作为亲善大使,去到各个国家。这次的活动能够让从文化背景下,不同国家的青年艺术家们对大熊猫有着更加多元化,年轻化,潮流化的艺术表达。正是年艺术家们的多样性和他们的独特思维,才让熊猫的展现更加多面,也能够让不同的人欣赏到熊猫的美。当然,在这个展厅当中也不仅仅只有年轻人或者是成年人才能看得懂的大熊猫,还有一些更能表达熊猫的可爱的作品,所以这次的展厅不仅仅只是面向成人,也面向学生,人们只有打开了思想的大脑才能更好的去想象去创造色彩。

“厨”是指烹饪食物的地方，厨房，厨师，厨师，著名的厨师，厨师，倒牛奶的女仆，厨具。

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一是细节的真实性。要有真实的细节描写，用历史的、具体的人生图画来反映社会生活。现实主义作品是以形象的现实性和具体性来感染人的，因此能使读者如入其境，如见其人。二是形象的典型性。通过典型的方法，对现实的生活素材进行选择、提炼、概括，从而深刻地揭示生活的某些本质特征。可以说，典型化是现实主义的核心，是区别于自然主义的标志。生活现象是纷纭复杂的，如实记录生活，不过是照相师的手艺；现实主义则要求作者从丰富多采的现实生活中选取有意义的人物与事件，经过个性化和概括化的艺术加工，创造出典型的人物和典型的环境。三是具体描写方式的客观性。作者要通过对现实生活的客观，具体的描写，从作品的场面和情节中自然地体现出作者的思想倾向和爱憎感情，而不要作者自己或借人物之口特别地说出来。现实主义美术和现代主义美术的区别：1、从产生的背景看，现实主义美术是人们对社会现实不满的结果；现代主义美术是社会现实给人们带来巨大精神危机的结果。2、从表现内容来看，现实主义美术侧重于揭露和批判社会现实；现代主义美术侧重于表现个人主义和虚无主义。3、从表现手法看，现实主义美术继承传统；现代主义美术虽然也对传统有所继承，但更多的是强调反传统，现代主义美术是反传统的各种流派的统称。

《倒牛奶的女仆》，作者：约翰内斯·维米尔（1632年10月31日—1675年12月15日），是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景 和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一 般来说都不大。《倒牛奶的女佣》作于1658年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。是“荷兰小画派”的代表作。

《倒牛奶的女仆》，作者：约翰内斯·维米尔（1632年10月31日—1675年12月15日），是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景 和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一 般来说都不大。《倒牛奶的女佣》作于1658年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。是“荷兰小画派”的代表作。

《倒牛奶的女仆》，作者：约翰内斯·维米尔（1632年10月31日—1675年12月15日），是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景 和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一 般来说都不大。《倒牛奶的女佣》作于1658年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。是“荷兰小画派”的代表作。

《倒牛奶的女仆》，作者：约翰内斯·维米尔（1632年10月31日—1675年12月15日），是荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景 和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一 般来说都不大。《倒牛奶的女佣》作于1658年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。是“荷兰小画派”的代表作。

维米尔作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》等。约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。荷兰黄金时代绘画大师，与哈尔斯、伦勃朗合称为荷兰三大画家。维米尔是荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。代表作品：《绘画艺术》又名《维米尔的绘画艺术和绘画寓言》或《画室》，创作于1666年至1668年。在这幅维米尔完成于荷兰艺术黄金时期的杰作中，他高超的绘画技艺体现得淋漓尽致。画面描绘的是一间有黑白格子地板的房间，这间房子在他的画中多次出现过。屋内挂着一块纹样华丽的厚帘子，帘子的一边，一位画家身穿当时十分流行的华服，坐在画架前，专心致志地对着模特写生。模特是一个小女孩，身着蓝色衣服，明亮又华贵，头戴用橄榄枝扎成的花环，右手持着长号，左手捧着一本黄色封面的书，侧着身子。

《戴珍珠耳环的少女》作者是约翰内斯·维米尔。约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。《戴珍珠耳环的少女》鉴赏：《戴珍珠耳环的少女》为维米尔最伟大的作品，被誉为荷兰的《蒙娜丽莎》。此画面世三百多年来，世人都为画中女子惊叹不已。那柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。画中女子的真实身份，亦如《蒙娜丽莎》一样，是一个千古遗谜。

