达芬奇的一幅名画——《岩间圣母》的玄秘？

《岩间圣母》是达芬奇的一幅传统宗教题材画作。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的圣母玛利亚以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子耶稣伸过去，天使乌列面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面，一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。这一组动作是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。达芬奇把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了文艺复兴盛期的古典主义金字塔式的人物构图。《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？学者们热烈地讨论这些问题。然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶酥，一天使在耶酥身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达芬奇盛期创作开始的作品。达芬奇尤为擅长通过画中人物的躯体动作姿态的多样变化，表现人的不同心灵和情感，约翰在祈祷，耶稣在为约翰祝福，天使在指示约翰，圣母伸出手作出抚爱姿态，这些人物动作、手势都反映出不同人物的心理活动状态。 这幅现藏于巴黎的作品，虽仍然是传统题材，但人物形象的塑造和岩窟幽深的刻画及山岩间花草逼真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。

两幅作品都是达·芬奇的名作。列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci，1452年4月15日—1519年5月2日，享年67岁），意大利学者、艺术家。欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。

达芬奇为米兰教会创作的《岩间圣母》，是因为，它做完这幅画的时候，想以再高一点的酬劳，交给教会，然后教会没有答应，所以他把这幅画卖给了其他教会。工作完成后，达芬奇非常满意。他提出增加报酬，但遭到宗教团体的拒绝。于是他大发雷霆，把这幅画卖给了另一个地方，也就是目前在巴黎卢浮宫收藏的《岩间圣母》。几年后，宗教团体要求达芬奇归还作品。达芬奇原本想重新创作一部新作品，但遭到宗教机构的反对。他们坚持要一件与原作完全相同的作品。伦敦国家美术馆称，这或许是达芬奇助手杰作，或许是达芬奇本人的杰作。为什么达芬奇最后会放弃草图仍是个大谜团。《岩间的圣母》是达芬奇在米兰的杰作，也是迄今为止保存最完整的三件杰作之一。但在颜色上，圣母的深蓝色斗篷被改成了深蓝色，天使的红色斗篷变得温暖起来。这可能是由于画家后期绘画能量不足，也可能是弟子所画，但没有可靠的数据支持。后者现在在伦敦国家美术馆展出。达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。

《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？学者们热烈地讨论这些问题。然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。《达·芬奇密码》一书第32章写到：“画作一反常理，画的是约翰为耶稣祈福，而不是耶稣为约翰祈福……耶稣正服从于约翰的权威！更成问题的是，画中的玛利亚一手置于约翰头上，做出一个威胁的手势——她的手指看上去像鹰爪，仿佛正抓着一个看不见的人头。最明显而又最令人毛骨悚然的画面要数玛利亚弯曲的手指下方的乌列——他做出一个砍东西的手势，仿佛要将玛利亚抓住的那个无形的人头从脖颈处砍下来。”足以看出画作的隐含意义和象征绝不简单。 达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安详和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。然而这幅画却遭到委托者的非难。他们以圣母子头上没有圣光，约翰没有十字架，天使无神翼为由，拒绝付款，并对达·芬奇提起诉讼，讼事纠缠达20年之久。直到1508年，达·芬奇的弟子阿姆勃罗乔·德·波列迪斯在达·芬奇的直接指导下，完成了《岩间圣母》的复制画，在圣母、耶稣的头上加了光圈，给约翰加了十字架，让天使长上了翅膀，把这幅画交给了委托人，官司才算了结。但与原画相比，摹本所有的价值可谓差之千里，望尘莫及。 在整整25年中，《岩下圣母》成为达·芬奇与他在米兰的出资人同行会之间矛盾的焦点。尽管发现新的文献材料，这件纠纷的一部分内情仍然是个谜。从第一幅画失踪，它就成为产生无数利益纠纷的原因。误工、表示怀疑的申诉、庭审及判决，一件接着一件，一直到同意完成画作。1483年4月25日，达·芬奇接受委托，花了7个多月的时间就已经结束了绘画。但一直到1508年10月23日，他才得以在早以完工的作品上签字，交付委托者。这幅画出色地结合了达·芬奇晦涩、神秘和充满暗示的绘画风格，源源不断地表现出象征意义和神学思想。潮湿，开满鲜花的岩洞，笼罩在宗教和玄奥的光环中，增添了神秘情调和神话色彩。岩洞及消失在远处的难以接近的群山表现出了无穷无尽时空中的地质世界，它们构成了发生纯宗教的神圣事件的神秘舞台，每一个动作都暂停下来，似乎是为了抓住这将改变人类历史的一瞬间。画中人物不符合I483年合同中的承诺（圣母和圣子在两个天使和两个先知的簇拥下，但没有圣约翰），让我们看出达·芬奇的异端企图。 1485到1490年之间的两幅画作，《音乐家》和《抱白鼬的夫人》证明了达·芬奇为肖像画样式所带来的深刻革命。《音乐家》是真正的参照大全，从《吉尼伏拉·本齐肖像》中“闪亮”的鬈发到《圣哲罗姆》中笔画如刻的体形，因对新人物强烈的心理刻画得以加强，这点将在《抱白鼬的夫人》中发挥得淋漓尽致。在《音乐家》这幅画中，人们能观察到伦巴第人果断的性格、北方带来的影响及对肖像的生动描绘，这种描绘让人联想到歌唱家调整动作和气息的音乐间歇。达·芬奇参与了这幅画的创作，这点几乎可以肯定，画作的准备工作和绘画的技巧都出自他手，至多某个像德·波列迪斯那样的助手协助作了一点点微不足道的工作。在18世纪末，《抱白鼬的夫人》从意大利进入波兰恰尔托雷斯基家族的收藏室之前，人们没有任何有关的可靠材料。虽经过多次修缮，这幅画对观众造成的威慑力仍旧比《蒙娜丽莎》更胜一筹。画面的节奏和空间中女性身形与白鼬相反的螺旋转动，在肖像艺术中绝对是新现象。

百科名片岩间圣母此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。[编辑本段]基本资料 作品名称： 《岩间圣母》 创作者： 列奥纳多·达·芬奇（Leonardo di ser Piero da Vinci，1452－1519 意大利） 创作时期： 第一幅约作于1483～1490年间，另一幅约作于1508年 创作题材： 宗教类 作品类型： 油画 第一幅 作品规格： 第一幅为198×123厘米，第二幅为189.5X119.5厘米， 现收藏地： 第一幅现收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆[编辑本段]艺术特点 第一幅在构图上，达芬奇用的是金字塔形构图，它具有一种稳定感。四个人物统一在这一稳定的结构中。尖顶部位正好是圣母的头，耶稣的左手与天使的衣角，是塔形右轮廓的边缘，但这种塔形构图不是很呆板的对称公式，中心人物的圣母仍稍微向左侧倾，而塔形构图的下部却接近于棱形；约翰的头部略低于对面天使的头部，两角不相平衡，由于背景洞口的亮光被加强了,它们的色彩对比仍然是稳定的。全景既显得庄重，又很自然，它具有古典美的造型特色。 我们还应注意这幅画的背景描写：达芬奇不仅是一个卓越的风景画家，更主要的是，他以探索者的眼光，非常注意这种溶洞内的岩石结构。洞内的钟乳石对于文艺复兴时代的科学研究者来说，是一种地质学所探求的对象。这里又进一步反映出达芬奇对地质地层的知识的广泛兴趣。在15世纪意大利的所有壁画上，一般人物总是被放置在风景前面的，而不是放在风景之中。达芬奇在这里第一次把人物安置在特定的风景中间，让人物的境遇与阴暗的古老岩洞融成一个整体，这是大画家在构思上寻求典型环境与典型性格的一个独创。在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金黄色鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。” 《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？学者们热烈地讨论这些问题。然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。 洞穴外的风景表现了空气透视，众人物形成了金字塔结构，其顶端则是圣母的头部。天使的面容表达出达芬奇的理想美，其表情特征，不似他为韦罗丘所绘《基督受洗》的天使那般表露于外表，而是散发自内心。人物以明暗表现法来描绘，技法已达出神入化的境界。这表明达芬奇已向文艺复兴初期告别，而开始迈向文艺复兴时期的高峰阶段。 第二幅在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金黄色鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达·芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。这种画原是作为祭坛画画在板上的，两侧还有屏风画。作为一幅尚未最后完成的作品，它与1508年重新复制的一幅《岩间圣母》，在人物与色调上均有出入。在这后一幅上，人物更拉近一些，而且改掉了天使那只不自然地指向约翰的右手；她的视线也不再朝向观众，而是瞧着两个孩子的活动。就这一点看，它比前一幅显得成熟些。但在色彩上，圣母的深青色斗篷被改为深蓝色了，天使的红色披风变成了双翼。色调不如前一幅来得富有暖意。可能这是画家晚期作画精力不支之故，也可能是由他的弟子所绘，但尚没有可靠的资料为此佐证。[编辑本段]绘画风格 《岩间圣母》是达·芬奇在米兰完成的第一幅绘画作品，这幅作品极其复杂，展现画家美学思想的“纯宗教”思想。此前由于在佛罗伦萨没有完成《博士来拜》，早已形成这种美学理念没有充分表现出来。《岩间圣母》成为伦巴第地区的达·芬奇画派绘画“方式”的典范。将人物置于阴暗的环境中，以赋予光亮中涌现的景物真正的启示力量，这种崭新的绘画方式使人物、光线和“次要光线”交织在一起，画布上弥漫着浓重的宗教气息。 《岩间圣母》是达·芬奇受委托而在1483年开始创作的祭坛画。画中的圣母玛丽亚完全像一位普通的慈祥的母亲，她坐在那里，用亲切的目光，和蔼的微笑抚慰着身边的孩子。她的右边是小约翰——施洗者，左边是童年的耶稣和一个天使。幼小的约翰和基督耶稣在嬉戏玩耍。圣母用右手挽着小约翰，用左手遮在小耶稣的头上，好像要把这人和神在爱之中结合起来，耶稣旁边的天使用手扶持着小救世主，另一只手指着小约翰，面带一种温柔、奇异的微笑，其中充满了痛苦的预感。她的音容姿态，显得美丽绝伦。感情被高超的手法表达出来。她的手势似乎包含了两种含义，既为她的孩子祝福，又在保护她的孩子。尚在蹒跚学步的小耶稣坐在地上，脸上急显露出孩子的天真，又暗含了超出常人的智慧。画中人物与景色搭配和谐，给人以安宁祥和的感觉。圣母子、约翰、天使所处的山洞，传说是上帝创造世界的地方。那些岩壁像是庞大的深色结晶体。远处，从岩石中间看到带着潮气的阳光穿过雾云照在尖形的蓝山之上，神秘而又庄严。地下泉水在攀藤植物和石松根上潺潺流淌，地上遍布兽蹄形的水草叶子和淡白色泽兰花的花萼。在朦胧的洞穴中，人体轮廓渐渐淡弱，而面容在忽明的光线中如同细致的白玉，充满内在的生气。人神之母和自然之灵的水乳交融，使画面呈现出浓郁的诗意和深邃的哲理。 达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安详和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。 然而这幅画却遭到委托者的非难。他们以圣母子头上没有圣光，约翰没有十字架，天使无神翼为由，拒绝付款，并对达·芬奇提起诉讼，讼事纠缠达20年之久。直到1508年，达·芬奇的弟子阿姆勃罗乔·德·波列迪斯在达·芬奇的直接指导下，完成了《岩间圣母》的复制画，在圣母、耶稣的头上加了光圈，给约翰加了十字架，让天使长上了翅膀，把这幅画交给了委托人，官司才算了结。但与原画相比，摹本所有的价值可谓差之千里，望尘莫及。 在整整25年中，《岩下圣母》成为达·芬奇与他在米兰的出资人同行会之间矛盾的焦点。尽管发现新的文献材料，这件纠纷的一部分内情仍然是个谜。从第一幅画失踪，它就成为产生无数利益纠纷的原因。误工、表示怀疑的申诉、庭审及判决，一件接着一件，一直到同意完成画作。 1483年4月25日，达·芬奇接受委托，花了7个多月的时间就已经结束了绘画。但一直到1508年10月23日，他才得以在早以完工的作品上签字，交付委托者。 这幅画出色地结合了达·芬奇晦涩、神秘和充满暗示的绘画风格，源源不断地表现出象征意义和神学思想。潮湿，开满鲜花的岩洞，笼罩在宗教和玄奥的光环中，增添了神秘情调和神话色彩。岩洞及消失在远处的难以接近的群山表现出了无穷无尽时空中的地质世界，它们构成了发生纯宗教的神圣事件的神秘舞台，每一个动作都暂停下来，似乎是为了抓住这将改变人类历史的一瞬间。画中人物不符合I483年合同中的承诺（圣母和圣子在两个天使和两个先知的簇拥下，但没有圣约翰），让我们看出达·芬奇的异端企图。 1485到1490年之间的两幅画作，《音乐家》和《抱白鼬的夫人》证明了达·芬奇为肖像画样式所带来的深刻革命。《音乐家》是真正的参照大全，从《吉尼伏拉·本齐肖像》中“闪亮”的鬈发到《圣哲罗姆》中笔画如刻的体形，因对新人物强烈的心理刻画得以加强，这点将在《抱白鼬的夫人》中发挥得淋漓尽致。在《音乐家》这幅画中，人们能观察到伦巴第人果断的性格、北方带来的影响及对肖像的生动描绘，这种描绘让人联想到歌唱家调整"动作和气息"的音乐间歇。达·芬奇参与了这幅画的创作，这点几乎可以肯定，画作的准备工作和绘画的技巧都出自他手，至多某个像德·波列迪斯那样的助手协助作了一点点微不足道的工作。 在18世纪末，《抱白鼬的夫人》从意大利进入波兰恰尔托雷斯基家族的收藏室之前，人们没有任何有关的可靠材料。虽经过多次修缮，这幅画对观众造成的威慑力仍旧比《蒙娜丽莎》更胜一筹。画面的节奏和空间中女性身形与白鼬相反的螺旋转动，在肖像艺术中绝对是新现象。