是一位优秀的风俗画家，又常常被看做“荷兰小画派”的代表画家。纵观他的作品流露出一种清新、恬静的诗意 ，虽然他属于荷兰小画派，但其作品风格与“小画派”的其他画家的作品相比是有所区别的。他不以情节引人入胜，也不描绘过多 的生活细节，而是以一种抒情情调给人美的享受。他的传世之作近40幅（一说34至38幅），其中只有《德尔夫特风景》与《小巷》两幅为风景画，虽然数量不多，却通过它们展现了画家故乡美丽而宁静的风光。1632年维米尔就出生在这个小镇。1653年加入圣路加公会，成为正式画家。1675年，正值43岁时英年早逝。他一生贫困，他的大部分作品却表现了舒适、安闲的中产阶级家庭生活， 表现周围熟悉的妇女，喜欢将通常的家务劳动诗意化。画面很简洁，人物很少，大多只描绘一个妇女，人物神情安闲自然，衣饰朴素大方。画家特别喜爱使用蓝色与柠檬黄两种颜色，组成十分和谐的色调，赋予画面以静谧、优雅的气氛。画面上往往有一扇敞开 的窗子，明亮的阳光由窗外射入，使室内充满了轻柔和煦的自然光，维米尔极为出色的描绘了散射的光线的微妙变化，画面生动传 神，充满宁静、安适的生活气息。《倒牛奶的女仆》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》、《戴头巾的少女》都是他的优秀代表作。这时期重要的风俗画家还有阿德里安·勃鲁威尔、阿德里安·凡·奥斯塔德和扬·斯丁等人，他们也属于荷兰小画派。却主要面向 下层人民的生活，有许多农民风俗画传世。 大约1625年生于莱顿，1644年曾在莱顿大学短期学习，后来决心一生从事绘画创作，于1648年入画家公会。以后移居海牙，又去过德尔夫特。1661年定居哈勒姆，认识到哈尔斯的艺术。1670年又回到莱顿。作品很多，共800多幅油画，其中一部分选取了宗教与神话题材，但大部分是风俗画。早期作品多为室外景色，描绘了一些诙谐的人物，热闹的场面；后期作品多为农民风俗画 ，1668年创作的《快乐家庭》是其代表作。画面上不同年龄的人都以自己的方式尽情嬉笑，并与周围的人进行交流，充满了真诚的 喜悦，构成十分活跃而热烈的场面。其他如《圣尼古拉节》、《病妇》也是传世名作。1670年以后的晚期作品体现了细腻平整的画风，在一些高贵典雅的形象中，流露出法国路易十四时代宫廷艺术的影响。在以上三位画家的作品中包容了较多社会内容，如医生诊治病人、乡村教师上课以及令人同情的流浪汉，还揭露了酗酒、打架、赌 博这些丑恶现象，在一定程度上反映了社会下层人民生活困顿苦闷的状况。但这种描写似乎只针对现象本身，并不揭示社会原因， 因此不够深刻。

荷兰小画派。约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。

《戴珍珠耳环的少女》作者是约翰内斯·维米尔。约翰内斯·维米尔，出生于荷兰代尔夫特，荷兰优秀的风俗画家，被看作“荷兰小画派”的代表画家。代表作品有《绘画艺术》、《戴珍珠耳环的少女》、《倒牛奶的女仆》、《花边女工》、《士兵与微笑的少女》。《戴珍珠耳环的少女》鉴赏《戴珍珠耳环的少女》为维米尔最伟大的作品，被誉为荷兰的《蒙娜丽莎》。此画面世三百多年来，世人都为画中女子惊叹不已。那柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。画中女子的真实身份，亦如《蒙娜丽莎》一样，是一个千古遗谜。

荷兰小画派是17世纪流行于荷兰地区的一个美术流派，其绘画摆脱了贵族和教会的控制，主要服务于市民阶层，以描绘静物、风景和风俗为主，由于其作品完成后通常都会被普通市民买去悬挂于家居室内，用以美化自己的住宅或者办公场所，所以作品的尺幅一般来说都不大。代表画家有维米尔：《倒牛奶的女仆》、《穿蓝衣读信的少女》、《戴珍珠耳环的少女》哈尔斯《弹曼陀林的小丑》《吉普赛女郎》伦勃朗《夜巡》等。