The Virgin of the Rocks 《岩间圣母》The Last Supper 《最后的晚餐》The Virgin and Child with Saint Anne 《圣母子与圣安娜》Mona Lisa 《蒙娜丽莎》

画家33岁时客居米兰，用蛋彩绘制这幅圣母画，用岩洞作圣母子的环境，有画中景和画外意：圣母子在大天使护卫下暂歇于岩洞，有一种安全感；选择岩洞作背景，起源于达芬奇记忆中的古佛罗伦萨采石场马雅诺，岩洞的深意?在于宗教传说中圣者诞生的洞穴，内涵黑暗和光明，即指上帝的光辉是以圣母子为载体转化为人和他的苦难，让神圣的光明穿破黑暗，照亮世界。 这幅画的人物组合为主体金字塔式构图，画家运用明暗画法塑造形体、渲染人物形象的情感和画面气氛。芬奇尤为擅长通过画中人物的躯体动作姿态的多样变化，表现人的不同心灵和情感，约翰在祈祷，耶稣在为约翰祝福，天使在指示约翰，圣母伸出手作出抚爱姿态，这些人物动作、手势都反映出不同人物的心理活动状态。 由于画家继承和发展了马萨乔创立的明暗画法，并运用这种画法描绘岩洞圣母，这使整个画面上洋溢着空气和空间的深度感。作为画家兼科学家的达芬奇所描绘的岩洞，人们能从岩石的结构看出岩洞形成的时期。可见画家创作的科学态度，这正体现文艺复兴盛期美术创作的特点——探索科学表现。

画作描绘了身着蓝袍的圣母玛丽亚抱着一个婴儿坐在那里,那个婴儿应该就是耶稣。乌列坐在玛丽亚的对面,也抱着婴儿,那个婴儿应该就是施洗者约翰。奇怪的是,画作却一反常理,画的是约翰为耶稣祈福而不是耶稣为约翰祈福……耶稣正服从于约翰的权威！更成问题的是,画中玛利亚一手置于约翰头上,另一只手则做出一个威胁的手势——她的手指看上去像鹰爪,仿佛正抓着一个看不见的人头。最明显而又最令人毛骨悚然的画面要数玛利亚弯曲的手指下方的乌列——他做出一个砍东西的手势,仿佛要把玛利亚弯曲手指下抓住的人头从脖颈处砍下来。

达芬奇画作里能分析出好多东西，一直都很有吸引力，不过我对于“分析”出来的这些“秘密”一直持怀疑态度。一般最为吸引人的“秘密”包括以下几个：恋母情结，同性恋，左撇子，异教徒，数学家，音乐家等。至于《岩间圣母》，大致的情况是因为第一次完成的作品达芬奇非常满意而教会拒绝接受：圣母子没有光圈，圣约翰没有十字架，天使没有翅膀。达芬奇非常满意自己的创作拒绝修改，就这么杠上了。后来达芬奇将这件作品卖给了一个法国人（也可能英国人，记不清了），再后来教会后悔了，向达芬奇追索作品，达芬奇只能又画了一幅《岩间圣母》，这一次的圣母子头上有光圈，圣约翰有十字架，天使有翅膀，皆大欢喜。事实上达芬奇并不是一个特别理性和严谨的人，他没有时间观念，做事丢三落四，对待雇主的态度也是漫不经心随心所欲，所以他在当时虽然就很出名了，但是订单却极少，所以流传下来的作品也极少。据说达芬奇从来没有按时完成订单，从来没有。

第一幅《岩间圣母》是人物头上没有光环的，这是订货者不接受的直接原因，但它体现了文艺复兴时期一些画家追求以人为本的人文主义精神。第二幅《岩间圣母》是按买画的顾主的要求来画的，在人物头上加上光环。

《岩间圣母》和《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》。1、《岩间圣母》此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。2、《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》圣母子与圣安妮（The Virgin and Child with St. Anne）是意大利达芬奇于1508年创作的画板油画。该画作描绘了圣安妮、圣母玛利亚和和刚刚出生不久的耶稣。画中圣母玛利亚坐在她母亲圣安妮的膝上，耶稣正想骑在一只祭祀用的羔羊上，表现出其激情；而玛利亚想拉紧耶稣。扩展资料：英国国家美术馆的其他藏品介绍：1、《维纳斯与战神》关于这幅画的来源迄今仍无定论，但仅仅就他对古代天神不可思议的憩息状态的描绘，就令人赞赏不已。画中人物有的出于诙谐之笔如森林之神，还有沉睡中的战神以及维纳斯，画家描绘面容的笔法，真令人动容。维纳斯凝神专注地看着沉睡中的战神，代表了新柏拉图派的观念：爱与和睦战胜了战争与冲突。维纳斯似乎主宰和安抚了战神，她变成了大自然和人类之母，而不是充满情欲的爱的女神。画中的她穿着朴实无华的洁白长袍，长袍绣着金边，和她浓密的金发相互辉映；战神不像是一个令人望而生畏的征战之神，倒像是被午后暖洋洋的气候所征服的少年。为了加强这种平和的气氛，森林之神农牧神则在他身旁嬉戏，玩弄着他丢在一旁的甲胄，整个画面充满一种安宁。这幅作品色泽纯洁鲜明，人物形态完美，谑而不虐，笼罩着一片和谐气氛，是波提且利最优美的作品之一。2、《阿尔诺芬尼夫妇像》《阿尔诺芬尼夫妇像》（The Arnolfini Portrait，全名：Portrait of Giovanni Arnolfini and his Wife）是尼德兰画家扬·凡·艾克1434年创作的一幅木板油画，现藏于英国国家美术馆（伦敦国家美术馆）。该油画描绘了尼德兰典型的富裕市民的新婚家庭，逼真地刻画了阿诺芬尼夫妇肖像。该画用色十分细腻，画中的主人翁是阿尔诺芬尼和他的新婚妻子。阿尔诺芬尼举着右手，似在宣誓。他的妻子则虔诚地微低着头，伸出右手表示永作丈夫的忠实伴侣。画家对环境一一进行刻画。真实地描绘了典型的资产者形象。不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。参考资料来源：百度百科——英国国家美术馆

　　达·芬奇　　列奥纳多· 达·芬奇 (1452-1519) da Vinci,Leonardo 全名列奥那多·迪·塞尔·皮耶罗·达·芬奇，意大利文艺复兴时期画家,科学家,人类智慧的象征.是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。他因自己高超的绘画技巧而闻名于世。他还设计了许多在当时无法实现，但是却现身于现代科学技术的发明。总的来说，达芬奇大大超越了当时的建筑学，解剖学和天文学的水平，但是却未能推动其发展。他于1452年出生于佛罗伦萨，虽然他是一个私生子，但是却很被重视，历史资料显示，安东尼奥·达·芬奇（达芬奇的祖父）在译本笔记本的后页上写到：1452年4月15日，星期六，夜间第3个小时，我有了一个孙子，我儿子塞尔·皮耶罗的儿子，名为列奥那多。5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像,同时还能即席作词谱曲,自己伴奏自己歌唱,引得在场的人赞叹不已.《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画,《蒙娜丽莎》则为世界上最著名,最伟大的肖像画.这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史.达·芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感.他曾说过:"绘画的最大奇迹,就是使平的画面呈现出凹凸感."　　(*达·芬奇是闻一多首创翻译名，乃按意大利语翻译。旧译“达·文西”乃按英语翻译，误；意大利语ci读如“奇”非“西”)　　“上天有时将美丽、优雅、才能赋予一人之身，令他之所为无不超群绝伦，显出他的天才来自上苍而非人间之力。莱奥纳多正是如此。他的优雅与优美无与伦比，他的才智之高可使一切难题迎刃而解。”这是文艺复兴时期的传记作家瓦萨里对达芬奇的溢美之词。　　莱奥纳多1452年4月15日出生于意大利中部据佛罗伦萨不远的芬奇市（Vinci），并在那儿度过了童年。1469年，他来到佛罗伦萨并在Verrocchio的画室学徒。 1472年，进入当年画家协会。　　在艺术方面，他是一位雕塑能手但特别注重绘画艺术，他说：“绘画是自然的女儿。”　　传说，在他年轻时，有一次帮老师在一副名为《约翰为基督洗礼》的画中画了一个小天使，结果其水平超过了老师画的所有其他人物。这位在当年已有些名气的老师羞愧难当，从此不再涉猎绘画，只搞雕塑了。　　达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术,其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》《圣安娜与圣母子》等。　　《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。　　《最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。达芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物座成一排面向外，而耶稣基督座在最中间。　　在科学方面，他观察天体，曾写下：“太阳是不动的。”几乎是与哥白尼同时发现了“太阳中心说”；他研究飞行的科学原理，设计制造了第一个飞行器；他解剖过三十多个尸体，探究人体结构并第一个发现了婴儿在母体中的生长过程。他曾说过：“你可能会被这天然的臭气弄得退避三舍......你还可能缺乏耐心且不够勤奋，在这些方面我不曾被贪欲或懒散所阻碍，阻碍我的只是时间不够。”　　达·芬奇年轻时在佛罗伦萨画派画家韦罗基奥的工作室学画，1481年离开佛罗伦萨去米兰，其后获法王法兰西斯一世(Francis I)邀请，前往法国。达芬奇是当时世界的一位天才，他的主要才能表现在科学发现和想象上，他曾经设计过直升机、飞行器、热气球、攻城器，设计过城市防御体系、排水系统，研究过人体解剖、比例、透视。他是欧洲第一位描画风景的画家，他以科学、清晰的头脑著称。当然，也有人认为他很少动手实现他的设想，很少做出真正的成绩，因次在科学上他只是虚名。在文艺复兴“三杰”中（另两位是米开朗基罗和拉斐尔）他画中的人物真实、栩栩如生，构图严谨、稳重。他最著名的画作是为米兰圣玛利亚修道院作的壁画《最后的晚餐》和肖像画《蒙娜·丽莎》、《岩间圣母》，著作有《绘画论》。　　晚年达芬奇定居于法国罗瓦河谷的克劳城堡(Chateau De Clos Luce)，并在该处完成他的自画像。晚年的达芬奇却变得泰然、宁静，致力研究信仰与自然的关系。他于1519年在克劳城堡去世。　　“一日充实，可以安睡；一生充实，可以无憾”是他遗嘱中的名句。　　1452年4月15日，达·芬奇生于意大利佛罗伦萨城附近的芬奇镇上。父亲是当地有名的公证人，家庭富有。达·芬奇从小就表现出了绘画天赋，他画的小动物惟妙惟肖，于是父亲就把他送到好友，著名画家和雕刻家佛罗基阿的画坊当学徒。　　达·芬奇来到画坊以后，老师佛罗基阿就拿来一个鸡蛋让他画，达·芬奇很快就画了几张，可是老师让他继续画，一连几天都是如此。达·芬奇终于不耐烦了，认为教师小瞧了他，让他画这么简单的鸡蛋。教师看出了他的心思，意味深长地说：“这个蛋可不简单，世上没有两个完全相同的蛋，既使是同一个蛋，由于观察角度不同，光线不同，它的形状也不一样啊。”　　达·芬奇恍然大悟，原来老师是为了培养他观察事物和把握形象的能力呀。从此以后，他废寝忘食地训练绘画基本功，学习各类艺术与科学知识，为他以后在绘画和其它方面取得卓著的成就，打下了坚实的基础。　　达·芬奇一生在绘画上孜孜追求，为我们留下许多名垂千古的杰作。其中最著名的是　　《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》。　　《最后的晚餐》是达·芬奇为米兰圣玛丽亚修道院食堂而作的壁画，取材于《圣经》中　　耶稣被他的门徒犹大出卖的故事。　　在这幅作品中，达·芬奇精彩地刻画了当耶稣在晚餐上说出“你们中间有一个人出卖了　　我”这句话后，他的12个门徒瞬间的表情。透过每个人不同的神态表情，你可以洞察到他　　们每人的性格和复杂心态。画面布局突出耶稣，门徒左右呼应。坐在中央的耶稣庄严肃穆，　　背景借明亮的窗户衬托出他的光明磊落。叛徒犹大处于画面最阴暗处，神色惊慌，喻示他心　　地龌龊丑恶，与耶稣形成鲜明对照。　　在这幅画里，达·芬奇用现实主义的手法讴歌了真理与正义，鞭挞了叛徒的行为与邪恶　　势力。　　为创作这幅画，达·芬奇付出了惊人的劳动。为准确刻画犹大这个人物，他到各种场合　　观察罪犯、流氓和赌徒，反复揣摸他们的心态、神态和形态，并画了大量的速写，直到画出　　他满意的形象。这幅画的巨大成功致使以后的画家没人敢再涉足这个题材。　　《蒙娜丽萨》这幅肖像画的原型是达·芬奇朋友的妻子。为作这幅画，达·芬奇先研究　　了她的心理，为保持她欢愉的心情还特别请来竖琴师和歌手为她表演。达·芬奇极其准确地　　捕捉到了蒙那丽莎一瞬那的迷人微笑，用精湛的笔触细致入微地描画了她微妙的心理活动。　　现在你看这幅画时，依然会感受到她的微笑所蕴含的摄人心魄的力量。　　达·芬奇不仅是位成绩裴然的艺术家，还是一位多才多艺的科学家。在科学研究上他花　　了大量的时间和精力，取得了极大的成功。他深入地观察研究动物、植物、地质乃至人体本　　身。他还模彷鸟的翅膀，设计了一个类似飞机的飞行机械。他还设计了许多先进的纺车、高　　效率的机床、冲床，最早提出了地质学的概念，第一次正确、全面地描述了人体骨骼、肌肉　　和人体比例。他的科学实践为以后的科学家提供了思想的源泉。　　由于达·芬奇的激进资产阶级人文主义政治观，使他受到封建宗教势力的长期迫害。1　　517年已是65岁高龄的他，拖着病躯仍然被迫离开了祖国，侨居法国。两年后，这位艺　　术巨擎溘然长逝。　　为纪念这位伟大的艺术和科学大师，1928年在他的故乡成立了“莱奥纳多 达芬奇博物馆”，之后又成立了“芬奇的莱奥纳多博物馆”（Museo Leonardiano di Vinci，位于芬齐市Conti Guidi古堡。）在米兰的科学技术博物馆（Museo Nazionale della Scienza e della Tecnica，地址为Via S.Vittore 21）中也有莱奥纳多 达芬奇的专题介绍。达·芬奇大事年记:　　1452年4月15日 意大利佛罗伦斯共和国的文西村近郊,赛尔·皮耶洛·达芬奇与卡特莉娜所生　　1465年 进入韦罗基奥的工作室成为入门弟子(13～14岁)　　1473年 创作《圣告图》　　1476年 被告密与韦罗基奥的其他弟子犯了同性恋之罪,由于他矢口否认,最后被释放(24岁)　　1482年 绘《三贤王的膜拜》,返往米兰(30岁)　　1483年 接受圣佛郎西斯克,格兰德教会订作《岩石上的圣母》(31岁)　　1495年 开始绘制《最后的晚餐》(43岁)　　1502～03年 回到佛罗伦斯,开始绘制《蒙娜丽莎》(50岁)　　1516年 应法王之邀,赴法国安伯瓦兹(64岁)　　1519年5月2日 去世于安伯瓦兹(67岁)　　达·芬奇生前留下大批未经整理的用左手反写的手稿，难于解读。只有到十七世纪中叶，才有学者整理小部分达·芬奇手稿。达·芬奇的主要手稿丢失了二百多年，直到1817年才重见天日。 达·芬奇手稿分几大类：　　达·芬奇论绘画　　放大　　达·芬奇论绘画　　* 《绘画论》1817年从乌尔宾诺图书馆发现经达·芬奇弟子梅尔兹整理的绘画论手稿。　　* 论雕刻　　* 论建筑。包括教堂草图,拱型结构分析　　* 论生理。论人的生死、记忆、智力和欲望　　* 论解剖学　　* 论动物学　　* 论天文。论地球、太阳和行星。　　* 论地理。论地下水，地质学，意大利运河，法国的道路，论开矿。　　* 论哲学　　* 小故事　　* 书信　　著名作品　　《蒙娜丽莎》　　《维特鲁威人》　　《莉妲和天鹅》　　《受胎告知》　　《最后的晚餐》　　《圣母子与圣安娜》

Virgin of the Rocks Artist Leonardo Da Vinci Year 1483-1486 Type Oil on panel (transferred to canvas) Location Louvre, Paris Virgin of the Rocks (London) Artist Leonardo Da Vinci Year 1495-1508 Type Oil on panel Dimensions 189.5 cm × 120 cm (74.6 in × 47.25 in) Location National Gallery (London), London The Virgin of the Rocks (sometimes the Madonna of the Rocks) is the usual title used for both of two different paintings with almost identical compositions, which are at least largely by Leonardo da Vinci. They are in the Louvre, Paris, and the National Gallery, London. History of the paintingsOn April 25 1483 Leonardo and the brothers Ambrogio and Evangelista de Predis were commissioned by the Milanese Confraternity of the Immaculate Conception to paint a work celebrating the Immaculate Conception for their new chapel. The contract survives, as does much of the documentation from the later disputes over it. There had already been a previous contract in 1480 with Giacomo del Maino, which had evidently not been completed; among the work stipulated in the second contract was the completion and gilding of various carvings for the wooden framework of the altarpiece (none known to survive). Three paintings were stipulated, a central Virgin and Child and two side panels with angels, described only in the earlier contract with del Maino. These panels are also in the National Gallery, with different provenances from the main were painted entirely by the brothers de Predis, according to both modern art historians and a contemporary statement by the brothers in the legal dispute [1]All the work was to be completed by the Feast of the Conception (December 8) 1483, but this did not happen. At some later date the legal dispute began; the main issue being that the main painting was unfinished, and Leonardo had left Milan. Meanwhile the de Predis brothers had completed their portion of the work, and wanted payment. The dispute was settled on April 27, 1506, with the requirement that should Leonardo return to Milan within two years he should complete the painting, and receive further specified sums beyond those in the original contract. This appears to have happened, as a sum was paid to him in 1507. The surviving documentation casts no light on the existence of two versions, nor does it give any support to claims that the clients were unhappy with the subject or treatment of the paintings. At what point the first version was diverted, or if it was at all, remains unclear, and the subject of many theories. On stylistic grounds some writers, including Martin Davies, feel that 1483 is too late a date for the Louvre version; for the commission Leonardo may have simply repeated a composition he had already produced. [1] Alternatively, the Louvre version may have been painted for the confraternity soon after the commission, and then sold to another buyer.[3]

达芬奇《岩间圣母》 1）文艺复兴确立了个人的价值，肯定了现实生活的积极意义。 2）此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。 3）此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。 籍里柯《梅杜莎之筏》 1）以法国帆船战舰美杜莎号在非洲海岸触礁沉没的事件为题材，描绘了幸存者乘临时搭制的木筏，在海上漂流13天，终于得救的场面。 2） 画家以金字塔形的构图，把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象，刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状，画面充满了令人窒息的悲剧气氛，开创了浪漫主义先河。 3）《梅杜萨之筏》从画面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力，都是无与伦比的。 蒙克《呐喊》 1）在这幅画中人对孤独与死亡的恐惧感被淋漓尽致地刻画出来。恐惧感始终魔影般不离画家左右，因此他在此画中把那种常常纠缠着他的恐惧赋予概括、更含糊乃至更恐怖的表现。凄惨的尖叫在画家的描绘下变成了可见的振动，像声波一样扩散。画中那婉转随意的线条，与画面内容相吻合，十分具有表现力。 2） 从表现手法看，这幅画是典型的表现主义风格，画面上红黑色彩的强烈对比，让人头晕目眩。而扭曲的造型也运用得淋漓尽致，云彩的形状，不是正常的块状而是波浪的流水形；画上的人物更是彻底变了形，是骷髅，是尸体，是幽灵。正是通过这一切夸张扭曲的变形，强烈眩目的色彩对比，把人物内心想要表达的情绪渲染得入木三分，达到了画家的创作目的。

西斯廷圣母长达2.65米,宽近2米的布面油画,画中人物和真人大小相仿。这幅西斯廷圣母塑造了一位人类的救世主形象:她决心以牺牲自己的孩子,来拯救苦难深重的世界.13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌:她走着,一边在倾听颂扬,身上放射着福祉的温和之光仿佛天上的精灵,化身出现于尘壤。画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心.这张画中的圣母几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬，不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。这幅画，画得明快，人物结构与色彩都轻松明亮，几乎每一个见到过这幅画的人都被圣母所感动。《岩间圣母》是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。用岩洞作圣母子的环境，有画中景和画外意：圣母子在大天使护卫下暂歇于岩洞，有一种安全感；选择岩洞作背景，起源于达芬奇记忆中的古佛罗伦萨采石场马雅诺，岩洞的深意?在于宗教传说中圣者诞生的洞穴，内涵黑暗和光明，即指上帝的光辉是以圣母子为载体转化为人和他的苦难，让神圣的光明穿破黑暗，照亮世界。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.芬奇盛期创作开始的作品。至于宗教方面~~那啥，咱就不是很懂。

　　《维特鲁威人》人体解剖图 圆圈是一个女性保护符号，它围在了裸体男人躯体周围。这实现了达‘芬奇想表达的信息——男女这间的和谐。　　《蒙娜丽纱》1 蒙娜丽纱身后的背景不在一条水平线上。左边乡村景色的地平线画得低一些，这样就使得蒙娜丽纱的左侧看上去比右侧大一些。左边代表女性，左边代表男性。因为达‘芬奇是女性主义的信仰者，所以他让蒙娜丽纱从左边看起来更庄重美丽。2电脑分析显示《蒙娜丽纱》和达‘芬奇自画像在人物的脸部有许多相似之处。3埃及传说中的代表男性生殖神叫阿蒙(A-mon)代表女性生殖的神叫伊希斯（Isis)两个名字组合在一起就是蒙娜丽纱（MonaLisa)所以蒙娜丽纱不仅看上去是双性的，就是名字也是男性元素和女性元素结合而成的。这就是蒙娜丽纱总是会意地微笑的原因。　　《岩间圣母》画作一反常理画得是约翰为耶稣祈福，而不是耶稣为约翰祈福。。。。耶稣正服从于约翰的权威！更成问题的是，画中玛利亚一手置于约翰头上，另一只手则作出一个威胁的手势—他的手指看上去想鹰抓，仿佛正抓着一个看不见的人头。最明显而又最令人毛骨耸立的画面要数玛利亚弯曲的手指下方的乌列—他做出一个砍东西的的手势　　《最后的晚餐》1抹大拉的玛利亚隐藏在12门徒之中——就是耶稣右手上的那个。2抹大拉的玛利亚就是圣杯3抹大拉的玛利亚是耶稣的妻子—他们衣服的颜色是对应的，耶稣穿红罩衣，蓝斗篷，而抹大拉的玛利亚是蓝罩衣，红斗篷。　　建议：读《达"芬奇的密码》

《岩间圣母》　　此画为祭坛画 ,达芬奇，　189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆.　　此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。《创造亚当》 　《创造亚当》　米开朗基罗 　　壁画　　1508年 　　 米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视.其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。《播种者》 　《播种者》　米勒　 1850年 　101X82.5厘米 　美国波士顿美术馆藏 。 米勒(Jean-Francois millet 1814-1875)法国画家。1814年10月出生于诺曼底半岛格鲁什村的一个耕农家庭,1875年1月卒于巴比松。他自幼参加田间劳动。此画描绘了一对青年夫妇赶赴田间劳作的图景，构图线条分明，很好地反映出农民特有的气质；色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。

施洗者约翰此人出现在<圣经 旧约>中。.达芬奇的作品<岩间圣母>也出现过<岩间圣母》原本是达芬奇受净念慈善会的委托为米兰圣佛朗切斯科教堂的礼拜堂所作的祭坛画.修女们事先确定了油画的尺寸和主题——山洞中的圣母玛利亚,施洗者约翰,乌劣和婴儿耶稣.虽然达芬奇按照他们的要求来做画,但当他交上画作的时候,引起了慈善会里的一片惊恐.这幅画中充满了引起争议的,令人不安的细节.???? 画作描绘了身着蓝袍的圣母玛利亚抱着一个婴儿坐在那里,那个婴儿应该就是耶稣.乌劣坐在玛利亚对面,也怀抱婴儿,那个婴儿应该是施洗者约翰.奇怪的是,画作却一反常理,画的是约翰为耶稣祁福,而不是耶稣为约翰祁福——耶稣正服从于约翰的权威！更成问题的是,画中的玛利亚一手至于约翰头上,另一只手则做出一个威胁的手势——她的手指看上去象鹰抓,仿佛正抓着一个无形的人头.最明显又令人毛骨悚然的形象要数玛利亚弯曲的手指下方的乌列——他做出一个砍东西的手势,仿佛要把玛利亚抓住的那个无形的人头从脖子处砍下.?我在BAIDU和GOOGLE中搜了关于施洗者约翰的图片..发现都是插图.没有正式版的画.我没欣赏过达芬奇的这副画..很遗憾

文艺复兴时期的画家达芬奇最著名的作品是《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》、《救世主》、《岩间圣母》、《抱银鼠的女子》。1、《最后的晚餐》世界名画《最后的晚餐》，是意大利艺术家达·芬奇最有名的画作之一。画面中人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖，是所有以此题材创作的作品中最著名的一幅。2、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是达·芬奇的传世之作，也是世界十大名画之一，现收藏于法国卢浮宫博物馆，该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。3、《救世主》世界名画《救世主》是意大利文艺复兴时期著名画家达·芬奇所创作的绘画作品，主要表现耶稣为世人祈福的虔诚形象，他右手做出祝福的手势，左手则捧着一个酷似水晶球状的物体，平静地凝视着世人。4、《岩间圣母》《岩间圣母》是达·芬奇为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂所作的一幅祭坛画，此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩施洗约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。5、《抱银鼠的女子》《抱银鼠的女子》是达·芬奇极具代表的木板油画作品，现收藏于恰尔托雷斯基博物馆。这幅精美肖像画，描绘了气质高贵沉静的切奇利娅·加莱拉尼，她是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇，备受宠幸；此外达芬奇也为毛色光润、咄咄逼人的银鼠注入了生气。