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维米尔出生在代尔夫特一个画商家庭，父亲去逝后便继承父业，同时从事绘画创作。21岁的维米尔加入了代尔夫特画家公会，并先后两次做过公会的领导人，在当时的画坛享有一定的声誉。但由于子女众多（生了11个儿女），生活十分贫困，有时不得不用油画去抵偿面包铺的债务，如此穷困潦倒，使他作品流散严重。1675年，画家参加了防御法兰西军队的入侵而过度劳累，生活又陷于极端贫困，在贫病交加中，留下妻子儿女去世了，终年43岁。从此维米尔在荷兰画坛销声匿迹。直到19世纪50年代，才被一位法国艺术评论家杜尔发现，并竭力寻求整理他的遗作公布于世，才使这位埋没了近两个世纪的伟大风俗画家再度光照史册。维米尔作品大多数描绘宁静、和谐的家庭生活，他尤其喜欢画女性的形像和活动。他流传下来的肖像画中，女性人物有40位，男性人物仅13位。其油画内容通常是一、两个人在室内劳作或休闲，光线一般从左侧照来。维梅尔喜用黄色、蓝色和灰色，他对色彩的把握和光线的处理非常出众。通常布局简单，尺寸不大，但往往给人巨大的视觉冲击。 他使用了以微小的画点组合（点画法），并且善于使用光线的来源，使画面产生一种流动、优雅的气氛，因而被称为光影大师。没有人了解维米尔的技法，但可以肯定的是他经常使用当时罕见的暗箱技术(Camera Obscura)，用以捕捉光线和色彩。当时荷兰著名的科学家卢文霍克(Antonie van Leeuwenhoek)是维梅尔的好友，此人精通显微镜和光学透视，维米尔显然从他那里学到了这门技术。他对画面非常讲究，不论是画面构图、人物比例、光影变化都精致得跟照片一样逼真。以致有评论家认为这不是艺术，但在荷兰的黄金时代，人们并没有把绘画当成一种艺术，而只是一种手工艺，一种谋生技能而已。他的画作通常要花很长时间，基本上都需要两三年的时间才能完成一幅作品，但每一幅都堪称精品。 约翰内斯·维米尔，是荷兰17世纪中期杰出的风俗画家和代尔夫特风俗画派的代表人物。维米尔的绝大部分绘画内容是他的日常生活，他多以当地殷实的家庭妇女为主体形象，刻意描绘充满阳光的室内陈设、环境与人物活动，往往采用平面透视，使画面产生一定的深度，通常画两个套间，室内的悬挂和摆设，反映出代尔夫特地区富裕家庭生活的平静、安逸，以及自我满足的精神境界。他刻画织物精湛技艺使无数画家叹为观止，对光线与色彩的应用更是这样直入画境．他的作品，往往是在平凡中现出悠远的寓意和深刻的哲理，既通俗朴实，又神秘莫测。他的作品中流露着和煦与宁静，那细小而精湛的笔触足以让他在自己的时代汇聚成耀眼的光芒。存世真迹35幅，代表作为《带珍珠耳环的少女》。维米尔这位在逝世以后被湮没达两个世纪的绘画大师， 是十七世纪荷兰绘画的第三个重要代表。 荷兰在十七世纪是欧洲经济繁荣的强国，文化艺术相当发达，产生了哈尔斯、伦勃朗，在欧洲艺术史上占有特殊的地位。维米尔是继哈尔斯、伦勃朗之后独树一帜于十七世纪中期的大家。正值荷兰的文化艺术逐渐丧失其民主传统的时候、 荷兰的德尔夫特市成为先进的艺术中心，而约翰内斯·维米尔 (1632-- 1675)就出生在这个城市并终其一生于此。然而这位伟大的画家在生前虽曾为人所知却一贫如洗，负债累累，正当年力强之时，却又溘然长逝，只活了43 岁。死后又被人遗忘，直到十九世纪中期才被艺术评论家们重新发现，从此名声日隆，给了他以应有的地位。他被称为“沉睡了两个世纪的司芬克斯”，是“谜一样的画家”。他的生平也逐渐为人探索考证，始得知其概观。维米尔出生于荷兰德尔夫特市一个经营客店兼贩卖画的中产阶级家庭。据考证，他曾经向伦勃朗最有才华的弟子法布里乌斯学过画。1653 年，他正成为故乡的画师，加入过公会，而且在1663、1669年两次被选为公会的会长。根据 1663年一位国收藏家专程拜访过维美尔求画一事推断，他在生前已经享有荣名，并且他在画坛的地位也已为社会所认可。据专家们鉴定，维米尔共存34 幅真迹，其余的三十多幅都是别人伪托的赝品。这34幅作品除少数肖像、风景和宗教画外，绝大多数是描绘市民日常生活的风俗画而且绝大部分以中产阶级的家庭妇女生活为主，表现她们读信、弹琴、织花边、假寐以及种种杂务。维米尔留下的风景画非常少，但是每一幅画都非常精致，为人熟知的有《代尔夫特的风景》、《小巷》等。在《小巷》一画中，整个画面完全把时间凝固了，无论是在巷中洗衣的女人、坐在门前缝补的妇女，还是在路边游戏的小孩，她们原本正进行的动作，在维米尔的画笔下，完全停滞下来。在这幅画前，我们的心灵得以沉淀，发出清淡的忧伤，我们在其中感受到身旁的时间正悄然地划过脚趾。维米尔喜欢画忙碌的仆人，像《倒牛奶的女仆》、《拿酒杯的少女》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》，尽管这些画中的人物多是受雇维米尔画像而打扮成女仆模样的富家少女，但是在维米尔创造出来的画面中，她们却是那样大方质朴，丝毫没有做作之气。维米尔虽一生以卖画为生，艰难度日，但他并没有因为金钱而贬低自己的艺术，每一幅作品都流露着他真实的内心。因为维米尔很清楚，他是在为自己画画，甚至在有些时候是为了坚持自己的创作意图而不惜得罪画商。在这些画面里，维米尔大胆地使用蓝色与柠檬黄，往往在画面之一角设置一扇窗户，那照射进房间的轻柔阳光让整个画面显得清新自然。维米尔一生都在捕捉光的微妙变化，光中的色彩，似乎是他沉静内心的思考，窥见了光辉中的栖居者，然后在画面中表露出来，再穿透每一个观者的心。在今天看来，维米尔是一个优秀风俗画家，更多时候也是一个阳光下的抒情诗人。我们揭开那细小的笔触，透过绘画的表面，依然能感受到他内心的“思”。那“思”的轨迹正是画中闪动的光点，在细微处跳动，沉浸在我们的灵魂深处。