达芬奇十大名画如下：1、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，但同时也是达芬奇最为诡异的画作之一。比如神秘的外星人，比如这幅画背后的风景中藏匿的四个动物，最迷人的还是要数其“神秘的微笑”了，据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒，每个人对这幅画都有不同的看法。2、《最后的晚餐》达芬奇的著作《最后的晚餐》是迄今为止最有名的宗教画作，这幅画的主题是，当耶稣宣布他的使徒中有一个人出卖他时，各大使徒都表现出不同的动作表情，这幅画藏了很多秘密，在下面的最后的晚餐的秘密图解中会有说到。细心的人会发现最后的晚餐多了一只手，那只手就在彼得的旁边，这只手似乎不属于任何人。3、《岩间圣母》我们将岩间圣母镜像一下，我们会得到一个类似外星人的图像，这是岩间圣母最令人细思极恐的。而且非常符合我们口中的小灰人的模样，以此成为达芬奇十大诡异的画之一。如果这是有意而为的话，会不会在那个时候，达芬奇已经发现了外星人的存在，又或者达芬奇自己本身就是个外星人呢。达芬奇十大诡异的画，蒙娜丽莎的背后有外星人。4、《圣安娜与圣母子》《圣安娜与圣母子》描绘圣母玛利亚的母亲圣安娜，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。5、《抱银鼠的女子》《抱银鼠的女子》是达·芬奇杰出的肖像画作品，体现了深厚的写实功力。这幅精美的肖像画，画面人物气质高贵沉静，女郎怀抱的白貂毛色光润，栩栩如生，充满朝气，充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧，而形态逼真的白貂使画面生动了起来。6、《母与子》《母与子》这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达芬奇所惯用的描绘公式，过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。7、《柏诺瓦的圣母》在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛利亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。8、《基督受洗》《基督受洗》是著名画家达芬奇的作品，这是一个基督教传统绘画题材，是应瓦隆勃罗萨教团之邀，为该教团的一所寺院而画的。据称这幅画的主要构图是委罗基奥完成的，达芬奇补充了剩下的部分在这幅画上，达·芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，要比老师所画的其他几个人物生动得多。9、《勒达与天鹅》在这幅《勒达与天鹅》中，全裸的勒达占据画面中心，右手搂抱着鹅颈。她体态丰腴，脸上挂着“蒙娜.丽莎”般的微笑。天鹅张开右翅紧抱丽达，仰望着她的面孔似欲亲吻，勒达羞涩地将面庞避向右肩。10、《施洗者圣约翰》《施洗者圣约翰》达·芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。

达.芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519） 意大利文艺复新时期最负盛名的艺术大师,科学家。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇,卒于法国。其父为律师兼公证人,母为农妇,他15岁来到佛罗伦萨,学艺于韦罗基奥的作坊,1472年入画家行会。70年代中期个人风格已趋成熟。1482--1499年间一直工作于米兰,主要为米兰公爵服务,进行了广泛的艺术和科学活动,《岩间圣母》是他在这段时期创作的最有名的代表作。 美术成就：达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥的作 坊学艺。1472年入画家行会。15世纪70年代中期个人绘画风 格逐渐成熟。1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外， 还从事其他艺术和科学活动。这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出 游曼图亚和威尼斯等地。1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母 子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画 。 1507年再去米兰 ，并服务于法国宫廷 。1513 年移居罗马 ， 1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心 科学研究，死后留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生 物解剖，几乎无所不包。他一生完成的绘画作品并不多，但 件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将 艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无 二的。学术界一般将其创作活动分为早期和盛期两个阶段。 早期创作：当他在韦罗基奥的作坊学艺时 ，就表现出非 凡的绘画天才。约1470年他在协助韦罗基奥绘制《基督受洗》时，虽然只画了一位站在基督身旁的天使，但其神态、表情和柔和的色调，已明显地超过了韦罗基奥。现存他最早的作品《受胎告知》，构图虽没有创新，而背景山水的描绘却已 注意到了空气氛围的表现。这表明他一开始就致力于解决写 实与典型加工的辩证关系。稍后创作的《吉内夫拉·德本奇 像》，一反15世纪艺术追求线条分明的传统，以逆光夕照的 色调渲染他所倡导的透视效果。1481年创作的《博士来拜》 （又译《三王来拜》），是标志其艺术风格达到成熟期的作 品。该画虽由于他动身去米兰而没有完成，但从原稿上可以 看出其构图和形象塑造所显示的艺术创新，大大超越了他的 老师和同辈：由圣母婴孩和三位博士所形成的三角形稳定构 图，按精确的透视法画的建筑遗迹和奔腾飞跃的马群等背景，说明他已不再从叙事的角度简单地罗列有关人物，而是对传 统的题材进行彻底的改造。他所采用的色调幽暗的画法，使人物形象从阴影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点，预示着文艺复兴的到来。 盛期创作：1482年达·芬奇来到米兰 ，应圣弗朗切斯科 教堂的邀请绘制祭坛画《岩间圣母》。这幅现藏于巴黎的作品，虽仍然是传统题材，但人物形象的塑造和岩窟幽深的刻 画及山岩间花草*真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使 其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。《最后的晚餐》是他在这一时期创作中最负盛名之作。这幅表现基督被 捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，绘制在米兰圣玛丽 亚·德拉格拉齐耶修道院饭厅。巧妙的构图和独具匠心的经 营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结 在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。在人物布局上，一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其他门徒通过各自不同的手势、表情，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，它与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。1500年达·芬奇回到佛罗伦萨，随着共和制度的恢复，文化气氛一度活跃，画坛上也先后出现了米开朗琪罗、拉斐尔等杰出人物。他向市民展出的一幅经过精心构思的《圣母子与圣安娜》素描草图，立即引起轰动，其构图原理和画法对艺术界有极大影响，米开朗琪罗和拉斐 尔等人也从中得到启发。1503年他一面着手为市政厅大会议 厅绘制壁画（因再次去米兰而始终未完成），一面创作《蒙娜丽莎》和《圣母子与圣安娜》。这是两幅他极为珍爱的作品，始终带在身边，晚年移居法国也不离左右，最后遗存巴黎。 在达·芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平， 被誉为素描艺术的典范。其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化， 他的每一件作品 都以素描作基础 。其艺术理论 散见于他的 5000多件笔记和未完稿的《画论》中，也是文艺复兴时代理 论研究的重大成果。 关于达·芬奇的大事记： 1452年4月15日 意大利佛罗伦斯共和国的文西村近郊，赛尔·皮耶洛·达文西与卡特莉娜所生 1465年 进入维落琪奥的工作室成为入门弟子（13～14岁） 1473年 创作《圣告图》 1476年 被告密与维落琪奥的的其他弟子犯了同性恋之罪，由于他矢口否认，最后被释放（24岁） 1482年 绘《三贤王的膜拜》，返往米兰（30岁） 1483年 接受圣佛郎西斯克，格兰德教会订作《岩石上的圣母》（31岁） 1495年 开始绘制《最后的晚餐》（43岁） 1502～03年 回到佛罗伦斯，开始绘制《蒙娜丽莎》（50岁） 1516年 应法王之邀，赴法国安伯瓦兹（64岁） 1519年5月2日 去世于安伯瓦兹（67岁） 作品： 《蒙娜丽莎》达·芬奇的代表作之一。油画。画作描绘的是佛罗伦萨商人焦孔多之妻。画面上，人物身体微侧，轮廓严整，头披轻薄的面纱，嘴角微抿，面带笑容，两只手自然地放在一起，优美而大方。画家对人物的表情和心理作了深刻的分析和艺术概括，出色地把握住人物脸部刚可察觉而尚未固定的微笑，使瞬间即逝的面部表情成为一种喜悦的永恒象征。崇高、纯洁、温柔、端庄又充满自信，这含畜而富有魅力的微笑，被美术史家们称为“神秘的微笑”。画家还用了很大功夫刻画蒙娜丽莎的右手，柔和得好像从衣袖中缓缓流出来似的，富有表现力和生命力，它被誉为美术史上最美的一只手，它使人物显得格外温雅、沉静而安详。衣服和色彩深沉而朴素，没有什么装饰，这是为了不使观众分散对人物形象的注意力。画面的背景是朦胧的，隐约可见生叠的山峦，弯曲的道路，通向飘缈的湖面，富有诗一般的意境，显示出广阔而深远的空间感。达·芬奇本人十分珍爱这幅画，他借口这是一幅“未完成的作品”始终带在身边。这幅画被后世列为“神品”它充分表达了达·芬奇的人文主义理想，是画家人生哲学和审美理想的形象体现，对欧洲现实主义肖像画发展有着重大意义。 《最后晚餐》达·芬奇的代表作之一。壁画。画作取材于《新约全书》上关于犹大出卖耶稣的故事。画面表现的是：耶稣和他的12个门徒共进最后的晚餐，席间耶稣忽然说“你们之中有一个人要出卖我”这句话时，12个门徒表情的激烈变化和人物的内心反应。耶稣坐在中央，神情镇定而慈祥，摊开双手，好像刚刚说完那句话。12个门徒三人一组分坐在耶稣身旁。左边约翰、彼得、犹大为一组，犹大急转身子慌忙地握紧装着银币的钱袋，脸色阴沉，眼睛似乎瞟着耶稣。约翰双手放在桌上，神色焦躁，在犹大和约翰之间插入彼得的头。他弯身向着约翰，似乎在问约翰什么，手中握着餐刀，似乎知道了谁是叛徒就要一刀刺去的样子。更左边是安德烈、小雅各和巴多罗卖一组。小雅各面向中央，并伸手似乎要去拉彼得，安德烈也面向中央，神色惊慌，巴多罗卖则奋然起立，手按桌面，惊愤之状可掬。右边，年轻的腓力从坐位上跳起来，带着疑问转身向着耶稣；老雅各非常愤恨，张开双手，身子微向后仰；多马举手向上，侧身面左，似乎对犹大有所警戒。再向右是达太、马太和西门。总之表现12门徒的姿态，都直接间接集中于耶稣，他们左右呼应，相互衬托，形神兼备，整个画面由各个生动的细部组成，又浑然形成一个完美的整体。耶稣后面三个窗户透出夕阳余晕，配上三面集中而来的线条，好像一个圣大的光圈，显出耶稣的庄严肃穆和光明磊落。画家以惊人的艺术力量渲染了最后晚餐时森严而又紧张的气氛，是一幅揭示人类灵魂的不朽杰作。它在主题阐述的深刻、构图的完美集中、构思的戏剧性及人物心理描写的充实等方面都是杰出的，代表了文艺复兴的高峰。 《岩间圣母》达·芬奇的代表作之一。油画。画作取材于宗教故事。画面表现一个叫约翰的孩子，在天使陪同下朝拜在岩洞中的圣母马利亚及耶稣。在人物形象的刻画和人物之间的关系上，画家赋予马利亚以巨人的魅力。她左手伸展在自己孩子的头上，保护着他，右手靠在约翰的身上，显示了圣母对下一代的疼爱。约翰屈膝而立，双手打拱向耶稣礼拜，耶稣则答礼祝福约翰。而天使用手指着他们，似乎要把这场面告诉别人。画面人物不多，构图简练，但人物富有生命力，人物之间相互关联，动作呼应，使画面所体现的精神统一而和谐。虽然是宗教画，但人物都已世俗化，朝拜的场面失去了宗教的礼仪性质，变成合乎世间人情味了。施洗约翰和耶稣同样是充满生命力的可爱的孩子，马利亚体现着年轻母亲的幸福和情爱，而天使则成为姿色绝伦的人间少女。这些人物形象真正体现了优美的人的概念，而丝毫没有宗教气味。优美的嶙峋山岩和透光的远景更渲染了画面中的世俗气氛，烘托着现实中人的伟大。 《施洗约翰》达·芬奇的名画之一。油画。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣受洗，当他舀起约旦河的圣水为耶稣受洗时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。 《博士来拜》达·芬奇的名画之一。油画。画作取材于圣经中耶稣诞生之时东方三博士前来朝拜的故事。在这幅未竟之作中，画家不再以叙事角度简单罗列有关人物，而以激烈对比的构图和形象表现显示艺术上的创新：圣母圣婴和三位博士形成三角形的稳定构图，周围的群众却以激动的手势环列左右，宛如人群组成的漩涡；背景上按精确的透视法画出的建筑遗迹和奔腾飞跃的马队也形成强烈的对照。在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。因此，这幅画虽未完成，却表明达·芬奇的艺术探讨已大大超越同侪，预示文艺复兴风格的到来。 《圣母与圣安娜》“圣家族”这一类圣经题材，在宗教壁画中是最常用的，因人而异，画家们各有自己的表现特色。达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安娜这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。尽管这里再一次暴露出他的女性的“微笑公式”，但作为达·芬奇的现实主义的美学最高理想，他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。他曾说过：“自然是那么博人欢心，那么多形形色色，取之不尽，即便是同一品种的树，也决不会遇到这一棵与那一棵完全相似，……人也不会碰到这一个与另一个丝毫不差的模样。”达·芬奇要求画家作自然的儿子。在他看来，科学与艺术，同属于认识世界的过程。这也是意大利文艺复兴时期绘画的价值所在。 《戴珍珠头饰的夫人像》这幅侧面肖像大约绘制于1490年间（这一时期他绘制的肖像很多，迄今保存的只是寥寥数件）。众所周知，达·芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”，但并非全然如此。他的美学观总的说是科学求实的精神。他所集中注意的是对自然规律的探索。达·芬奇把容貌美丽的女性，看成是自然界最完美的产品，他曾说：“试想夺去一个如此美妙的自然造物的生命，那是多么残忍的行为。”所以在对待肖像画上，他时时把人的精神气质与外貌结构结合起来研究的。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性：那一丝不苟的脸部轮廓，美丽而整齐的秀发，古代贵妇的头饰上的珍珠，被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；黑色的披风和红色的束胸上衣，紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯，从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达·芬奇在《蒙娜·丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。 《安加利之战》《安加利之战》是15世纪40年代初佛罗伦萨贵族军队与伦巴第贵族军队之间的战争，结果是佛罗伦萨贵族获胜。市政当局绘此壁画是为纪念这次战功。达·芬奇不想用彩笔去为贵族间的冲突歌功颂德，他利用这一题材，着重描写了这种战争的残酷性，他在自己的笔记里称这种战争是“最野蛮的荒谬行为”。为了揭露它的实质，画家突出战争处于剑拔弩张的时刻，即双方为争夺军旗而进行的一场疯狂厮杀。为了理解达·芬奇的原来构思，我们这里再引述画家自己的一段笔记：“战争中尘土飞扬，烟雾弥漫，格斗士脸上痛苦的表情映照着熠熠的闪光，伤兵和受伤的马匹横七竖八，狼藉堆积，飞蝗般的箭雨四处横飞，追击者扬起蓬松的鬈发，马匹拖着死人在泥泞的地上留下深深的沟痕，满地血迹斑斑。在死人和尚存一息的伤兵的身边，到处是破碎的盾牌、长矛、战刀、头盔，滴着血的伤口，以及呆滞的目光，等等。”从文字上看，达·芬奇没有把他所设想的情景全部搬到画面中去，正象他的其他一些伟大设想一样，这幅画也始终是一件未完成的杰作。这幅画稿最终未绘成彩色壁画，素描也未能保存下来（米开朗基罗的那一幅《加西纳之战》也没有保存下来）。据瓦萨里说，当时采用一种很粗糙的涂底材料与不成功的烘干法。刚画不久，墙上的颜色开始掉落。这是按照从前的摹本与劳伦佐·柴基亚的一幅版画，以及一些为这一草图而准备的素描稿子来断定的（达·芬奇为这幅壁画留下一些素材稿子，现藏布达佩斯美术馆，内有几张完好的战士素描头像）。这一幅素描稿来自17世纪鲁本斯派画家的一幅素描临本。 一部《达.芬奇密码》又引起了一场“达.芬奇热”，关于他的总总现在人们还没有太明确的研究结果，也许好多关于他的资料也不方便透露于世。面对这么多未解之迷，我能收集到的只有这些资料 参考资料：http://www.piaomo.com/bbs/printpage.asp