我最喜欢的就是现代主义风格的油画，这种类型的油画特别的尊重客观事物，并且特别的有想象力和创造力，代表人物的是梵高，他有很多的代表作品，比如说向日葵等等。

约翰内斯·维米尔（Johannes Vermeer，1632～1675）是典型的荷兰风俗画家，常常被认为是“荷兰小画派”的代表。他与哈尔斯、伦勃朗一起是公认的17世纪荷兰绘画三个重要的代表人物。维米尔出生于荷兰代尔夫特市一个中产阶级家庭，父亲经营一家客店并兼营卖画的生意。维米尔在1653年成为代尔夫特的画师，1663年和1670年两次被选为该公会的会长。在西方美术史上，维米尔曾被称为“谜一样的画家”。1675年，正值43岁的维米尔英年早逝，自从他去世后，他的名字曾一度被人们所忘却。维米尔绘画的艺术价值过了两百年后才被人们认识。维米尔的作品非常少，留存下来的可以归于他的作品不超过35幅。他的大部分作品是描绘舒适、安闲的资产阶级家庭生活的，表现周围熟悉的妇女，喜欢将通常的家务劳动诗意化，作品一般不注重情节。维米尔留下的风景画更少，但是每一幅画都非常精致，为人熟知的有《代尔夫特的风景》、《小巷》等。在《小巷》一画中，整个画面完全把时间凝固了，无论是在巷中洗衣的女人、坐在门前缝补的妇女，还是在路边游戏的小孩，她们原本正进行的动作，在维米尔的画笔下，完全停滞下来。在这幅画前，我们的心灵得以沉淀，发出清淡的忧伤，我们在其中感受到身旁的时间正悄然地划过脚趾。维米尔喜欢画忙碌的仆人，像《倒牛奶的女仆》、《拿酒杯的少女》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》，尽管这些画中的人物多是雇维米尔画像而打扮成女仆模样的富家少女，但是在维米尔创造出来的画面中，她们却是那样大方质朴，丝毫没有做作之气。维米尔虽一生以卖画为生，艰难度日，但他并没有因为金钱而贬低自己的艺术，每一幅作品都流露着他真实的内心。因为维米尔很清楚，他是在为自己画画，甚至在有些时候是为了坚持自己的创作意图而不惜得罪画商。维米尔一生都在捕捉光的微妙变化，光中的色彩，似乎是他沉静内心的思考，窥见了光辉中的栖居者，然后在画面中表露出来，再穿透每一个观者的心。在今天看来，维米尔是一个优秀风俗画家，更多时候也是一个阳光下的抒情诗人。我们揭开那细小的笔触，透过绘画的表面，依然能感受到他内心的“思”。那“思”的轨迹正是画中闪动的光点，在细微处跳动，沉浸在我们的灵魂深处。

17世纪初与样式主义和学院艺术相对立的是现实主义艺术,最主要的代表人物是卡拉瓦乔.卡拉瓦乔主义影响了整个欧洲,把现实主义摧向一个新阶段.它带有鲜明的时代气息和民族民主思想,顺应了时代潮流.宗教题材世俗化,更加注重对真实生活的反映,与下层生活密切相关.丰富了绘画技法.影响了后来的新古典主义 批判现实主义 印象主义. 卡拉瓦乔(意):酒神巴库斯 基督下葬 抱水果篮的孩子 女卜者.伦勃朗(荷):夜巡."荷兰""小画派-哈尔斯(荷):吉卜赛女郎.维米尔(荷):花边女工 倒牛奶的女仆.委拉斯贵支(西):宫娥 画家的一家 教皇英诺森十世肖像.穆立罗(西）:乞童