圣母题材的作品还有《加罗法诺的圣母》（1475），和《贝诺亚的圣母》（1478，又名《持花圣母》），两幅画都是描绘年轻的玛丽亚怀抱圣婴逗其玩耍的情景。构图单纯简洁，造型也自然优美。前者圣母表情安详平静，手拿一支野花在逗幼儿抓握。而后者则被视为达芬奇创作道路上的一个里程碑。画上的圣母玛丽亚怀抱圣婴，面带幸福的微笑，白胖可爱的耶稣坐在她的膝上，玛丽亚手拈鲜花与婴儿逗乐。这里的圣母不再是呆板的中世纪圣母了，她流露出世俗母亲的母性。他的微笑高度概括了现实中年轻少妇面对自己孩子的幸福感。同时，画中处于深色墙垣上的窗户，一方面显示出行动是发生在室内，另一方面又显示出窗外明净蔚蓝的天空，从而代替了传统的圣母头上绚烂色彩的“圣光”，以更多的“人性”取代了“神性”。这些特点，后来一直贯穿在达芬奇的绘画中，同时也成为拉斐尔、柯勒乔等大师创作题材的基本规范。 上述几幅画，已差不多可以成为成熟之作了。它们显示达芬奇对于人体构造的解剖关系，以及动作、姿态与表情的变化特征等已经掌握到得心应手；同时表明他对大自然的诡奇和无穷变化具有十分明确的自觉意识，注意把它的富丽多姿与创造上所要营造的画面气氛结合起来，使背景成为一幅画不可分割的部分而不是可有可无的点缀，从而赋予画作以更多诗意。如此便使乔托以来的意大利绘画稚拙朴素的画风为之一扫，这意味着，文艺复兴近两百年来的艺术发展要经历一场质变，它的鼎盛时期已经到来。 1482年，达芬奇来到米兰，开始为公爵效力，在这里一直工作了17年。在“米兰十七年”中，达芬奇于人类知识的各个领域从事开拓性的探索。绘画方面，达芬奇创作了《利塔的圣母》（1490，又名《哺乳的圣母》），这是一幅尺幅不大的作品，画中的圣母娴静美丽，正在为圣婴哺乳。她的神情安然恬淡，低垂的眼睑和微抿的嘴唇使其表情相当沉静，仿佛沉浸在幻想中，更为这典雅秀丽的面庞增加了一份特殊的感染力。但是，这又何尝不是世间所有的母子之爱的美好写照呢？而且，画家让圣婴的小手放在母亲的乳房上，增添了些许生活气息。这幅画的构图和《加罗法诺的圣母》、《贝诺亚的圣母》相似，但更妩媚，更优柔，更具诗意。整个画面简洁生动，人物上的明暗变化捕捉得惟妙惟肖。背景上对称的窗户外云朵漂浮在无尽的群山上，令人想象创世纪时的宏大与和谐。这是画家偏爱的一类风景。 该时期更为重要的作品是《岩间圣母》(The Virgin of the Rocks，1483)，《岩间圣母》据传有两幅，较早的一幅现藏法国卢浮宫，另一幅则存于伦敦的国家美术馆，后者因为有一些16世纪的痕迹（譬如较大的形象、极为肯定的明暗画法以及画蛇添足的光环等），怀疑有后来者参与的成分。所以，巴黎卢浮宫中的这一幅画就显得尤为重要了。 画家对作品的构图精心构思了很长时间，同时又似乎不愿意画完似的——他也常常如此。画家是在米兰画这幅画的，原是一个礼拜堂祭坛画中间的一部分。画的题材并无格外特出之处，画中人即一组传统的基督教人物：圣母、圣婴、施洗约翰和一个大天使。但重要的是，在这幅画里，达芬奇第一次成功地探讨了人与自然的融合。画中既没有宝座，也没有建筑物的构架，而是出人意料地将人物置于风景如画的岩间洞穴之中，风景担当起重要角色。在这一岩穴上，画家显然花了极大的心血，一方面是让岩壁倒映在清澈的水中，另一方面让各种各样的植物的叶子来装点它，仿佛是从雾蒙蒙的金色阳光中现出来的。花草、戏水、岩壁、钟乳石……一幅美不胜收的风景图展现在观赏者面前。这和传统的圣母的描绘是大相径庭的。圣母优雅而又温馨的形象就处在这样的氛围里，风景人物相融一体， 画面里圣母居中，施洗约翰居左，而圣婴与天使居右，构成一个稳固的金字塔形，圣母摊开双臂，一手扶着圣约翰的肩，另一只手心向下，在圣婴上方摆出了一个意味深长的手势。低垂的目光正好洒在身上。而圣婴身后的大天使正以手势彼此相应。整个画面和谐、生动。虽属传统题材，但表达手法和构图方式却独具匠心。人物、背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用，在科学写实和艺术加工中达到一个新境界，标志着达芬奇盛期创作的开始。

第一张上有怪怪的手

达芬奇（Leonardo da Vinci，1452年-1519年）是文艺复兴时期的杰出艺术家、科学家和思想家。他出生于意大利佛罗伦萨附近的小村庄，从小显示出绘画和创造力的天赋。达芬奇的作品涵盖了绘画、雕塑、建筑、解剖学、工程学和数学等领域，他的天才之处在于多学科的交叉应用。他的画作以其细腻的细节、逼真的人物形象和复杂的透视法著称。其中最著名的作品之一是《蒙娜丽莎》，它被认为是世界上最具代表性的绘画之一。除了画作，达芬奇还进行了大量的科学和解剖学研究。他对人体结构和肌肉运动进行了详尽的研究，绘制了大量的解剖图，并为后来的艺术家们提供了宝贵的参考。达芬奇还是一位工程师和发明家。他设计了多种机械工具和发明，包括各种飞行器设想、水力机械、城市规划等。虽然他的一些设计并未实现，但它们反映了他对科学和工程的兴趣和天才思维。达芬奇的生平除了他的艺术和科学成就外，也有一些故事和传闻。例如，他据说是世界上最著名的左撇子之一，对他创造力的影响有着很大的作用。另外，他还有一些神秘的个性特征，如对数学的痴迷、暗示出的同性恋倾向等。综上所述，达芬奇是一位多才多艺的天才，以他在绘画、科学和工程等领域的贡献而闻名于世。他的作品和思想对后来的艺术和科学产生了深远的影响，被广泛视为人类文明史上最伟大的艺术家之一。

岩间圣母作者是列奥纳多·达·芬奇。《岩间圣母》是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨别出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义，这一组人物是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是她伸出的双手，底角是天使和婴儿。

岩间圣母的构图特点如下：《岩间圣母》的构图特点是用尺度感来增强作品的深度和透视效果。《岩间圣母》是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩施洗约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。在这幅作品中，达芬奇巧妙地使用尺度感来增强作品的深度和透视效果。他通过人物的相对大小来传达不同的距离感和远近关系。圣母玛利亚和耶稣的比例较小，而约翰洗者和天使则更大，这种比例的差异创造了一种远近感和空间感。《岩间圣母》的优越之处达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意，情节的艺术化处理、不寻常的难以捉摸的风景、人物与环境的有机融合、光的巧妙利用、高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。

岩间圣母作者是列奥纳多·达·芬奇。此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请，而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩施洗约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。优越之处一般题材的《岩间圣母》都按照教会意愿把圣母画在先知环绕之中，这是圣方救济会赞助者用来提升圣母玛利亚清白信念的一般性宗教构图方式。而达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意。情节的艺术化处理，不寻常的难以捉摸的风景，人物与环境的有机融合，光的巧妙利用，高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，整个景象如幽远的梦境。

岩间圣母》是1483年达·芬奇创作的圣坛画。现存于世的《岩间圣母》有两个版本。原作为油画，现藏于卢浮宫；另一幅在木板上，现为伦敦国立美术馆收藏

英国伦敦国立美术馆1号宣布，他们在对该馆收藏的达芬奇重要作品之一《岩间圣母》扫描时发现，在这幅图画下面还隐藏着另一层达芬奇亲笔所画的图画，揭开了达芬奇为什么要创作两幅一模一洋的作品的谜底。　　这层偶然发现的新图画描绘了跪在地上的圣母玛丽亚，她的眼睛凝视地面，一只手放在自己的胸部，另外一只胳膊向外伸展着，手指都触碰到了画框的边缘。这层画作并未完工，专家们认为达芬奇可能还计划在她的身前画上圣婴耶稣。 美术馆研究人员拉谢尔·比林格说，要不是使用红外线对这幅作品进行扫描，人们可能永远也不会发现其中隐藏的玄机。　　1483年至1508年间，达芬奇共创作了两个版本的《岩间圣母》，其中一幅收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆。很长时间以来，人们一直认为收藏于伦敦的这幅作品是对巴黎作品的粗糙模仿。为了研究达芬奇为什么临摹自己的作品，研究人员动用了红外线扫描仪，结果发现了画中藏着的另一幅图画。　　1483年，达芬奇接到来自米兰的一个宗教团体的请求，创作了《岩间圣母》，用作一间教堂的装饰。该画作是标志达芬奇创作巅峰开始的作品。作品完成后，达芬奇非常满意，他提出增加酬劳，但是遭到了该宗教团体的拒绝，便一怒之下把这幅画作卖到了别处，也就是目前巴黎卢浮宫收藏的这幅《岩间圣母》。　　几年之后，这个宗教团体要求达芬奇归还这幅作品，达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。傻饼查查就知道了...