【画作名称】《花边女工》（The Lacemaker）又译《做蕾丝边的少女》、《缝纫女工》【创作者】约翰内斯·维米尔（Johannes Vermeer,1632—1675）（荷兰）【创作年代】不详【类别】画布油画【风格】现实主义【题材】风俗【规格】24cm×21cm （另人吃惊的小）【材质】 布 油彩【现存藏处】巴黎 卢浮宫藏 《花边女工》是维米尔的优秀作品，也是他的代表作之一。画作以诗意化的方式描述一个在编织蕾丝的女工那种专注平和的神情，以一种抒情情调给人美的享受。维米尔与同时代画家的不同之处在于，他以极端、甚至颤抖的感光度来表现光线，喜欢用蓝色和柠檬黄两种色彩组成十分和谐的色调。他的作品中特别的光感，实际上是借由一种新的技巧而达成的。这种技巧部分依靠光学实验，但主要是依靠着观察，以及对色彩微妙的渗透反映的直觉。他捕捉色彩光亮的方法相当特别，以微小的如珍珠的亮点构成物体轮廓，作品中的焦距平均分配，因此显得平静与客观。《花边女工》（The Lacemaker）这幅画说明了：认真的女孩最美丽。你仔细瞧，你一定随着光线看到女孩的手指不断用线穿针引线，再者你会注意到他两边的头发一边整肃，一边松散。 就是这么自然而然的你会随着画而起舞。 这又是将瞬间凝止为永恒之作了。 黄衣服的少女，和在旁的蓝色座垫，给人温暖之余，让人平静享受日常生活之简单美。 约翰内斯·维米尔（Johannes Vermeer，1632～1675）是典型的荷兰风俗画家，常常被认为是“荷兰小画派”的代表。他与哈尔斯、伦勃朗一起是公认的17世纪荷兰绘画三个重要的代表人物。维米尔出生于荷兰代尔夫特市一个中产阶级家庭，父亲经营一家客店并兼营卖画的生意。维米尔在1653年成为代尔夫特的画师，1663年和1670年两次被选为该公会的会长。在西方美术史上，维米尔曾被称为“谜一样的画家”。1675年，正值43岁的维米尔英年早逝，自从他去世后，他的名字曾一度被人们所忘却。维米尔绘画的艺术价值过了两百年后才被人们认识。维米尔的作品非常少，留存下来的可以归于他的作品不超过35幅。他的大部分作品是描绘舒适、安闲的资产阶级家庭生活的，表现周围熟悉的妇女，喜欢将通常的家务劳动诗意化，作品一般不注重情节。维米尔留下的风景画更少，但是每一幅画都非常精致，为人熟知的有《代尔夫特的风景》、《小巷》等。在《小巷》一画中，整个画面完全把时间凝固了，无论是在巷中洗衣的女人、坐在门前缝补的妇女，还是在路边游戏的小孩，她们原本正进行的动作，在维米尔的画笔下，完全停滞下来。在这幅画前，我们的心灵得以沉淀，发出清淡的忧伤，我们在其中感受到身旁的时间正悄然地划过脚趾。维米尔喜欢画忙碌的仆人，像《倒牛奶的女仆》、《拿酒杯的少女》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》，尽管这些画中的人物多是雇维米尔画像而打扮成女仆模样的富家少女，但是在维米尔创造出来的画面中，她们却是那样大方质朴，丝毫没有做作之气。维米尔虽一生以卖画为生，艰难度日，但他并没有因为金钱而贬低自己的艺术，每一幅作品都流露着他真实的内心。因为维米尔很清楚，他是在为自己画画，甚至在有些时候是为了坚持自己的创作意图而不惜得罪画商。在这些画面里，维米尔大胆地使用蓝色与柠檬黄，往往在画面之一角设置一扇窗户，那照射进房间的轻柔阳光让整个画面显得清新自然。维米尔一生都在捕捉光的微妙变化，光中的色彩，似乎是他沉静内心的思考，窥见了光辉中的栖居者，然后在画面中表露出来，再穿透每一个观者的心。在今天看来，维米尔是一个优秀风俗画家，更多时候也是一个阳光下的抒情诗人。我们揭开那细小的笔触，透过绘画的表面，依然能感受到他内心的“思”。那“思”的轨迹正是画中闪动的光点，在细微处跳动，沉浸在我们的灵魂深处。

达芬奇〔意〕：《最后的晚餐》，《蒙娜丽莎的微笑》梵高〔荷兰〕：《向日葵》，《星夜》张择端〔中〕：《清明上河图》毕加索〔西班牙〕：《哭泣的女人》，《梦》安格尔〔法〕：《泉》莫奈〔法〕：《印象日出 》，《睡莲》齐白石[中]：《虾》徐悲鸿[中]：《奔马图》拉斐尔[意]：《雅典学院》修拉[法]：《大碗岛上的星期天》米勒[法]： 《晚钟》，《拾穗者》，《牧羊女》,《死神与樵夫》塞尚〔法〕： 《静物》够了吧？

17世纪初与样式主义和学院艺术相对立的是现实主义艺术,最主要的代表人物是卡拉瓦乔.卡拉瓦乔主义影响了整个欧洲,把现实主义摧向一个新阶段.它带有鲜明的时代气息和民族民主思想,顺应了时代潮流.宗教题材世俗化,更加注重对真实生活的反映,与下层生活密切相关.丰富了绘画技法.影响了后来的新古典主义 批判现实主义 印象主义. 卡拉瓦乔(意):酒神巴库斯 基督下葬 抱水果篮的孩子 女卜者.伦勃朗(荷):夜巡."荷兰""小画派-哈尔斯(荷):吉卜赛女郎.维米尔(荷):花边女工 倒牛奶的女仆.委拉斯贵支(西):宫娥 画家的一家 教皇英诺森十世肖像.穆立罗(西）:乞童

【 #课件# 导语】教学课件辅助教学虽能充分调动学生的各种感官功能，激发学生学习美术的热情和求知欲，然而多媒体教学的格式化、定义化、程序化的特点，下面是 整理分享的初三美术课件，欢迎阅读与借鉴。 　　 【 校园写生 】 　　——铅笔线条表现的风景画 　　一、教学目的： 　　1、学习风景构图知识，远、中、近景的处理方法和树木的表现方法。 　　2、学习铅笔风景写生的方法和步骤，懂得如何区别主次进行概括。抓住重点，分清层次，能画一幅简单的风景画。 　　3、鼓励学生关注社会、关注生活，用自己的绘画语言去发现美、创造美。 　　二、教学重点难点： 　　1、运用构图知识和铅笔画技法，画一幅以树木为主的风景画 　　2、怎样表现和处理好以树为主的风景画的质感和空间感 　　三教务长：风景写生的范图 　　教学设计： 　　一、组织教学 　　二、导入 　　风景画欣赏导入。展示许多风景写生的范图，使学生产生浓厚的兴趣。 　　揭示课题，《风景写生》，板书 　　三、学习新课： 　　老师：请用你自己学过的美术知识对这幅画进行评析。 　　（学生发言踊跃，通过发言复习了透 视、构图知识。） 　　老师：自然界处处存在美，要靠我们自己去发现和表现。 　　（老师继续展示自己在校园内写生的美术作品。） 　　学生：原来我们经常生活的校园画出来也这么美呀！我也要画一画我们的校园。 　　课堂外学生分组开始校园写生，师生共同活动。 　　四、学生作业，教师巡回指导。 　　五、作业展示，展示学生优秀作业，请其他学生来点评，指出画的好的地方和还欠缺的地方。 　　六、课堂小结，请学生谈谈出去写生的感受。 　　 【 运动（1课时） 】 　　教学目标： 　　1、让学生了解运动的特点、本质。 　　2、让学生对艺术与科学的关系有一定的思考，培养学生语言、分析、解决问题的能力。 　　3、让学生学习、感受、发现生活中的动态美，用艺术语言表述动态美，用运动的形态表达情感。 　　教学设计： 　　本课的教学过程由认识运动特点到具象表现，再到抽象表现。为了使学生对怎样表现运动有一个整体认识，本课教案设计为一个课时完成，评价形式主要采用过程性评价方式，整个过程可分为两大部分：第一部分通过赏析传统的具象的作品，使学生认识运动的形态特点，初步了解美术作品表现运动的方法、角度、表现形式，并初步体会用动态表达情感；第二部分通过赏析现代派的抽象作品，使学生了解美术的另外表现形式，扩大学生视野，激发学生表现冲动与创造力，从而能完成对动态美的创造。本课作业形式多样，可表演，可运用绘画、雕塑、剪纸等造形手段表现。本课的整个教学过程，特意营造一个轻松愉快的氛围，使学生在整个教学活动中学得轻松愉快，充分激发他们的兴趣与创造力。 　　教学重点：学习、感受艺术中的动态美。 　　教学难点：用各种艺术语言表现人物动态，并能表达一定情感。 　　学具：绘画用具、剪刀、纸、塑泥、铁丝、易拉罐、泡沫等可塑材料。 　　教具：课件。 　　教学过程： 　　一、导入 　　播放音乐《金蛇狂舞》 　　师问：你们能说出这首乐曲的名字吗?(生：《金蛇狂舞》，可让一学生用手表演蛇舞) 　　师问：听了这首音乐之后你有何感受?(生讨论回答：强烈的节奏感与动感) 　　师小结：科学家们说，我们这个世界的一切事物，都处在不断运动和变化之中的，艺术家也喜欢表现动感，今天我们就来学习《运动》这一课吧!(板书课题《运动》) 　　二、赏析传统艺术作品的动态美，体会用动作表达情感 　　1．赏析传统艺术作品的动态美。 　　师问：你们能证明一下，为什么说这个世界是不断运动变化的呢?(学生回答略) 　　师小结：现在老师想用艺术作品中的优美动态来证明这个观点。 　　幻灯片展示美术家的作品①掷铁饼者；②舞台上的舞女；③倒牛奶的女仆；④狩猎?敦煌壁画；⑤荷拉斯兄弟的宣誓；⑥印度婆罗多舞；⑦反抗。 　　2．认识运动特点、体味动态美，用动作表现情感。 　　师问：《反抗》中的夕3女的动作表现了她怎样的心情?(生：愤怒) 　　师小结：人们在生活中往往用各种动作来表现自己的情感。比如足球运动员在进球后往往会兴奋地现场作秀，你能模仿一下运动员进球的现场作秀的动作吗? 　　可以请一个爱好体育的男生与老师合作表演。 　　师：这些都是模仿，你能创造一个动作表达“我健康，我很棒”吗?学生表演动作，并保持姿式，其余学生画出这个动态。 　　展评作业，教师出示人体运动示意图，并简单讲解如何概括人物动态。（1课时） 　　三、赏析现代派美术作品，学习表现人物动态另外的方法，激发学生的创造力与想象力。 　　1．赏析现代派表现人物动态的作品。 　　师：我们再来欣赏几幅表现人物动态的作品，看看现代派艺术家是如何表现人物动态的。 　　幻灯片展示作品：①风(雕塑)；②怀抱(雕塑)；③格尔尼卡；④块状组合人体；⑤呐喊(蒙克)；⑥舞(马蒂斯作品)；⑦下台阶的女人(杜桑)；⑧舞蹈；⑨奔跑(学生作品)；⑩生日(夏加尔)。 　　问：这组作品与上组作品相比较有何不同? 　　生答：这组作品都比较抽象。 　　师小结：这组作品人物不再完全用写实的手法表现，但他们都比写实作品有时显得更生动有趣，而且更便于夸张地表达作者的情感，如《生日》，你认为这个动态表达人怎样的心情呢?(答略) 　　2．请一个擅长舞蹈的女 生设计表演几个舞蹈动作，表现“我快乐，我自由”。 　　四、学生练习，教师巡视辅导 　　作业要求： 　　1．以“我很棒，我健康”或“我快乐，我自由”为题，用美术语言表现人体动态；另，也可自拟题目表现人物动态。 　　2．方法可以是写实的，也可以是现代派变形、夸张的，要求动态生动有趣。 　　3．所采用的美术语言不限，绘画、雕塑、剪纸均可。（1课时） 　　五、小结 　　1．展评学生作业。 　　2．结束语： 　　今天我们深入动感世界，感受、体味并创造了动态的美，最后，让我们一起在运动中来结束这堂课，再次享受运动的快乐吧！ 　　放音乐，跳兔子舞，结束。（1课时） 　　六、教学反思 　　本课为三个部分，用三个课时完成，第一部分为传统作品赏析，学习人物运动规律，并体味用动作表达情感；第二部分为现代作品学习，学习用多种方法、形式表现动态美，力求生动，激发学生创造力；第三部分为教学评价，可采取办学生作品展览形式，让学生自己评说。