1483年至1508年间，达芬奇共创作了两个版本的《岩间圣母》，其中一幅收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆。很长时间以来，人们一直认为收藏于伦敦的这幅作品是对巴黎作品的粗糙模仿。为了研究达芬奇为什么临摹自己的作品，研究人员动用了红外线扫描仪，结果发现了画中藏着的另一幅图画。　　1483年，达芬奇接到来自米兰的一个宗教团体的请求，创作了《岩间圣母》，用作一间教堂的装饰。该画作是标志达芬奇创作巅峰开始的作品。作品完成后，达芬奇非常满意，他提出增加酬劳，但是遭到了该宗教团体的拒绝，便一怒之下把这幅画作卖到了别处，也就是目前巴黎卢浮宫收藏的这幅《岩间圣母》。　　几年之后，这个宗教团体要求达芬奇归还这幅作品，达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。

英国伦敦国立美术馆1号宣布，他们在对该馆收藏的达芬奇重要作品之一《岩间圣母》扫描时发现，在这幅图画下面还隐藏着另一层达芬奇亲笔所画的图画，揭开了达芬奇为什么要创作两幅一模一样的作品的谜底。　　这层偶然发现的新图画描绘了跪在地上的圣母玛丽亚，她的眼睛凝视地面，一只手放在自己的胸部，另外一只胳膊向外伸展着，手指都触碰到了画框的边缘。这层画作并未完工 ，专家们认为达芬奇可能还计划在她的身前画上圣婴耶稣。美术馆研究人员拉谢尔·比林格说，要不是使用红外线对这幅作品进行扫描，人们可能永远也不会发现其中隐藏的玄机。　　1483年至1508年间，达芬奇共创作了两个版本的《岩间圣母》，其中一幅收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆。很长时间以来，人们一直认为收藏于伦敦的这幅作品是对巴黎作品的粗糙模仿。为了研究达芬奇为什么临摹自己的作品，研究人员动用了红外线扫描仪，结果发现了画中藏着的另一幅图画。　　1483年，达芬奇接到来自米兰的一个宗教团体的请求，创作了《岩间圣母》，用作一间教堂的装饰。该画作是标志达芬奇创作巅峰开始的作品。作品完成后，达芬奇非常满意，他提出增加酬劳，但是遭到了该宗教团体的拒绝，便一怒之下把这幅画作卖到了别处，也就是目前巴黎卢浮宫收藏的这幅《岩间圣母》。　　几年之后，这个宗教团体要求达芬奇归还这幅作品，达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。编译/本报见习记者 暄暄

　　现成的答案：　　此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达芬奇盛期创作开始的作品。　　一般题材的《岩间圣母》都按照教会意愿把圣母画在先知环绕之中，这是圣方救济会赞助者用来提升圣母玛利亚清白信念的一般性宗教构图方式。而达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意：情节的艺术化处理；不寻常的难以捉摸的风景；人物与环境的有机融合；光的巧妙利用；高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。　　画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花，银莲花，紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，他的另一只手则向儿子伸过去，天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义，这一组任务是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。列奥那多把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了盛期文艺复兴的古典主义金字塔式的人物构图。　　在达芬奇构图稳定的和谐画面上，风景不再是简单的背景，逼真的景物环绕于人物四周，自然的和人物融为一体，这种真实感赋予画面一种别具一格的生动。制群像在当时遵循着两条普遍原则：一是画中的人物之间应该有某种交流；二是观者与被画者也应该有某种交流。卢浮宫藏品两者兼备，伦敦的藏画却只具其一。

西斯廷圣母画 名：西斯廷圣母 The Sistine Madonna作 者：拉斐尔 Raphael年 份：1513-1514画 作：油彩．画布 Oil on canvas尺 寸：265 x 196 cm出 处：德国德累斯顿艺术博物馆 Gemaldegalerie, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden　　《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里的。最初它被放在教堂的神龛上，至1574年，一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。现为德国德累斯顿博物馆收藏。　　画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。　　位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静。在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥。画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。　　扒在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。据说，这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的，两个孩子曲肘作成天真的样子，拉斐尔敏捷地把他们速写下来，后来加在这幅画上。拉斐尔真是敏捷而又机智，而且也有非常诙谐之处。　　拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。　　拉斐尔在他短促的一生中画了近三百幅画，其中以描绘圣母的画居多。只要说是拉斐尔的圣母就是非常有名的，因为数量很多，因而要加上种种名字，如在庭园里的叫《花园里的圣母》，在座椅中的叫《座椅中的圣母》，在大公爵府中的叫《大公爵的圣母》等等，最有名的当然是《西斯廷圣母》。而且拉斐尔的《圣母》受到所有的人欢迎，例如要是说某个女人“象拉斐尔的圣母一样”，那就等于是说那个女人无上的美，直到如今，在英国还是这样。岩间圣母作品名称：《岩间圣母》创作者：列奥纳多·达·芬奇（Leonardo di ser Piero da Vinci，1452－1519 意大利）创作时期：第一幅约作于1483～1490年间，另一幅约作于1508年创作题材：宗教类作品类型：油画作品规格：第一幅为198×123厘米，第二幅为189.5X119.5厘米，现收藏地：第一幅现收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆绘画风格《岩间圣母》是达·芬奇在米兰完成的第一幅绘画作品，这幅作品极其复杂，展现画家美学思想的“纯宗教”思想。此前由于在佛罗伦萨没有完成《博士来拜》，早已形成这种美学理念没有充分表现出来。《岩间圣母》成为伦巴第地区的达·芬奇画派绘画“方式”的典范。将人物置于阴暗的环境中，以赋予光亮中涌现的景物真正的启示力量，这种崭新的绘画方式使人物、光线和“次要光线”交织在一起，画布上弥漫着浓重的宗教气息。《岩间圣母》是达·芬奇受委托而在1483年开始创作的祭坛画。画中的圣母玛丽亚完全像一位普通的慈祥的母亲，她坐在那里，用亲切的目光，和蔼的微笑抚慰着身边的孩子。她的右边是小约翰——施洗者，左边是童年的耶稣和一个天使。幼小的约翰和基督耶稣在嬉戏玩耍。圣母用右手挽着小约翰，用左手遮在小耶稣的头上，好像要把这人和神在爱之中结合起来，耶稣旁边的天使用手扶持着小救世主，另一只手指着小约翰，面带一种温柔、奇异的微笑，其中充满了痛苦的预感。她的音容姿态，显得美丽绝伦。感情被高超的手法表达出来。她的手势似乎包含了两种含义，既为她的孩子祝福，又在保护她的孩子。尚在蹒跚学步的小耶稣坐在地上，脸上急显露出孩子的天真，又暗含了超出常人的智慧。画中人物与景色搭配和谐，给人以安宁祥和的感觉。圣母子、约翰、天使所处的山洞，传说是上帝创造世界的地方。那些岩壁像是庞大的深色结晶体。远处，从岩石中间看到带着潮气的阳光穿过雾云照在尖形的蓝山之上，神秘而又庄严。地下泉水在攀藤植物和石松根上潺潺流淌，地上遍布兽蹄形的水草叶子和淡白色泽兰花的花萼。在朦胧的洞穴中，人体轮廓渐渐淡弱，而面容在忽明的光线中如同细致的白玉，充满内在的生气。人神之母和自然之灵的水乳交融，使画面呈现出浓郁的诗意和深邃的哲理。达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安祥和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。然而这幅画却遭到委托者的非难。他们以圣母子头上没有圣光，约翰没有十字架，天使无神翼为由，拒绝付款，并对达·芬奇提起诉讼，讼事纠缠达20年之久。直到1508年，达·芬奇的弟子阿姆勃罗乔·德·波列迪斯在达·芬奇的直接指导下，完成了《岩间圣母》的复制画，在圣母、耶稣的头上加了光圈，给约翰加了十字架，让天使长上了翅膀，把这幅画交给了委托人，官司才算了结。但与原画相比，摹本所有的价值可谓差之千里，望尘莫及。在整整25年中，《岩下圣母》成为达·芬奇与他在米兰的出资人同行会之间矛盾的焦点。尽管发现新的文献材料，这件纠纷的一部分内情仍然是个谜。从第一幅画失踪，它就成为产生无数利益纠纷的原因。误工、表示怀疑的申诉、庭审及判决，一件接着一件，一直到同意完成画作。1483年4月25日，达·芬奇接受委托，花了7个多月的时间就已经结束了绘画。但一直到1508年10月23日，他才得以在早以完工的作品上签字，交付委托者。这幅画出色地结合了达·芬奇晦涩、神秘和充满暗示的绘画风格，源源不断地表现出象征意义和神学思想。潮湿，开满鲜花的岩洞，笼罩在宗教和玄奥的光环中，增添了神秘情调和神话色彩。岩洞及消失在远处的难以接近的群山表现出了无穷无尽时空中的地质世界，它们构成了发生纯宗教的神圣事件的神秘舞台，每一个动作都暂停下来，似乎是为了抓住这将改变人类历史的一瞬间。画中人物不符合I483年合同中的承诺（圣母和圣子在两个天使和两个先知的簇拥下，但没有圣约翰），让我们看出达·芬奇的异端企图。1485到1490年之间的两幅画作，《音乐家》和《抱白鼬的夫人》证明了达·芬奇为肖像画样式所带来的深刻革命。《音乐家》是真正的参照大全，从《吉尼伏拉·本齐肖像》中“闪亮”的鬈发到《圣哲罗姆》中笔画如刻的体形，因对新人物强烈的心理刻画得以加强，这点将在《抱白鼬的夫人》中发挥得淋漓尽致。在《音乐家》这幅画中，人们能观察到伦巴第人果断的性格、北方带来的影响及对肖像的生动描绘，这种描绘让人联想到歌唱家调整"动作和气息"的音乐间歇。达·芬奇参与了这幅画的创作，这点几乎可以肯定，画作的准备工作和绘画的技巧都出自他手，至多某个像德·波列迪斯那样的助手协助作了一点点微不足道的工作。在18世纪末，《抱白鼬的夫人》从意大利进入波兰恰尔托雷斯基家族的收藏室之前，人们没有任何有关的可靠材料。虽经过多次修缮，这幅画对观众造成的威慑力仍旧比《蒙娜丽莎》更胜一筹。画面的节奏和空间中女性身形与白鼬相反的螺旋转动，在肖像艺术中绝对是新现象。

1483年，达芬奇接到来自米兰的一个宗教团体的请求，作为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画，也就有了《岩间圣母》，用作教堂的装饰。该画作是标志达芬奇创作巅峰开始的作品。作品完成后，达芬奇非常满意，他提出增加酬劳，但是遭到了该宗教团体的拒绝，便一怒之下把这幅画作卖到了别处，也就是目前巴黎卢浮宫收藏的这幅《岩间圣母》。几年之后，这个宗教团体要求达芬奇归还这幅作品，达芬奇本来想重新创作一幅新的作品，但是受到了宗教机构反对，他们坚持要一幅与原作一模一样的作品，于是就有了现在收藏于英国国立美术馆的这幅“模仿”作品。

做画的风格及背景的修饰《岩间圣母》幅约作于1483～1490年间　此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里的。最初它被放在教堂的神龛上，至1574年，一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。现为德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆收藏。

《岩间圣母》和《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》。1、《岩间圣母》此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。2、《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》圣母子与圣安妮（The Virgin and Child with St. Anne）是意大利达芬奇于1508年创作的画板油画。该画作描绘了圣安妮、圣母玛利亚和和刚刚出生不久的耶稣。画中圣母玛利亚坐在她母亲圣安妮的膝上，耶稣正想骑在一只祭祀用的羔羊上，表现出其激情；而玛利亚想拉紧耶稣。扩展资料：英国国家美术馆的其他藏品介绍：1、《维纳斯与战神》关于这幅画的来源迄今仍无定论，但仅仅就他对古代天神不可思议的憩息状态的描绘，就令人赞赏不已。画中人物有的出于诙谐之笔如森林之神，还有沉睡中的战神以及维纳斯，画家描绘面容的笔法，真令人动容。维纳斯凝神专注地看着沉睡中的战神，代表了新柏拉图派的观念：爱与和睦战胜了战争与冲突。维纳斯似乎主宰和安抚了战神，她变成了大自然和人类之母，而不是充满情欲的爱的女神。画中的她穿着朴实无华的洁白长袍，长袍绣着金边，和她浓密的金发相互辉映；战神不像是一个令人望而生畏的征战之神，倒像是被午后暖洋洋的气候所征服的少年。为了加强这种平和的气氛，森林之神农牧神则在他身旁嬉戏，玩弄着他丢在一旁的甲胄，整个画面充满一种安宁。这幅作品色泽纯洁鲜明，人物形态完美，谑而不虐，笼罩着一片和谐气氛，是波提且利最优美的作品之一。2、《阿尔诺芬尼夫妇像》《阿尔诺芬尼夫妇像》（The Arnolfini Portrait，全名：Portrait of Giovanni Arnolfini and his Wife）是尼德兰画家扬·凡·艾克1434年创作的一幅木板油画，现藏于英国国家美术馆（伦敦国家美术馆）。该油画描绘了尼德兰典型的富裕市民的新婚家庭，逼真地刻画了阿诺芬尼夫妇肖像。该画用色十分细腻，画中的主人翁是阿尔诺芬尼和他的新婚妻子。阿尔诺芬尼举着右手，似在宣誓。他的妻子则虔诚地微低着头，伸出右手表示永作丈夫的忠实伴侣。画家对环境一一进行刻画。真实地描绘了典型的资产者形象。不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。参考资料来源：百度百科——英国国家美术馆

达芬奇十大名画如下：1、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，但同时也是达芬奇最为诡异的画作之一。比如神秘的外星人，比如这幅画背后的风景中藏匿的四个动物，最迷人的还是要数其“神秘的微笑”了，据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒，每个人对这幅画都有不同的看法。2、《最后的晚餐》达芬奇的著作《最后的晚餐》是迄今为止最有名的宗教画作，这幅画的主题是，当耶稣宣布他的使徒中有一个人出卖他时，各大使徒都表现出不同的动作表情，这幅画藏了很多秘密，在下面的最后的晚餐的秘密图解中会有说到。细心的人会发现最后的晚餐多了一只手，那只手就在彼得的旁边，这只手似乎不属于任何人。3、《岩间圣母》我们将岩间圣母镜像一下，我们会得到一个类似外星人的图像，这是岩间圣母最令人细思极恐的。而且非常符合我们口中的小灰人的模样，以此成为达芬奇十大诡异的画之一。如果这是有意而为的话，会不会在那个时候，达芬奇已经发现了外星人的存在，又或者达芬奇自己本身就是个外星人呢。达芬奇十大诡异的画，蒙娜丽莎的背后有外星人。4、《圣安娜与圣母子》《圣安娜与圣母子》描绘圣母玛利亚的母亲圣安娜，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。5、《抱银鼠的女子》《抱银鼠的女子》是达·芬奇杰出的肖像画作品，体现了深厚的写实功力。这幅精美的肖像画，画面人物气质高贵沉静，女郎怀抱的白貂毛色光润，栩栩如生，充满朝气，充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧，而形态逼真的白貂使画面生动了起来。6、《母与子》《母与子》这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达芬奇所惯用的描绘公式，过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。7、《柏诺瓦的圣母》在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛利亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。8、《基督受洗》《基督受洗》是著名画家达芬奇的作品，这是一个基督教传统绘画题材，是应瓦隆勃罗萨教团之邀，为该教团的一所寺院而画的。据称这幅画的主要构图是委罗基奥完成的，达芬奇补充了剩下的部分在这幅画上，达·芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，要比老师所画的其他几个人物生动得多。9、《勒达与天鹅》在这幅《勒达与天鹅》中，全裸的勒达占据画面中心，右手搂抱着鹅颈。她体态丰腴，脸上挂着“蒙娜.丽莎”般的微笑。天鹅张开右翅紧抱丽达，仰望着她的面孔似欲亲吻，勒达羞涩地将面庞避向右肩。10、《施洗者圣约翰》《施洗者圣约翰》达·芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。