我是美术学院毕业的，推荐几幅世界名画：1.《蒙娜丽莎》达芬奇画：《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达u2022芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。达u2022芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。2.《格尔尼卡》毕加索：格尔尼卡是西班牙北部巴斯克族人的城镇。1937年被纳粹“神鹰军团”的轰炸机炸成一片废墟，死亡了数千名无辜的老百姓。毕加索被法西斯暴行所激怒，毅然画了这幅巨作，以表示强烈的抗议。画面以站立仰首的牛和嘶吼的马为构图中心。画家把具象的手法与立体主义的手法相结合，并借助几何线的组合，使作品获得严密的内在结构紧密联系的形式，以激动人心的形象艺术语言，控诉了法西斯战争惨无人道的暴行。3.《自由领导人民》德拉克洛瓦：画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动人心的力量。4。苏里柯夫--《近卫军临刑的早晨》，该画以彼得大帝1698年镇压近卫军兵变这一历史事件为背景而创作的。画家选取了兵变失败的近卫军在莫斯科红场临刑前的悲壮时刻。5.安格尔--《土耳其玉女》 该画具有浓厚的东方情调和异国风味。安格尔把抽象的古典美与具体的写实美巧妙地结合在一起，匠心独具地表现出女性的柔美和纯洁。从作者一生的绘画经历来看，他最高的成就就是女人体画。他6.米勒最重要的代表作--《拾穗者》，作品无声地倾诉着农民的贫困与饥苦，焦虑与哀愁，隐含着强烈的社会批判意识。7.梵高——《第一步》，内容意思：妈妈领着刚要学走路的孩子，爸爸在不远处招呼小孩往这边来。小孩子刚学走路时，迈出的人生中的第一步。温馨的色调场面表达父母对孩子的爱。8.维美尔--倒牛奶的女仆 该画作于1685年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。将一个简朴的厨房画得很有感情，甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。女佣人是个非常健壮的村妇，她塞起了胸前围裙的一角，忙着准备早餐。所有人和物的质感都很强烈。画的最自然的生活场景，表达作者对劳动人民的热爱。好了，先这么多。还有什么可以问我