中文名： 列奥纳多·达·芬奇 外文名： Leonardo Di Ser Piero Da Vinci 国籍： 意大利(佛罗伦萨共和国) 出生地： 佛罗伦萨芬奇镇 出生日期： 1452年4月15日 逝世日期： 1519年5月2日 职业： 画家，科学家信仰： 天主教 主要成就： 留下众多传世名画深入研究自然科学各学科推动文艺复兴进程 代表作品： 《蒙娜丽莎》，《岩间圣母》，《最后的晚餐》

达芬奇十大名画具体如下：1、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》目前被收藏在法国卢浮宫博物馆，画出了一个女性比较优雅的形象，画中女人在微笑。这幅画折射出女性深邃与高尚的思想品质，反映了当时的人们对女性的一种审美理念和审美的追求。2、《吉内薇拉-班琪》《吉内薇拉-班琪》目前被收藏在华盛顿国立美术馆，是达芬奇1474年在佛罗伦萨时期绘画的一个经典名画，这是达芬奇在那个时期唯一的一幅肖像画，但是可惜的是目前这幅画受损被裁切。3、《自画像》《自画像》是达芬奇的一个素描作品，这幅画达到了极高的水平被誉为素描艺术的典范。这幅画的线条丰富多变，画很生动灵活，简单的几笔就能够画出立体感很强的画作，人物的表情也很传神。4、《最后的晚餐》《最后的晚餐》的题材是耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐，画中的人物的表情和神态画的非常的精细入微，惟妙惟肖。5、《安吉里之战》《安吉里之战》是达芬奇最重要的一幅巨作，这幅画描画的是关于军事题材的美术作品。这幅画画出了战马和士兵战斗的情景，是一幅艺术成就很高的作品。6、《柏诺瓦的圣母》《柏诺瓦的圣母》是达芬奇在1478年创作的一幅油画作品，目前被收藏在俄罗斯圣彼得堡艾米塔吉博物馆。这幅画画出了圣母玛莉亚与圣婴耶稣，散发出密感与同质性很吸引眼球。7、《抱银鼠的女子》《抱银鼠的女子》画出了一个文静美丽气质高贵的女性形象，画中的女人是切奇利亚-加勒兰妮，画家画出了女性优雅的头颅和柔美的脸庞，怀中抱着一个银鼠。8、《哺乳圣母》《哺乳圣母》表现的是母爱，里面的人物形象丰满，神态恬静表现出一个妈妈对孩子的爱，怀里的婴儿画得很生动，被收藏在藏于圣彼得堡冬宫博物馆。9、《持康乃馨的圣母》《持康乃馨的圣母》画出了圣母金黄色的卷发和双眼望着下方的保健神情，圣婴正伸出手想要抓住康乃馨，这个粉色的康乃馨是玛利亚看到耶稣受苦流下的眼泪，眼泪掉落的地方长出了康乃馨。10、《戴珍珠头饰的夫人像》《戴珍珠头饰的夫人像》是达芬奇于1490年画的一幅油画作品，画中的女性是微笑的，画家把画中的女性的脸部轮廓和美丽的秀发以及头饰等描绘得比较精确。

达芬奇十大名画如下：1、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，但同时也是达芬奇最为诡异的画作之一。比如神秘的外星人，比如这幅画背后的风景中藏匿的四个动物，最迷人的还是要数其“神秘的微笑”了，据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒，每个人对这幅画都有不同的看法。2、《最后的晚餐》达芬奇的著作《最后的晚餐》是迄今为止最有名的宗教画作，这幅画的主题是，当耶稣宣布他的使徒中有一个人出卖他时，各大使徒都表现出不同的动作表情，这幅画藏了很多秘密，在下面的最后的晚餐的秘密图解中会有说到。细心的人会发现最后的晚餐多了一只手，那只手就在彼得的旁边，这只手似乎不属于任何人。3、《岩间圣母》我们将岩间圣母镜像一下，我们会得到一个类似外星人的图像，这是岩间圣母最令人细思极恐的。而且非常符合我们口中的小灰人的模样，以此成为达芬奇十大诡异的画之一。如果这是有意而为的话，会不会在那个时候，达芬奇已经发现了外星人的存在，又或者达芬奇自己本身就是个外星人呢。达芬奇十大诡异的画，蒙娜丽莎的背后有外星人。4、《圣安娜与圣母子》《圣安娜与圣母子》描绘圣母玛利亚的母亲圣安娜，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。5、《抱银鼠的女子》《抱银鼠的女子》是达·芬奇杰出的肖像画作品，体现了深厚的写实功力。这幅精美的肖像画，画面人物气质高贵沉静，女郎怀抱的白貂毛色光润，栩栩如生，充满朝气，充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧，而形态逼真的白貂使画面生动了起来。6、《母与子》《母与子》这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达芬奇所惯用的描绘公式，过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。7、《柏诺瓦的圣母》在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛利亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。8、《基督受洗》《基督受洗》是著名画家达芬奇的作品，这是一个基督教传统绘画题材，是应瓦隆勃罗萨教团之邀，为该教团的一所寺院而画的。据称这幅画的主要构图是委罗基奥完成的，达芬奇补充了剩下的部分在这幅画上，达·芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，要比老师所画的其他几个人物生动得多。9、《勒达与天鹅》在这幅《勒达与天鹅》中，全裸的勒达占据画面中心，右手搂抱着鹅颈。她体态丰腴，脸上挂着“蒙娜.丽莎”般的微笑。天鹅张开右翅紧抱丽达，仰望着她的面孔似欲亲吻，勒达羞涩地将面庞避向右肩。10、《施洗者圣约翰》《施洗者圣约翰》达·芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。

达·芬奇是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇，意大利著名画家、科学家，与拉斐尔、米开朗基罗并称意大利文艺复兴三杰，也是整个欧洲文艺复兴时期的代表之一。达芬奇是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。扩展资料：在美术方面，达芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。尤其是他创立的明暗法，完全抛弃了15世纪用呆板的轮廓线勾画形象的方法，而是用明暗烘托，让形象从深暗的背景中浮现出来，增加了画面的生动感和空间感。达芬奇研究大气与色彩的关系，发明了“薄雾法”（即空气透视法），让远景沐浴在淡蓝的空气中，绘画的透视关系变得更正确更完善。达芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解，人们从他遗留的大量手稿笔记中整理出《绘画论》，这本书集中体现了他的美学思想。书中提出著名的镜子说，认为绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就像镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。参考资料：百度百科-达芬奇

兰登揭开盖子，把盒子打开，他没把注意力放到密码盒的标有字母的刻度盘上，而是集中到盒盖下侧的小洞上。他用钢笔尖非常谨慎地移开顶部的玫瑰镶嵌物，露出了下面的文字。这可是秘密啊，他沉吟道。出于对包括上述原因在内的诸多原因的考虑，我们最终选择在Polar的登录页将密码显示为明文，并在密码框右侧显示一个隐藏选项以防用户在需要的时候可以快速将明文密码切换为一个隐藏的字符串。另外，使用“文字框”按钮可以方便地在斜线上下方添加文字，但文字周围有边框，要想取消它，可选中文字框，调出快显菜单，选择“对象格式”“图案”，选择“无边框”项即可。“斯巴达棒”的加密原理就是，把长带子状羊皮纸缠绕在圆木棍上，然后在上面写字；解下羊皮纸后，上面只有杂乱无章的字符，只有再次以同样的方式缠绕到同样粗细的棍子上，才能看出所写的内容。岩间圣母》（MadonnaoftheRocks，藏于卢浮宫；该作品后经重画，叫TheVirginoftheRocks，藏于伦敦国立美术馆）。在这张画背后索尼埃藏了一把钥匙，并用馆长的隐写笔在钥匙上写了一个地址。

绘画作品：油画：《蒙娜丽莎》《圣耶若姆》（未完成）《吉内薇拉·班琪》《音乐家肖像》（未完成）《抱银鼠的女子》《额饰女郎》《戴珍珠头饰的夫人像》《拈花圣母》《哺乳圣母》《柏诺瓦的圣母》《加罗法诺的圣母》《岩间圣母》《纺车边的圣母》《圣母子与圣安妮》《受胎告知》《博士来拜》（未完成）《基督受洗》（合作）《施洗者圣约翰》《酒神巴卡斯》《莉妲和天鹅》（原画遗失）《维特鲁威人》《世界的救世主》壁画：《最后的晚餐》《安吉亚里之战》（未完成）扩展资料：意大利文艺复兴时期的“天才画家”莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）为世界留下了众多不朽的画作，他的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》等绘画作品为人们熟知。近日，专家在达·芬奇的另一件珍贵绘画作品上收获了意外的惊喜。专家们在一件画作上发现了达·芬奇的指纹墨迹，这令他们倍感兴奋。专家表示，这将有助于人们更好地了解达·芬奇作的创作过程。这张作品图纸左侧边缘留有一个红棕色墨迹的拇指指纹，据推测，这可能是因为达·芬奇是左撇子的缘故。英国皇家收藏信托公司印刷及绘画作品主管马丁·克莱顿（Martin Clayton）透露，“指纹的位置很符合一个左撇子拿东西的习惯，纸张背面的相应位置也留下一个食指指纹。”马丁·克莱顿推测，“达·芬奇可能是在完作品成后，用沾着墨水的手指拿起画作，无意中把指纹留在了上面”。“虽然达·芬奇的其他六件作品上也留有指纹痕迹，但都没有这件作品上的指纹清晰，并且用肉眼就能清晰看到”。马丁·克莱顿认为，人们往往会神化达·芬奇这样的天才作家，而这个指纹也可也表明，他其实我们普通人是一样的，他也和其他艺术家一样在同样的条件下进行创作。这幅作品创作于1509年左右，主要描绘了女性的心血管系统以及其他主要器官，它是达·芬奇144张罕见画作之一。作为英国皇家收藏品的一部分，达·芬奇的这些作品被保存在温莎城堡中，精心收藏。参考资料来源：百度百科-达·芬奇 （文艺复兴三杰之一

他创作了举世闻名的壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》,被美术史家称为三大杰作。

一 文学三杰1但丁Alighieri Dante（1265－1321）。文艺复兴的先驱，文艺复兴运动起源于意大利北部，一般认为第一个代表人物是但丁，其代表作为《神曲》，他的作品首先以含蓄的手法批评和揭露中世纪宗教统治的腐败和愚蠢，以地方方言而不是作为中世纪欧洲正式文学语言的拉丁文进行创作。 他认为古希腊、罗马时代是人性最完善的时代，中世纪将人性压制是违背自然的。他虽然对拉丁文学有深入广泛的研究，但用意大利方言写了大量的以十四行诗为形式的抒情诗歌，受到各城市国家统治者的热烈欢迎。2彼特拉克意大利诗人。1304年7月20日生于阿雷佐城，1374年7月19日卒于阿尔夸。代表作有《歌集》。父亲是佛罗伦萨的望族、律师。他自幼随父亲流亡法国，后攻读法学。父亲逝世后专心从事文学活动，并周游欧洲各国。他还当过神甫，有机会出入教会、宫廷，观察生活，追求知识，提出以“人的思想”代替“神的思想”，被称为“人文主义之父”。3薄伽丘乔万尼·薄伽丘（1313—1375），一译卜伽丘，意大利文艺复兴运动的杰出代表，人文主义者。代表作《十日谈》批判宗教守旧思想，主张“幸福在人间”，被视为文艺复兴的宣言。二 美术三杰1达芬奇蒙娜丽莎列奥纳多·达·芬奇（1452－1519）意大利文艺复兴时期最负盛名的美术家、雕塑家、建筑家、工程师、科学家、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、和发明家。正因为他是一个全才，所以他也被称为“文艺复兴时期最完美的代表人物”他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。2拉斐尔拉斐尔（1483～1520）意大利画家。1483年4月6日生于乌尔比诺 ，1520年4月6日卒于罗马 。原名拉法埃洛·圣乔奥 。他的一系列圣母画像，和中世纪画家所画的同类题材不同，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。其中最有名的是《带金莺的圣母》（藏佛罗伦萨乌菲齐美术馆）、《草地上的圣母》（藏维也纳美术史博物馆）和《花园中的圣母》( 藏卢浮宫博物馆）。1512～1513年绘成的大型油画《西斯廷圣母》，人物形象和真人大小相仿，由圣母、圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣的体态健美而有力量，表现了母爱的幸福与伟大。另一幅更为高大的是祭坛画形式的《福利尼奥的圣母》和稍后创作的《椅中圣母》《阿尔巴圣母》，都堪称是他完美无缺的作品。1509年后，他被罗马教皇尤里乌斯二世邀去绘制梵蒂冈皇宫壁画，其中签字厅的壁画最为杰出。这批遍布大厅四壁和屋顶的绘画，分别代表了人类精神活动的4个方面：神学、哲学、诗学和法学，作品除发挥了他特有的绘画风格外，还特别注意到了绘画表现与建筑装饰的充分和谐，给人以庄重显明、丰富多彩之感。这期间重要作品还有为埃利奥多罗厅绘制的《埃利奥多罗被逐出神殿》和《波尔申纳的弥撒》，为火警厅绘制的《波尔戈的火警》和为法尔内西纳别墅绘制的《加拉泰亚的凯旋》等。这些作品的形象塑造和光色运用都达到了新的境界，被誉为古今壁画艺术登峰造极之作。他的肖像画也有很高成就。特点是形神兼备，气韵盎然。多采用微侧半身姿态，将背景隐去，唯以人物自然亲切的神态突出于画面 。代表作为《卡斯蒂廖内像》和《披纱女子像》。大卫3米开朗基罗米开朗基罗·博那罗蒂（1475－1564），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。1496年，米开朗基罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间完成了举世闻名的《大卫》。1505年在罗马，他奉教皇尤里乌斯二世之命负责建造教皇的陵墓，1506年停工后回到佛罗伦萨。 1508年，他又奉命回到罗马，用了四年零五个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。1519－1534年，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品——圣洛伦佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1536年，米开朗基罗回到罗马西斯廷教堂，用了近六年的时间创作了伟大的教堂壁画《末日审判》。之后他一直生活在罗马，从事雕刻、建筑和少量的绘画工作，直到1564年2月18日逝世于自己的工作室中。