　　第10课 人类生活的真实再现——外国古代绘画撷英　　吴明娣　　一、 教材分析　　（一） 教学目标　　通过本课的教学，使学生对外国古代绘画的主要类别、发展概况、突出成就，以及不同民族绘画的主要特点有基本的了解，并领会各民族绘画形式的差异及其与审美观念的联系；能够比较、分析外国古代绘画重要作品的风格、特点及时代特征，认识到外国古代绘画的丰富多彩是世界文化多样性的生动体现。最终达到使学生开阔艺术视野，增长见识，陶冶情操、提高艺术素养和审美感知能力的目标。　　（二） 内容结构　　本课由以下四节组成：　　第一节，简要介绍了人类最早的绘画——欧洲旧石器时代晚期的洞窟壁画，图示西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画《野牛》，使学生对人类早期绘画的基本面貌有所了解。　　第二节，对古埃及壁画的基本特征、独特的人物造型样式作简要介绍，图示《三个乐女》及《宴乐图》，并指出古代两河、爱琴海等地区的绘画与古埃及壁画的联系。图示《朝贡者》一画，使学生对此有所认识。　　第三节，在本课所占比重最大。重点介绍了以下三方面内容：1.意大利文艺复兴盛期绘画；2.17世纪荷兰绘画；3.17、18世纪西班牙绘画；4.19世纪法国绘画。　　第一部分，首先概述了古希腊、古罗马、中世纪绘画的特征，以便通过比较加深对文艺复兴绘画的认识。意大利文艺复兴绘画列举了波提切利、达·芬奇、拉斐尔的作品，着重分析了《草地上的圣母》。　　第二部分，突出荷兰画派在风俗画、风景、静物画方面的成就，列举了维米尔的《倒牛奶的女仆》，使学生领会荷兰风俗画与静物画的特点，并图示风景画《埃克河边的磨坊》及伦勃朗、鲁本斯、哈尔斯的肖像画，引起学生对这几位大师艺术的关注。　　第三部分，重点论述了西班牙绘画大师委拉斯凯兹和哥雅的艺术，分析了《纺织女》、《1808年5月3日的枪杀》两幅画的艺术特色，并辅以委拉斯凯兹的《大宫女》和哥雅的《自画像》、《着衣的玛哈》，使学生能加深对两位画家绘画艺术的认识。　　第四部分，首先对19世纪法国绘画发展概况作了简要的介绍，使学生对其有宏观的把握；其次分析了德拉克洛瓦的《自由引导人民》和杜米埃的《三等车厢》，使学生通过比较，领会浪漫主义与现实主义绘画的差异，并图示达维特的《马拉之死》、安格尔的《泉》、莫奈的《印象·日出》、马奈的《草地上的午餐》等，以便学生领略19世纪法国绘画的不同风貌。。　　第四节，其他地区的绘画，介绍了印度佛教石窟壁画和日本浮世绘版画，图示并分析了印度的《持莲花菩萨》和日本的《三美人图》两幅作品，使学生了解东方绘画的基本面貌和不同的民族特色。　　（三） 教学的重点与难点　　本课教学的重点：通过对不同民族、不同时期、不同风格的绘画作品的分析、比较，使学生加深对外国古代绘画的了解，认识外国绘画的丰富性与多样性。　　本课教学难点：领会古代不同民族绘画形式上的差异及其与现实生活、宗教、审美观念的联系。　　二、教学内容资料　　（一） 作品分析　　野牛(阿尔塔米拉洞窟壁画，旧石器时代晚期，西班牙)　　此画位于阿尔塔米拉洞窟的侧洞，即顶部绘有18头牛的“公牛大厅”。此画准确地表现了野牛的结构和动态，用线条描绘基本绘画轮廓，并加晕染，表明旧石器时代的欧洲先民已掌握了绘画的基本技法，能够表现具有写实风格的动物形象，体现了原始人独特的艺术表现力。画的线条是采用原始的毛笔勾勒的，色彩的表现是用平涂和喷绘（即口含颜料通过骨管吹到画面相应的部位，能产生浓淡变化，以表现出体积感）的方法。　　三个乐女壁画，公元前1390年，绘于底比斯52号墓（ 阿蒙神祭司、王族纳克特墓中） 古埃及　　这是反映古埃及人现实生活的壁画《宴乐图》的局部，描绘的是三个乐女演奏乐器的情形。画面左侧的乐女在弹竖琴，中间的裸体乐女正拨动诗琴，右侧的乐女吹双笛。乐女们的造型虽然依照埃及艺术独特的正面律的样式表现，但是仍生动地描绘出乐女们不同的动态、神情，突出少女身材的修长、优雅，彼此呼应，耐人寻味。乐女的肤色为黄褐色，与白色的裙子、深蓝色的头发及各式饰物相配，既对比鲜明，又和谐统一　　[1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8] 下一页

你想知道现代的还是当代的？很多啊，汪楚雄，汪楚人，你可以查北京工艺美校毕业的，现在都是知名艺术家