说我呢？《基督受洗》(The Baptism of Christ；1472–1475) – 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆 (Uffizi；此画来自维罗吉欧工作室(Verrocchio)，画作的左侧天使是达芬奇最早的遗世画作) 《受胎告知》，作于1475年—1480年，现藏于意大利佛罗伦斯乌菲齐美术馆 《吉内薇拉·班琪》(Ginevra de" Benci；c. 1475) – 美国，华盛顿，国家艺廊(National Gallery of Art) 《柏诺瓦的圣母》(The Benois Madonna；1478–1480) – 俄罗斯，圣彼得堡，艾米塔吉博物馆(Hermitage Museum) 《持康乃馨的圣母》(The Virgin with Flowers；1478–1481) – 德国，慕尼黑，古代美术馆(Alte Pinakothek) 《三博士来朝》(Adoration of the Magi；1481) – 意大利，佛罗伦斯，乌菲齐美术馆 《岩间圣母》，作于1483年—1486年，现藏于法国巴黎卢浮宫 《抱银貂的女子》(Lady with an Ermine；1488–90) – 波兰，克拉格(Kraków)，札托里斯基博物馆(Czartoryski Museum) 《音乐家肖像》(Portrait of a Musician；c. 1490) – 意大利，米兰，安波罗修美术馆(Pinacoteca Ambrosiana) 《哺乳圣母》(Madonna Litta；1490–91) – 俄罗斯，圣彼得堡，艾米塔吉博物馆 《拉·蓓儿·菲罗奈瑞》(La belle Ferronière；1495–1498) – 法国，巴黎，卢浮宫 — 是否由达芬奇所绘仍存有争议 《最后的晚餐》，作于1498年，现藏于意大利米兰葛拉吉埃修道院(Santa Maria delle Grazie) 《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》(The Virgin and Child with St. Anne and St. John the Baptist；c. 1499–1500) – 英国，伦敦，英国国家美术馆(National Gallery) 《纺车边的圣母》(Madonna of the Yarnwinder；1501) 原作已佚失 《蒙娜丽莎》，作于1503年—1505年/1507年，现藏于法国巴黎卢浮宫 《岩间圣母》，作于1508年，现藏于英国国家美术馆 《莉妲和天鹅》(Leda and the Swan；1508) - (仅复制画留存 — 最好的临摹画在意大利，罗马，波基西艺廊(Galleria Borghese) 《圣母子与圣安妮》(The Virgin and Child with St. Anne；c. 1510) – 法国，巴黎，卢浮宫 《施洗者圣约翰 (达芬奇)》，作于约1514年，现藏于法国巴黎卢浮宫 《巴卡斯》(Bacchus或St. John in the Wilderness；1515) – 法国，巴黎，卢浮宫

莱昂纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是"文艺复兴时代最完美的代表"，是"第一流的学者"，是一位"旷世奇才"。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。 达·芬奇于1452年生于佛罗伦萨郊区芬奇镇，1519年5月2日卒于法国昂布瓦斯附近。 达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥（AndreadelVerrocchio；1435～1488；意大利雕刻家，画家）的作坊学艺。1472年入画家行会。15世纪70年代中期个人绘画风格逐渐成熟。1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外，还从事其它艺术和科学活动。这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出游曼图亚和威尼斯等地。1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画。1507年再去米兰，并服务于法国宫廷。1513年移居罗马，1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学研究，死后留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。 达·芬奇他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。学术界一般将其创作活动分为早期和盛期两个阶段。 当他在韦罗基奥的作坊学艺时，就表现出非凡的绘画天才。约1470年他在协助韦罗基奥绘制《基督受洗》时，虽然只画了一位站在基督身旁的天使，但其神态、表情和柔和的色调，已明显地超过了韦罗基奥。现存他最早的作品《受胎告知》，虽没有创新，而背景山水的描绘却已注意到了空气氛围的表现。这表明他一开始就致力于解决写实与典型加工的辩证关系。稍后创作的《吉内夫拉·德本奇像》，一反15世纪艺术追求线条分明的传统，以逆光夕照的色调渲染他所倡导的透视效果。1481年创作的《博士来拜》（又译《三王来拜》），是标志其艺术风格达到成熟期的作品。该画虽由于他动身去米兰而没有完成，但从原稿上可以看出其构图和形象塑造所显示的艺术创新，大大超越了他的老师和同辈：由圣母婴孩和三位博士所形成的三角形稳定构图，按精确的透视法画的建筑遗迹和奔腾飞跃的马群等背景，说明他已不再从叙事的角度简单地罗列有关人物，而是对传统的题材进行彻底的改造。他所采用的色调幽暗的画法，使人物形象从阴影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点，预示着文艺复兴的到来。 1482年达·芬奇来到米兰，应圣弗朗切斯科教堂的邀请绘制祭坛画《岩间圣母》。这幅现藏于巴黎的作品，虽仍然是传统题材，但人物形象的塑造和岩窟幽深的刻画及山岩间花草逼真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。《最后的晚餐》是他在这一时期创作中最负盛名之作。这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，绘制在米兰圣玛丽亚·德拉格拉齐耶修道院饭厅。巧妙的构图和独具匠心的经营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。在人物布局上，一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其它门徒通过各自不同的手势、表情，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，它与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。1500年达·芬奇回到佛罗伦萨，随着共和制度的恢复，文化气氛一度活跃，画坛上也先后出现了米开朗琪罗（Michelangelo，1475～1564；意大利文艺复兴时代雕刻家，画家，建筑师）、拉斐尔（Raphael，1483～1520；意大利画家，以画宗教画着称于世）等杰出人物。他向市民展出的一幅经过精心构思的《圣母子与圣安娜》，立即引起轰动，其构图原理和画法对艺术界有极大影响，米开朗琪罗和拉斐尔等人也从中得到启发。 1503年，达·芬奇为市政厅大会议厅绘制壁画（因再次去米兰而始终未完成）。在这期间，他创作了《蒙娜丽莎》和《圣母子与圣安娜》。这是两幅他极为珍爱的作品，始终带在身边，晚年移居法国也不离左右，最后遗存巴黎。 在达·芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化，他的每一件作品都以素描作基础。其艺术理论散见于他的5000多件笔记和未完稿的《画论》中，也是文艺复兴时代理论研究的重大成果。 达·芬奇的现实主义艺术成就，奠基于他对众多自然学科领域的研究。他以博学多才着称，在数学、力学、光学、解剖学、植物学、动物学、人体生物学、天文学、地质学、气象学以及机械设计、建筑工程、水利工程等方面都有不少创见和发明。他用深刻的观察和敏捷的思考以及熟练的数学、工程知识丰富了几乎所有知识领域。他随身带的笔记手稿已发现有7000多页，可惜没有完整的著作发表，因此许多先进的思想和天才的预见，当时未能发挥作用。例如，他曾用虚速度的原理来解释静力学的基本问题。他还结合绘画研究过光影、明暗、色彩和各种透视现象，指出黑白不是真正的颜色。他设想光的传播如同投石击水引起的水波和空气中的声波一样，也由中心向外传播。他作过针孔成像实验，并以光线的直进加以阐明。他还曾研究过人的眼球，设计光学仪器。 他是一位真正的推动历史进步的人。

达芬奇的主要作品x0dx0a一、油画x0dx0a　　《蒙娜丽莎》x0dx0a　　《圣耶若姆》（未完成）x0dx0a　　《吉内薇拉·班琪》x0dx0a　　《音乐家肖像》（未完成）x0dx0a　　《抱白貂的女子》x0dx0a　　《额饰女郎》x0dx0a　　《戴珍珠头饰的夫人像》x0dx0a　　《拈花圣母》x0dx0a　　《哺乳圣母》x0dx0a　　《柏诺瓦的圣母》x0dx0a　　《加罗法诺的圣母》x0dx0a　　《岩间圣母》x0dx0a　　《纺车边的圣母》x0dx0a　　《圣母子与圣安娜》x0dx0a　　《受胎告知》x0dx0a　　《博士来拜》（未完成）x0dx0a　　《基督受洗》（合作）x0dx0a　　《施洗者圣约翰》x0dx0a　　《酒神巴卡斯》x0dx0a　　《莉妲和天鹅》（原画遗失）x0dx0a　　《维特鲁威人》x0dx0a二、壁画x0dx0a　　《最后的晚餐》x0dx0a　　《安吉里之战》（原画遗失） x0dx0a三、著名作品为：《蒙娜丽莎》 《最后的晚餐》 《安吉里之战》 《维特鲁威人》 《岩间圣母》 《达芬奇自画像》

十五至十六世纪，著名艺术家达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔的绘画及雕塑艺术，被后世誉为意大利文艺复兴时期的三杰。他们的辉煌成就，不仅对欧洲而且对全世界后来艺术的发展产生了深远的影响。三杰作品至今为世人推崇乐道。我们如何赏析这些艺术巨匠的遗产呢？ 1、 达·芬奇 列昂纳多·达·芬奇，意大利文艺复兴时期的一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题，另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他的艺术实践和科学探索精神对后世产生了重大而深远的影响。其代表作有壁画《最后的晚餐》和肖像画《蒙娜丽莎》。 2、 米开朗基罗 米开朗基罗·博那罗蒂(Michelangelo Bounaroti, 1475－1564)，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。《大卫》、《摩西》、《哀悼基督》、《最后的审判》是他的代表作。 3、 拉斐尔 拉斐尔是意大利杰出的画家，和达·芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴时期艺坛三杰。他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。

1、《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》创作时间，大约从1503年至1506年。该幅画创作于达·芬奇人生的转折点，即从服务了17年的米兰斯佛扎宫廷，回到了佛罗伦斯。很有可能在那段时间里，达·芬奇赢得了政治家马基维利的支持，他主要从事军事工程，利用业余时间创作绘画作品。达·芬奇画完《蒙娜丽莎》之后，便投入到了亚诺河改造计划。2、《最后的晚餐》15世纪90年代，小说家马泰奥·班代洛还只是个孩子，那时他在米兰的圣玛利亚感恩教堂道明会修道院做见习修道士，他的叔叔维琴佐当时是那里的院长。班代洛常会看着列奥纳多·达·芬奇在修道院的北墙上工作来打发时间，达·芬奇当时正在绘制斯福尔扎时期一幅伟大的杰作——《最后的晚餐》。班代洛描述：达·芬奇一大早就爬上脚手架马不停蹄地就开始工作。有时他会在那里从早干到晚，手里一直都拿着画笔。他画个不停，常会忘记吃饭或喝水。有时候，他会连续几天不碰画笔，一天中有好几个小时伫立在他的作品面前，双臂交叉放在胸前，独自一人用挑剔的眼光审视着画中的人物。也看到过他在中午太阳最烈的时候，好像突然有急事要做一样，放下手头正在制作的黏土模具，离开韦奇奥宫直奔圣玛利亚感恩教堂。他也不找个阴凉处休息片刻，就赶忙爬上脚手架，拿起画笔在墙上涂上一两笔，然后随即转身离开。扩展资料：《蒙娜丽莎》的后世影响：1、作品反响17世纪中期，达·芬奇的名字和《蒙娜丽莎》出现，曾经在枫丹白露宫编纂艺术品目录的班尔·汤，把《蒙娜丽莎》称为“画中之画、首屈一指”。每年到卢浮宫鉴赏《蒙娜丽莎》作品的人数，大约有600万左右。2、衍生作品1919年，达达主义的代表人物、20世纪的艺术家马歇尔·杜尚开启了带胡须《蒙娜丽莎》肖像的无限重复创作。并且，这一改造成为现代艺术史上的标志性事件，杜尚也成了“恶搞”《蒙娜丽莎》的“始作俑者”。1965年，马歇尔·杜尚在作品《拉西》中去掉了蒙娜丽莎的小胡子，以这种方式宣称“蒙娜丽莎”是达·芬奇和杜尚跨越文艺复兴和20世纪两个时期，在新艺术史中共同创作的作品。参考资料来源：百度百科-蒙娜丽莎参考资料来源：百度百科-最后的晚餐